Что то связанное с музыкой
25 удивительных фактов из мира музыки
Хотя кажется, будто музыка — это просто, и мы часто воспринимаем её как должное, это одна из самых сложных и потрясающих вещей во всей вселенной. Основанная на математических принципах, музыка невероятна как минимум тем, что волны определённых частот в комбинации создают такие мелодии, которые оказывают на нас самое положительное воздействие. По сути, музыка — это нечто встроенное в физическую систему нашего мира. Она вытекает из тех же законов физики и математики, что упорядочивают наш мир на молекулы и атомы. Также она влияет на наш мозг — самый продвинутый компьютер на свете. Для того чтобы по-настоящему понять музыку, вам необходимо знать как о сложности физического мира, так и о мельчайших деталях сферы биологии. И хотя в этом списке не будет скучных объяснений сложных вопросов, мы собираемся рассказать о нескольких захватывающих вещах, связанных с музыкой, а также о её влиянии в нашем мире. Можно с уверенностью сказать, что на свете нет ни одного человека, которого бы ни разу в жизни не затронула музыка. Итак, предлагаем вам ознакомиться с двадцатью пятью удивительными фактами о музыке, которые вы могли не знать.
Занимательный факт о Битлз
Ни один из «битлов» не знал музыкальных нот.
Музыка сердца
Музыка действительно влияет на состояние нашего организма
Ваше сердце подстраивается под ритм музыки, которую вы слушаете.
Лео Фендер
Для того чтобы изобретать гитары, необязательно на них играть
Лео Фендер, изобретатель таких моделей гитар, как Telecaster and the Stratocaster, сам не умел играть на этом инструменте.
Самый длинный концерт
К сожалению, мы не дождёмся окончания самого продолжительного концерта
Самый длинный концерт за всю историю начался в 2001 году в церкви в немецком городе Хальберштадт — он должен завершиться в 2640 году и продлиться, таким образом, 639 лет.
Элвис Пресли
Элвис покорил всех обаянием и голосом, а не умением сочинять лирику
Король рок-н-ролла не написал самостоятельно ни одну из своих песен.
Опасная громкость
Если вас тянет выпить, сделайте музыку потише
Громкая музыка может стать причиной желания выпить больше алкоголя за меньшее время.
Ушной червь
К сожалению, эти черви бывают довольно навязчивыми
Для заевшей в голове песни в английском языке есть термин — «earworm», что дословно переводится как «ушной червь». Слово прозошло от немецкого «Ohrwurm».
Самый быстрый рэпер
Рекорд рэпера — 723 слова за 51 секунду
NoClue, рэпер из Сиэтла, был занесён в Книгу рекордов Гиннеса как самый быстрый рэпер в мире — он способен прочитать 723 слова за 51,27 секунд.
Гормон удовольствия
Музыка способна сделать нас счастливее
Музыка вызывает активность в той же части мозга, которая производит «гормон удовольствия» — допамин.
Metallica
Суровые музыканты не боятся сурового климата
Metallica получила звание первой и единственной группы, которая играла на всех семи континентах. Она оказалась в Книге рекордов Гиннеса после того, как отыграла концерт в Антарктике.
Отпугивающие песни
Ради справедливости, песни Бритни вовсе не настолько ужасны
Британская армия использовала песни Бритни Спирс для того, чтобы отпугивать сомалийских пиратов.
Мотивирующая музыка
Обязательно берите в тренажёрный зал хорошие наушники
Прослушивание музыки во время тренировок способно значительно повысить физическую работоспособность.
Первая — значит лучшая
Не нравится ремикс на любимый трек? Дело не в том, что он плохо сведён
Как показали исследования, мы предпочитаем оригинальные версии песен не из-за того, что они лучше, а потому что мы услышали их в первую очередь (исследователи заставляли людей дважды оценивать одну и ту же песню, и они всегда выбирали её первый вариант, даже если в нём не было никаких изменений).
Сила воспоминаний
Все песни ассоциируются с определёнными событиями и людьми
Любимая песня человека всегда ассоциируется у него с определённым событием в жизни, вызвавшим сильные эмоции.
Happy Birthday
Happy Birthday — самая знаменитая песня в мире
Ежегодно компания Warner Brothers получает отчисления суммой в два миллиона долларов благодаря своим правам на песню Happy Birthday. Именно по этой причине вы никогда не услышите её в фильмах и по телевидению — для того, чтобы публично воспользоваться этим треком, вам придётся заплатить.
The Real Slim Shady
Иногда вдохновение приходит в самое неожиданное время
Эминем придумал и записал трек The Real Slim Shady за три часа до того, как его альбом был полностью готов.
Цветы-меломаны
Растения, как правило, предпочитают классику
Цветы растут быстрее, если они «прослушивают» музыку.
Jingle Bells
Новогодний гимн мог бы быть совсем другим
Первоначально новогодняя песня Jingle Bells предназначалась для Дня Благодарения.
Музыка как образ жизни
Наше сознание и музыка взаимно влияют друг на друга
Направление музыки, которое вы предпочитаете, отражает ваше восприятие окружающего мира и себя.
Умереть молодым
Жизнь рок-звёзд чрезвычайно интересна — но и очень трагична
Австралийское исследование показало, что рок-звезды действительно, по большей части, умирают молодыми. Как правило, они покидают этот мир на двадцать пять лет раньше среднестатистического человека.
Happy Morning
Правда, утро в День рождения всё равно должно быть добрым
В первой версии песни Happy Birthday вместо слов «happy birthday to you» («с днём рожденья тебя») были «good morning to you» («доброго утра тебе»).
Генерал Норьега
Панамский диктатор явно не был фанатом тяжёлой музыки
В 1989 году армия Соединённых Штатов использовала песни группы AC/DC перед посольством Ватикана, где прятался панамский диктатор Норьега — пока тот не сдался спустя сорок восемь часов.
Бедные музыканты
Большую часть дохода получает продюсерский центр
С каждой тысячи долларов, заработанной на продаже своей музыки, музыкант получает в среднем чуть больше двадцати трёх долларов.
Музыкальный удой
Музыка влияет не только на состояние людей
Коровы производят больше молока, если слушают расслабляющую музыку.
Эффект узнавания
Люди склонны лучше относиться к уже знакомой музыке
Так называемый «эффект узнавания» говорит о том, что мы предпочитаем те песни, которые мы уже когда-либо слышали. Другими словами, вам нравится какой-то трек не потому, что он хорош, а потому что вы уже с ним знакомы. Однако стоит «узнать» песню слишком хорошо — и вы уже близки к тому, чтобы начать её ненавидеть (как, например, рождественскую музыку).
Если вам кажется, что вы не любите музыку или не понимаете её — это означает, что вы всего лишь не успели найти своё любимое направление. Не бойтесь открывать для себя новое и экспериментируйте со своим музыкальным вкусом.
Семь научных доказательств влияния музыки на тело и психику людей [перевод]
Судя по числу исследований, посвященных влиянию музыки на физиологические и психологические аспекты нашей жизни, мы многое знаем (и в то же время многого не знаем) о том, как же музыка воздействует на разум и тело. «Чем лучше мы понимаем природу музыки и откуда она берется, тем лучше, возможно, мы будем понимать свои собственные мотивы, страхи, желания, воспоминания и даже общение в очень широком смысле», — говорит нейробиолог, музыкант и писатель Дэниел Левитин (Daniel Levitin) в своей книге «Это твой мозг под музыкой» (This Is Your Brain on Music).
Левитин спрашивает: «На что больше похоже прослушивание музыки — на поедание пищи для удовлетворения голода? Или на любование закатом или чесание спинки, которое активирует центры удовольствия в головном мозге?» Истина в том, что результаты воздействия музыки разнообразны. Однако в последние годы ученые добились небывалых высот в понимании того, как же человеческий мозг реагирует на музыку и каким образом звук влияет не только на разум, но и на тело.
Вот несколько примеров.
Музыка сделает вас умнее
Не секрет, что музыка оказывает сильное воздействие на мыслительную деятельность человека, благодаря чему активизируются разные отделы головного мозга, запоминаются мотивы и тексты. Разные мелодии и ритмы вызывают разные эмоциональные реакции. Доказано даже, что окружающие нас шумы средней громкости повышают креативность, а прослушивание музыки помогает при травмах мозга.
Для музыкантов дело обстоит еще лучше, особенно для тех, кто играет на музыкальных инструментах с детства. По данным некоторых исследований, изучение музыки способствует устойчивому развитию техник исполнения и невербальному мышлению. В своем интервью изданию «News in Health» нейроученый из медицинской школы Гарварда доктор Готфрид Шлауг (Gottfried Schlaug) утверждает, что у музыкантов состав нервов не такой, как у людей, не связанных с музыкой. При этом он ссылается на исследования, где говорится о том, что в мозгу музыканта больше сосудисто-нервных пучков, соединяющих левое полушарие с правым.
«При сочинении музыки активизируются различные отделы головного мозга, включая зрительный, слуховой и моторный, — говорит Шлауг. — Именно поэтому написание мелодий представляет потенциальный интерес для лечения нервных расстройств».
От грустной музыки не всегда становится грустно
Согласно исследованию, опубликованному в «Frontiers in Psychology» в 2013 году, от грустной музыки вам вовсе не обязательно захочется расплакаться. Результаты показывают, что музыка вызывает два типа эмоций: распознаваемые и испытываемые. Это значит, что, хоть многие люди и действительно грустят, слушая печальную музыку, процесс ее прослушивания не носит эмоционально-депрессивную окраску.
Результаты изучения 44 человек показали, что «грустная музыка, хоть и воспринималась трагичной, тем не менее, при ее прослушивании люди испытывали романтические, веселые и куда менее печальные эмоции, чем то, как они воспринимали композицию с когнитивной позиции». Таким образом, при прослушивании грустной музыки участники исследования испытывали двойственные ощущения.
Музыка производит положительный терапевтический эффект
С давних времен музыкальное сопровождение используется в очищающих ритуалах по всему миру, и наука считает, что это неспроста. В исследовании «Влияние музыки на человеческое тело и разум» Дона Кента (Dawn Kent), которое он провел в 2006 году в Гарварде, сказано, что Платон предлагал использовать музыку для лечения тревожности, а Аристотель считал музыку инструментом для избавления от нестабильного эмоционального фона. В Древней Греции Аполлон вообще был богом как музыки, так и здоровья.
«Музыка оказывает заметное физиологическое воздействие на многие биологические процессы, — сказано в исследовании Кента. — Она уменьшает последствия усталости, меняет пульс и выравнивает дыхание, давление, плюс оказывает психогальванический эффект».
В качестве доказательства Кент дает отсылки к книге Мишель Лефевр (Michelle Lefevre) «Играя со звуком: использование музыки в терапевтических целях при прямом взаимодействии с детьми» (Playing With Sound: The Therapeutic Use of Music in Direct Work With Children), вышедшей в 2004 году. В ней сказано, что визгливый тон и громкий дребезг могут вызвать панику и увеличить тревожность.
Одна из теорий даже описывает некий «Эффект Моцарта»: исследованием было подтверждено, что при прослушивании печально знаменитой «Сонаты для 2-х фортепиано ре мажор» у пациентов наблюдались признаки эпилептических припадков, даже у тех, кто находился в коме.
Музыка действительно задает настроение
Более того, музыкальное сопровождение может помочь добиться успеха на первом свидании. Согласно исследованию, проведенному во Франции, одинокие женщины, слушая романтическую музыку, намного охотнее давали свой номер телефона в отличие от тех, кто слушал что-то нейтральное.
Музыка поможет довести дело до конца
Разные исследования показали, что музыка повышает выносливость и помогает нам эффективнее тратить энергию при физических нагрузках. В одном из исследований 2012 года под названием «Займемся спортом: психология музыки для эффективных тренировок» (Let’s Get Physical: The Psychology of Effective Workout Music) утверждается, что велосипедисты, крутящие педали под музыку, потребляют на 7% меньше кислорода, чем те, кто не использует музыку для выравнивания ритма.
В работе, опубликованной в журнале «Scientific America», говорится, что частота ударов в минуту (bpm) в песне оказывает мотивационный эффект, но лишь только до определенного предела.
«В самом последнем исследовании утверждается, что потолок составляет 145 ударов в минуту, все, что выше, не намного повысит мотивацию. В отдельных случаях, скорость и плавность текста песни начинают вытеснять мелодию: многие люди работают под рэп, например, характеризующийся интенсивными и ритмичными текстами, положенными на относительно спокойную мелодию».
Например, в песнях «Born to Run» Брюса Спрингстина, «Don’t Make Me a Target» Spoon и «Do You Wanna Dance» Beach Boys частота ударов в минуту — 147.
Spotify пришел к такому же выводу, и в прошлом году запустил сервис Spotify Running, добавив к своей платформе технологию, позволяющую отслеживать темп бегуна и проигрывать в плейлисте песни с соответствующей частотой ударов в минуту.
Музыка поможет найти себя
Группа ученых из университета Миссури провела исследование и доказала: музыка улучшает настроение.
«Наша работа свидетельствует в пользу занятия, свойственного многим людям: слушать музыку для поднятия настроения, — пишет ведущий автор исследования Юна Фергюсон (Yuna Ferguson) в пресс-релизе для «Healtline reports». — Хотя попытки найти счастье зачастую воспринимаются как эгоизм, исследования показывают, что состояние радости способствует росту уровня социализации, состояния здоровья, дохода и удовлетворенности отношениями».
Петь в душе полезно
В своей статье для «Jweekly» доктор Джерри Салиман (Jerry Saliman) доказывает, что петь вслух полезно для здоровья, в частности, старшего поколения.
«Исследования показали, что пение способно улучшить работу мозга пожилых людей, страдающих от афазии (полной или частичной потери речи) или болезни Паркинсона, – пишет Салиман. – Кроме того, многие старики живут одни, в силу хронических недугов (например, артрита), ведут малоподвижный образ жизни, и ограничены в средствах. Простые и доступные способы развлечения и поддержания контактов положительно скажутся на их самочувствии».
Салиман добавляет, что установлена связь между пением и улучшением дыхательной системы пациентов с хроническим обструктивным легочным заболеванием: у тех, кто поет, наблюдается уменьшение одышки.
Вся история музыки в 65 карточках
Ключевые события европейской академической музыки: от Пифагора до Кейджа
В предлагаемой вашему вниманию хронологии мы учитывали только те ключевые моменты в истории музыки, которые оказали исключительно важное влияние не только на исторический музыкальный процесс, но и на музыкальную картину сегодняшнего дня. В наибольшей степени эти моменты связаны с технологией создания музыки и в меньшей степени — с персоналиями. Поэтому здесь, например, можно найти имена музыкантов и ученых, ничего не говорящие массовому слушателю, и наоборот: не представлены многие, всем известные. Также нам пришлось обойти многие факты музыкальной истории России, Византии и Востока: восточные культуры начали оказывать серьезное влияние на европейскую композицию только в середине ХХ века (например, игра Мессиана с индийскими ритмами или Кейджа с китайской «Книгой перемен»), а русская музыка вплоть до конца XIX века почти не оказывала никакого влияния на западную (которая, в свою очередь, сильно влияла на русскую). Мы не ставили своей задачей создать всеобъемлющую музыкальную историю, а только хотели представить читателю картину развития живого музыкального организма во всей его изменчивости и единстве.
Наша история начинается с Терпандра, поскольку в наши задачи входит описание не мифологии, а технологии, а Терпандр был первым ее создателем. Точно так же нижний предел — это Джон Кейдж. Его исследование музыки как объекта с определенными границами оказалось последней технологией, вписывающейся в традицию, пусть и в рамках авангарда. Дальше наступает ситуация постмодерна, в которой мы находимся до сих пор. Делать из нее однозначные выводы как невозможно без пространных философских экскурсов, так и пока рано, как кажется авторам.
Самые важные, ключевые, точки истории музыки помечены особо, в рассказе о них есть дополнительное пояснение композитора Бориса Филановского.
Считается, что поэт и музыкант из Спарты Терпандр первым начал распевать стихи на определенные мелодические модели (попевки), то есть использовал повторяющиеся музыкальные фразы для запоминания и декламации стихов.
Ему же приписывается усовершенствование первого профессионального музыкального инструмента — кифары, разновидности лиры: он добавил к четырем струнам (тетрахорду) еще три, благодаря чему диапазон инструмента увеличился почти до октавы, и положил начало дальнейшему теоретическому разделению этого диапазона на тоны и полутоны — простейшие интервалы между звуками.
Философу и мистику Пифагору приписываются первые попытки объяснить музыку, в частности интервалы между звуками, с помощью математики, а также установление связи между этими интервалами и движением планет. Пифагорейцы описали музыкальный строй с помощью ряда обыкновенных дробей и высчитали гармоничные и негармоничные интервалы. Эти интервалы строились с помощью монохорда (изобретение которого также приписывается Пифагору) — инструмента без резонатора со струной и подвижным зажимом. В реальной же музыке звучали не математически просчитанные «натуральные» интервалы, а лишь приближенные к ним.
Благодаря пифагорейцам теория отделяется от практики до веков, когда развитие музыкального языка приведет к тому, что снова будет необходимо рассчитывать интервалы, чтобы новые инструменты (особенно клавишные) не звучали фальшиво.
При Пиндаре, самом известном древнегреческом поэте, декламировавшем стихи с лирой, формировались основные жанры поэзии со сложными метрическими структурами. он создавал и систематизировал напевы, на которые распевались стихи и оды. Напевы разделились на несколько типов. Каждому соответствовал свой стихотворный метр и свой характер: спокойный и величавый у дорийских, более легкий и живой у эолийских, смиренный и спокойный у лидийских. Позже по типу распевов стали называться музыкальные лады (которые в свое время лягут в основу системы тональностей).
Можно сказать, что в это время трагедия — уже высокоразвитый жанр: Еврипид, например, использовал все существовавшие на тот момент разновидности напевов (мелосов) и применял их для повышения градуса драматического действия. Это и так называемые народные мелосы — дорийские, эолийские и лидийские, и более изысканные — с уменьшенными и увеличенными интервалами. В трагедии становится меньше хоров, больше монологов, появляются музыкальные антракты — интермедии. К этому же времени относятся первые дошедшие до нас фрагменты трагедий Еврипида с музыкальными знаками, которые в ряде случаев показывают несовпадение музыкального и поэтического метров, то есть мелодия отделяется от текста.
Изобретение гидравлоса — водяного органа — приписывается александрийскому изобретателю и математику Ктесибию. Гидравлос, главный инструмент, сопровождавший публичные мероприятия в Риме, положил начало дальнейшему развитию многоголосных инструментов и созданию искусственных тембров.
Блаженный Августин Аврелий Августин (354–430) — философ, христианский богослов, святой католической, православной и лютеранской церквей. в своем трактате «De musica» впервые дает математическое обоснование музыкальному и поэтическому ритму и рассчитывает метрические пропорции подобно тому, как это сделал Пифагор с пропорциями интервалов (см. здесь).
Поскольку вся система стихосложения основывалась на греческом языке, с распространением латинского языка на античные размеры опираться стало сложно. Августин предпринимает попытку анализировать ритмику как таковую, отдельно от размеров и строф, и приходит к выводу, что ритм кратен двум и трем. Именно из этого предположения вырастут позднейшие представления о трехдольном и двухдольном метре. Теоретические основания «De musica» лягут в основу самых первых практик ритмизации григорианского хорала в VII веке и системы записи нот.
Римский чиновник и философ Боэций в своем трактате «De institutione musica» («Наставления к музыке») вводит три категории музыки: мировая (mundana), человеческая (humana) и практическая (instrumentalis) и, таким образом, разделяет в человеке музицирующем три аспекта: теоретический, сочинительский и исполнительский. Боэций впервые вводит фигуру музыканта как мудреца и жреца гармонии, чем фактически задает парадигму композиторского творчества более чем на полторы тысячи лет. Боэцию также приписывают изобретение латинской буквенной нотации, самые ранние памятники которой, однако, до нас дошли только с XI века.
Около трех веков папские певцы отбирали и обрабатывали огромное количество вариантов богослужебного пения, как возникших в Европе, так и пришедших из Византии, Леванта и Северной Африки. В результате была составлена книга песнопений — антифонарий папы Григория I Великого. Первые варианты антифонария не содержали нотных знаков, а только тексты: сами напевы передавались в устной форме. Григорианский хорал, или «ровный напев» (plain chant), на многие годы стал основным мелодическим фондом европейской музыки.
В Константинополе, с IV века ставшем главным центром певческой культуры Великой Церкви (Церкви до ее раскола), составлен свод церковных песнопений Восточной (православной) церкви, аналогичный антифонарию папы Григория.
Главным его отличием от григорианского хорала был принцип организации песнопений (в том числе христиане использовали и античное музыкальное наследие) по восьми гласам — восьми разным ладам, по очереди использовавшимся в годовом богослужебном цикле. Со временем в православных странах возникали свои системы осмогласия, отличные от византийских. Так, в России сложилась своя система — знаменный распев, который оказал огромное влияние на русскую музыку. Это и оперное творчество Мусоргского, и музыка Рахманинова, построившего на знаменном распеве одну из тем своего знаменитого Третьего фортепианного концерта (1909) и тему судьбы в Третьей симфонии.
Византийский император Константин Копроним прислал в подарок Пипину Короткому небольшой орган. Тот поместил его в домовую церковь. Обычай использовать орган во время церковной службы прижился сначала в придворных кругах, а через некоторое время и в приходских храмах. Считается, что популярности органа способствовало то, что богослужения в католической церкви велись на латинском языке, который народ не понимал. Идея воздействовать на молящихся людей инструментальной музыкой оказалась важной для развития всей европейской музыки.
В восточных церквях богослужения совершались на понятном народу языке, и необходимости дополнять пение инструментами не возникло.
В античную эпоху звуки записывались буквами, но целиком нотированных таким способом сочинений до нас дошло крайне мало. Потом этот тип нотации был забыт, преобладала устная традиция. Только в самом конце первого тысячелетия появились новые системы записи музыки с помощью особых знаков — невм. От ноты невма отличается тем, что это комбинированный знак, в котором содержится звук или даже часть напева. Но невма подчинена только тексту и дыханию певца — в отличие от ноты, четко обозначающей длительность в рамках метра и ритма. Невмы бывают простые (одно-, двух- и трехзвучные) и составные (или расширенные) — для их чтения требуются дополнительные знаки. В степени невменную запись и линейную нотацию можно сравнить соответственно со слоговым и алфавитным письмом. Невменная запись распространилась практически везде, от Рима до нынешней Армении, от Константинополя до Киева и Владимира (русские «знамена» или «крюки», которыми записывается знаменный распев, — тоже невмы). До сих пор для записи церковных песнопений в некоторых традициях (византийской, древнерусской, болгарской) используются невмы. Это связано с тем, что невмы гораздо яснее передают дух хоральной мелодии, где священный текст — это главное, а его распев — нечто подчиненное. Однако принципиальная привязанность невм к определенным «порциям» певческого дыхания, а не к конкретным длительностям не дает возможности записывать с их помощью многоголосные сочинения, что дала изобретенная только в XI веке линейная система Гвидо. Поэтому невмы так и не вышли за пределы церковного обихода.
Бенедиктинский монах Гвидо д’Ареццо, руководитель монастырской певческой школы, пишет трактат «Микролог», в котором в том числе окончательно формулирует новый способ чтения музыкального текста: ноты располагаются на четырех линейках и в промежутках между ними; вводятся «ключи» для обозначения высоты (аналогичные сегодняшним скрипичному, альтовому и басовому); для удобства запоминания нотам даются названия по первым слогам молитвы к Иоанну Крестителю: ut, re, mi, fa, sol, la (ut впоследствии заменится на do, а si добавится к концу XVI века).
К этому времени относится начало парижской школы — первого цехового объединения композиторов. Собрание их произведений «Magnus liber organi» «Великая книга органума». Органум — жанр и техника музыкальной композиции. зафиксировало расцвет средневековой многоголосной музыки, которая, согласно современным источникам, начала зарождаться еще в IX–X веках (до этого все голоса хора исполняли одну и ту же партию). Кроме того, из «Magnus liber organi» мы узнаем первые имена композиторов: Леонин, Перотин Великий и другие монахи собора Нотр-Дам.
Важно отметить, что профессиональная музыка в то время составляла незначительную часть всего объема музыки; в гораздо большем ходу была народная и музыка трубадуров и труверов — все это вместе влияло на формирование традиции европейской академической музыки.
Французский композитор и епископ Филипп де Витри в своем трактате «Ars nova» усовершенствовал нотную запись: главным образом это касалось длительности нот и обозначений ритма. Читать музыку с листа и петь по голосам стало проще, что способствовало развитию новых жанров: баллады, мадригала, но прежде всего мотета. Мотет — сложная композиция из как минимум трех голосов (впоследствии нормой стало четыре), каждый из которых распевает разные тексты на разные мелодии и даже часто на разных языках. Есть мнение, что популярность этих жанров парадоксальным образом связана с пандемией чумы: дворы обособлялись, переставали приглашать бродячих менестрелей и вагантов и развлекали себя такими изысканными песнями на светские тексты. (Одна из таких сцен запечатлена, например, в «Маленьких трагедиях» Пушкина.)
Благодаря Гийому Дюфаи, наиболее влиятельному композитору XV века и основателю нидерландской школы, основой музыки эпохи Возрождения становится соединение не только независимых, но и сходных мелодий. В главных техниках музыкального письма этого времени — каноне и имитации — одна и та же мелодия звучит в разных голосах с определенным временным отставанием; все выстроено вокруг центрального голоса Он называется tenor — «держащий». — заранее заданного напева cantus firmus. Эта техника многоголосного письма в основном используется в главном европейском жанре этого времени — мессе.
Так складывается композиторская наука контрапункт (от лат. punctum contra punctum — «точка против точки»), искусство сочетания двух и более мелодических линий в соответствии со строгими правилами благозвучности (консонанса) и неблагозвучности (диссонанса).
Итальянец Оттавиано Петруччи публикует первый нотный сборник «Harmonice musices odhecaton» («Сто сладкогласных песен»), в котором напечатаны светские трех- и четырехголосные сочинения, среди прочих — авторства главных композиторов того времени: Окегема, Обрехта, Жоскена Депре и других.
Мартин Лютер и немецкий композитор и музыкальный теоретик Иоганн Вальтер создают так называемый «Виттенбергский песенник», в котором был переосмыслен жанр церковного хорала. Целью Лютера было приобщить всех прихожан к пению (в католической службе пел только хор, состоящий из монахов). За основу были взяты ритмизованные и «нарезанные» на строфы одноголосные григорианские хоралы и песенная структура, хорошо знакомая народу и удобная для запоминания. Эта модель, созданная мейстерзингерами Мейстерзингеры (от нем. Meistersänger — «искусный певец») — члены профессиональных цеховых объединений поэтов-певцов; в отличие от миннезингеров — «старых мастеров», творчество которых считали образцом для подражания. в XV веке, послужила очень ранним прообразом не только современной песни (куплет плюс припев), но и разных форм академической музыки.
Следует отметить, что, в отличие от многих других инструментов, инструменты скрипичного семейства не претерпели практически никаких изменений в конструкции (не считая конструкции смычка, а также других мелочей вроде формы подставки или замены жильных струн на стальные в ХХ веке).
По заказу королевы Франции Екатерины Медичи итальянский композитор Бальдасар Бальтазарини да Бельджозо ставит при французском дворе «Комедийный балет королевы» («Ballet comique de la Reine») — масштабный спектакль, в котором соединены поэзия, пение и разговоры, но преобладают танцы. С этой постановки начался балет в его сегодняшнем понимании.
Эксперименты Джезуальдо и других мадригалистов послужили формированию современной нам гармонии, мыслимой как последование аккордов, а не составляющих их отдельных тонов.
К началу XVII века главным жанром музыкального драматического представления была мадригальная комедия, где сложное многоголосное устройство песен не давало расслышать текст. Содружество философов-гуманистов и музыкантов — Флорентийская камерата — искало способы возродить жанр античной трагедии. Члены камераты композитор Якопо Пери и поэт Оттавио Ринуччини реформировали мадригальную комедию таким образом, что монологи стали ариями, диалоги — речитативами, а сами мадригалы — хорами. Первыми постановками в новом жанре считаются оперы «Дафна» (1598, не сохранилась) и «Эвридика» (1600).
Первые концерты Известны два основных типа кончерто гроссо: камерный концерт — concerto da camera и церковный концерт — concerto da chiesa. были написаны Джованни Бонончини и Джузеппе Торелли. Наиболее популярным в этом жанре в наше время стал монах Антонио Вивальди (1678–1741), создавший более 500 инструментальных концертов.
Итальянец Бартоломео Кристофори одним из первых усовершенствовал клавесин, основной на тот момент клавишный инструмент. Главным образом изменения коснулись способа извлечения звука: в клавесине струну защипывало перышко, а новый инструмент использовал звукоизвлечение другого родственного инструмента — клавикорда, в котором по струне бьет молоточек. Это давало музыкантам принципиально иные возможности: можно было играть громко или тихо в зависимости от характера прикосновения к клавишам. Но чтобы фортепиано приобрело современный вид, прошло около двух веков. Оно стало универсальным инструментом, на котором можно было играть любую музыку.
С начала XVIII века в Европу начинает проникать музыка военных оркестров янычар. Она была известна европейцам еще со времен нашествия османов в середине XVII века, но воспринималась тогда как «варварская» — гремящая, шумящая и дикая — и вызывала страх. Теперь же, когда опасность миновала, турецкий оркестр становится модной экзотикой. В 1720 году польский король Август II получает в подарок от турецкого султана комплект инструментов, составляющий традиционный военный оркестр: пять труб, два язычковых инструмента типа современных гобоев (шалмеи), большой барабан, тарелки и два маленьких барабанчика; в 1725 году такой комплект выписывает из Константинополя русская царица Екатерина I.
В «Хорошо темперированном клавире» Иоганн Себастьян Бах решает проблему деления октавы на части (темперации), про которую композиторы и музыкальные теоретики думали со времен Пифагора (см. здесь). Но решает ее не теоретически, а практически: Он пишет цикл клавирных произведений для всех 24 тональностей — 12 мажорных и 12 минорных. (Раньше композиторы предпочитали не сочинять произведения в тональностях с большим количеством знаков — диезов или бемолей — при ключе.)
Фактически своим произведением он декларирует: если октава делится на 12 равных полутонов, то во всех тональностях музыка будет звучать хорошо. Своим сборником Бах фактически узаконил новую систему темперации, актуальную и в наши дни.
Немецкий флейтист Иоганн Иоахим Кванц в своем трактате «Опыт наставления в игре на поперечной флейте» 1752 года впервые вводит фигуру музыкального руководителя, будущего дирижера. Этому посвящены главы «Что должно учитывать при выступлении в открытых концертах», «О качествах музыкального руководителя» и некоторые другие. Однако до появления книг о дирижерской профессии, написанных Берлиозом и Вагнером, пройдет еще почти сто лет, а до превращения дирижирования в «точную науку» Германом Шерхеном — еще больше (исследования Шерхена появляются на рубеже 1920-х и 1930-х годов).
Это не значит, что коллективное исполнительство до этого момента было совсем не централизовано: как правило, группой музыкантов руководил клавесинист, размахивая свернутыми нотами или рукой, или сам композитор с баттутой — специальной палочкой, служившей для отбивания такта. Известная нам дирижерская палочка появится в Вене в начале XIX века, а из «отбивателя ритма» в «творца» дирижер превратится в середине XIX века, когда повернется к публике спиной.
За полтора столетия итальянская опера (см. здесь) фактически превратилась в «концерт в костюмах» — последовательность номеров, почти не связанных единым сюжетом. Венский композитор Кристоф Виллибальд Глюк совместно с либреттистом Кальцабиджи снова обращается к античной драме. В опере «Орфей и Эвридика» он впервые применяет сквозное драматургическое развитие, в чем ему помогают успехи оркестровой музыки его времени, в первую очередь развитие симфонии. События стали разворачиваться не только в речитативах, но и в вокальных сценах. В самих речитативах зазвучал целый оркестр (раньше была только басовая линия). Да и сама опера стала значительно короче за счет сокращения огромного количества внесюжетных сольных номеров. Сам «Орфей», поставленный в Вене, успеха не имел, как и последовавшие за ним оперы, написанные по тому же принципу и тоже на сюжеты из греческой мифологии («Альцеста», «Парис и Елена»), но в Париже с новым либреттистом дю Рулле Глюк не только достигает европейской известности, но и приобретает учеников и последователей — Сальери, Спонтини и Керубини.
Принципы Глюка разделили не все композиторы, но оперный театр во всех странах, кроме Италии, стал развиваться по намеченному им пути, пока Вагнер не реформировал оперу снова.
Жан-Жак Руссо одновременно с Глюком (см. здесь) предлагает собственную реформу музыкального театра, убирая оттуда пение. Актеры просто декламируют и играют в сопровождении оркестра, который, как и у Глюка, определяет характер действия и дает поддержку исполнителям на сцене. Мотивы были те же, что и у Глюка: драма и музыка слишком далеко разошлись. Так появляется мелодрама, первый образец которой дает сам Руссо, — «Пигмалион». Мелодрама становится модной, но в романтическую эпоху практически исчезает из театра, становясь концертным жанром мелодекламации. Сегодня этот жанр почти исчез, но рэп, например, основан на тех же принципах «говорения под музыку».
Сначала в Чехии, Германии, а потом и в других странах Восточной и Северной Европы появляются хоровые общества — небольшие, но многочисленные объединения, исполняющие несложный хоровой репертуар. С этих «низовых» обществ начинает складываться такое явление, как национальная музыка и вообще музыкальный романтизм с его интересом к национальным традициям и малым формам — фортепианным пьесам и песням, которые удобны для домашнего исполнения.
В эпоху романтизма возникает новый тип музыканта — виртуоза, и складывается культ особого его почитания. Никколо Паганини, начавший как вундеркинд и продолживший карьеру почти непрерывно гастролирующего скрипача, привлекал публику не только мастерской и точной игрой, но и загадочным, порой экзальтированным поведением. Его собственные каприсы для скрипки (сочинения свободной формы, благодаря Паганини ставшие виртуозно-изысканным жанром), ноты которых мог купить каждый исполнитель, были первым вызовом виртуоза не виртуозу.
Только с одним обстоятельством Верди не удавалось бороться долгое время — это плохие либретто. Над либретто одной из самых популярных опер Верди «Трубадур» (1853) трудились несколько либреттистов, ни один из которых толком не закончил своей работы, поэтому в подробностях сюжета существует масса нестыковок. Но одновременно эта особенность «Трубадура» и делает его уникальной оперой: при правильно выстроенной музыкальной драматургии и эффектной мелодической основе сюжет уже перестает быть важным.
Вагнер воплощает в жизнь мечту романтиков о «тотальном театре» Это театр, не привязанный к месту, подстраивающийся под любую декорацию, подчас без актеров и даже зрителей. : он придумывает музыкальную драму — оперу со сквозным сюжетным и симфоническим развитием и с системой лейтмотивов (собственных мелодий каждого героя). До Вагнера такое было возможно в симфониях, но не в операх, делившихся на отдельные номера — арии, дуэты, хоры и речитативы. Вагнер первым использовал в опере симфонический синтаксис, то есть музыка перестала быть подчинена тексту, теперь они равноправны. Вагнеровские принципы стали основными для оперы второй половины XIX века.
Первый фортепианный концерт стал началом международного успеха Чайковского. И до сих пор это его сочинение остается, наверное, самым популярным во всем мире, и в особенности — в США.
В 1872 году король Людвиг Баварский () выделяет деньги на постройку оперного театра в Байройте для своего кумира Рихарда Вагнера, который как раз заканчивает в этом году свою колоссальную тетралогию — «Кольцо нибелунга». Строительство не раз останавливалось из-за нехватки средств, но в постройку вкладывалось и молодое немецкое правительство, и даже османский султан Абдулазиз. Уже через четыре года театр, не имевший аналогов в Европе, был готов, и с 13 по 17 августа 1876 года состоялась премьера «Кольца», мистерии, в которой Вагнер подменяет греческий миф германским.
Вагнер полностью перепридумал устройство театра. Огромный оркестр спрятан под сценой, это не только обеспечивает наилучший звуковой баланс между солистами и остальными музыкантами, но и не дает зрителям разглядывать оркестрантов. В зале нет ни балконов, ни галерей, есть только ложи и длинные ряды партера; на представление нельзя опаздывать и мешать себе и другим зрителям погружаться в действо — все внимание должно быть сосредоточено на происходящем. Фестивальный театр в Байройте — это первый «храм музыки», сакральное место, куда съезжаются паломники, придающие музыкальному действу значение религиозного ритуала. Байройтский театр до сих пор исполняет только оперы Вагнера.
Митрофан Беляев, издатель и меценат, привозит в Париж музыку русских композиторов. Мусоргский, Бородин, Римский-Корсаков стали главными открытиями года, фактически предвосхитившими успех Русских сезонов. Техника письма Мусоргского и Бородина, оркестровые приемы Римского-Корсакова производят огромное впечатление на Дебюсси и молодого Равеля. Не насчитывающая и века национальная школа начинает оказывать влияние на старейшую в мире.
1908 год считается началом атональной музыки, то есть основанной не на ладовых устоях и тональных центрах, которые доминировали в музыке с 1722 года (см. здесь), а на собственной, придуманной, системе взаимосвязей звуков. Одновременно три композитора — Арнольд Шёнберг, Чарлз Айвз и Бела Барток (хотя эксперименты начал еще Ференц Лист в 1885 году, а у Скрябина атональность возникает в 1905-м) — пишут сочинения вне или над тональной системой: Шёнберг — финал Струнного квартета № 2, Айвз — «Вопрос, оставшийся без ответа» и Бела Барток — Багатели соч. 6, № 2 и 3.
В 1910 году был зарегистрирован первый мировой рекорд в индустрии грамзаписи: совокупный тираж трех записей популярнейшей арии «Vesti la giubba» («Смейся, паяц») из оперы «Паяцы» Руджеро Леонкавалло 1892 года в исполнении Энрико Карузо превысил миллион экземпляров. Это было начало индустрии в ее сегодняшнем виде, когда союз звукозаписывающих компаний и концертных агентств «делают звезд» музыки, хотя еще в 1900 году имя исполнителя на пластинке или валике фонографа ничего не значило. Карузо оказался одной из первых жертв всемирной популярности: колоссальные перегрузки подорвали здоровье артиста.
Премьера балета Стравинского состоялась в Париже в рамках Русских сезонов и по силе воздействия была подобна появлению Ван Гога, Гогена и Сезанна в живописи: в то время господствовала мода на импрессионизм и камерное использование оркестровых звучностей. Поразительным здесь было не только использование оркестра с его огромным составом духовых и ударных и не «кричащие» необычные аккорды (аналогичные аккорды уже были у Бартока, у Веберна, у Дебюсси и Штрауса) — Стравинский в «Весне священной» освободил ритм от оков метра так же, как Шёнберг или Барток — тональность от функций, доставшихся в наследство от Рамо (см. здесь). Параллельное явление в поэзии — Маяковский с его акцентным стихом. Главным для Стравинского становится не сильная или слабая доля в такте, а акцент, заключенный в самой природе музыкального мотива. Несовпадение акцента и метра, чаще встречающееся в фольклоре, чем в академических сочинениях, придает музыке напряженность. А наслаивание таких «свободных» ритмических фигур друг на друга и на тактовую «сетку» производит еще больший эффект. Эта техника — полиритмия — была широко распространена в традиционных культурах, а благодаря Стравинскому вошла в арсенал академической музыки. На полиритмии также построен весь джаз.
«Победа над Солнцем» — первый футуристический перформанс, построенный на алогичности, с серьезной музыкальной составляющей (естественной для футуристов, диссонансной и резкой), — придумали художник Михаил Матюшин и поэт Алексей Крученых. По сюжету группа будетлян отправляется завоевывать Солнце, утверждая победу нового прогрессивного над всем старым, над самой природой.
Интересно, что, как и в итальянском футуризме у Руссоло, здесь наиболее радикальные музыкальные идеи были предложены именно художником Матюшиным. В том числе футуристические — нотные знаки для интервалов меньше полутона, струнные инструменты необычных кубистических форм. После премьеры оперы состоялась только еще одна ее постановка: в Витебске в 1920 году. Интерес к подобным перформансам в России возродится уже в последней трети века в среде визуального искусства.
На пластинке коллектива Original Dixieland Jass Band Сначала «желание человека трястись, прыгать и кривляться» (по версии журнала Literature Digest) писалось как Jass, затем как Jasz, и только с 1918 года слово стало писаться Jazz. «Tiger Rag» записана мелодия французской кадрили, которую танцевали еще в парижских публичных домах в эпоху Луи Бонапарта (). Кадриль очень близка к прямому предку джаза — жанру фортепианной танцевальной музыки регтайму. Появление пластинок диксиленда положило начало эре джаза, а сегодня диксилендом называют весь традиционный джаз. Вообще говоря, джаз — первый феномен глобализации, музыка, в формировании которой равноправно задействованы три континента (Америка, Африка и Европа).
Отъезд из Петрограда в США скрипача, композитора и педагога венгерского происхождения Леопольда Ауэра и его учеников приводит к тому, что центр скрипичной педагогики и исполнительства перемещается за океан. Ауэр работал в Российской империи с конца 1860-х годов и фактически создал современную методику скрипичной педагогики. Его последними учениками, уехавшими в Америку, были такие звезды, как Яша Хейфец, Ефрем Цимбалист, Миша Эльман.
В 1921 году в германском Донауэшингене прошел первый фестиваль новой музыки под названием «Донауэшингенские камерные концерты в поддержку современной музыки». Эксцентричный князь Фюрстенберг пошел на уговоры Пауля Хиндемита и ряда других композиторов в тяжелой экономической ситуации поддержать новое музыкальное искусство. До этого новая и старая музыка звучали в концертах и фестивалях вместе. Теперь композиторы-новаторы отделяются от академистов и своих предшественников так же, как это сделали художники Венского сецессиона Венский сецессион — объединение художников, венский вариант стиля модерн (югендштиль). Основан в 1897 году, когда несколько венских художников порвали с консервативным искусством. за два десятилетия до этого. За годы раздельного существования разделился в своих предпочтениях и слушатель.
«Прасоната», или «Соната первозданных звуков» («Ursonate»), Курта Швиттерса сначала выглядела как набор звуков: «Fümms bö wö tää zää Uu, pögiff, kwii Ee». Швиттерс произносил ее к месту и не к месту в литературных салонах, пока в процессе импровизации она не превратилась в настоящую сонату в четырех частях, где вместо музыкальных тем были фонетические, но развивались они по законам классической сонатной формы. В 1932 году Швиттерс записал «Ursonate» на грампластинку.
Этот опус Швиттерса считается самым радикальным синтезом музыки и слова даже по сравнению с более знаменитой футуристической «Битвой при Адрианополе» Маринетти 1914 года.
Изобретение радио положило конец монополии грамзаписи на техническое воспроизведение музыки. В Великобритании сразу же была создана национальная вещательная компания — British Broadcasting Company (BBC). С самого начала в сетке вещания было запланировано три концерта: один в 19:30, другой в 21:30, а после 22:00 — выступление танцевального оркестра. С 1923 года начались прямые трансляции из Ковент-Гардена, а в программах было очень много новой музыки (включая Шёнберга и Бартока) с профессиональным комментарием.
Наконец, у появились свои «настоящие» оркестры — джазово-танцевальный (1928) и симфонический (1930), а также хор. По образу и подобию создавались многочисленные национальные вещательные корпорации (NBC в Америке, например, была создана только через четыре года, в 1926 году).
Вопреки предсказаниям, радиотрансляции «убили» не граммофон, а домашнее любительское музицирование: вечерние домашние концерты сменились семейными прослушиваниями концертов по радио, а в 1950-е годы — по телевидению.
После атональной музыки додекафония — вторая «изобретенная» техника, остальные складывались сами и ждали, пока их формально опишут, как это сделали Филипп де Витри, Вичентино, Царлино, Рамо и другие. Композиторы искали систему, которая бы заменила функциональную тональность, но была бы более гибкой и всеобъемлющей. Так Шёнбергу удалось построить стройную и непротиворечивую систему из 12 тонов, в которой каждый следующий тон связан только с предыдущим. Последовательность из этих тонов называется серией; внутри серии ни один звук не повторяется. Серия из 12 звуков ( «додека») становится основным строительным материалом додекафонной музыки, но она не является ни мелодией (хотя вполне может приобрести ее форму), ни аккордом (хотя частями или целиком может быть взята одновременно), а скорее звуковым полем, то есть принципиально новым состоянием звуковой материи.
Сюита (соч. 25) и Вальс (соч. 23, № 5) появились в печати в 1923–1924 годах одновременно с авторским описанием додекафонного метода сочинения.
«Король джаза» Пол Уайтман заказал Джорджу Гершвину необычную партитуру — сочинение для фортепиано и джаз-оркестра, и впервые в истории музыки Гершвин решил задачу соединения джазовой мелодии и классической формы (правда, не без помощи асисстента Уайтмана — Ферда Грофе).
Премьера «Rhapsody in Blue» состоялась в 1924 году. Гершвин и Уайтман не раз переделывали композицию, и в своем современном виде она стала первым американским классическим сочинением, приобретшим всемирную известность. Гершвин же, продолжая сочинять песни для мюзиклов и кинофильмов, пришел в конечном итоге к написанию целой блюзовой оперы из жизни чернокожих — «Порги и Бесс» (1935), обошедшей оперные подмостки всего мира. Стиль, открытый Гершвином, Грофе и Уайтманом, лег в основу голливудской киномузыки, традиция которой существует и до сегодняшнего дня.
Звуковая дорожка все еще была записана на специальной пластинке, и только позже Western Electric нанесла ее прямо на кинопленку (так называемая оптическая фонограмма). Режиссеры, сценаристы и актеры радикально поменяли язык кинематографа, но первоначально практически все звуковые фильмы были музыкальными, как «Певец джаза». Из-за этого без работы остались музыканты оркестров, озвучивавших немое кино, хотя вплоть они играли перед сеансами в фойе.
Вообще монтажные принципы кино очень сильно отразились на музыке тех композиторов, которые много работали для него (в первую очередь Артюра Онеггера и Сергея Прокофьева, позже — Альфреда Шнитке), а также никогда не работавшего в кино Стравинского.
В 1938 году в Дюссельдорфе на выставке «Дегенеративная музыка», сделанной по тому же принципу, что и «Дегенеративное искусство» 1937 года, были собраны образцы музыки, «чуждой духу нации». К этому моменту почти все представленные в экспозиции композиторы и исполнители уже уехали из Германии и Австрии. Это были музыканты не только еврейского происхождения, но и «породненные лица», а также те, кто придерживался левых взглядов, и просто не желавшие сотрудничать с гитлеровским режимом. В 1940 году в США сконцентрировались эмигранты не только из Германии и Австрии, но и из Венгрии, а также из оккупированных стран. Это привело к небывалому стечению обстоятельств: весь цвет европейского модернизма (Шёнберг, Стравинский, Хиндемит, Барток, Кшенек) оказался в стране, которая только строила свою национальную композиторскую школу. За Америкой окончательно закрепляется статус мировой державы не только в области развлекательной, но и академической музыки. Тем временем отток крупных музыкантов из Европы приводит к опустению академической сцены и появлению (фактически с нуля) послевоенного авангарда.
В 1946 году в Дармштадте открываются Международные летние курсы новой музыки. Летняя школа была организована как часть плана денацификации: там можно было услышать музыку, запрещенную прежде нацистским режимом, и лекции крупных музыковедов. Через пять лет Дармштадт становится центром новой музыки, игнорирующей любые прежние формы тональной организации и сочиняющейся исключительно по принципам структурализма — фактически послевоенный авангард пытается начать музыку с нуля.
В этом большую роль сыграли теоретические взгляды философа Теодора Адорно, сравнившего диктат тональности в музыке с тоталитарным управлением, а также экспериментальное сочинение Оливье Мессиана «Четыре ритмических этюда». Мессиан обращается к технике мотетов и одновременно реконструирует и деконструирует практику исполнения григорианского хорала эпохи раннего Средневековья. Среди композиторов, изобретавших новые техники, получившие название «сериальных» (не путать с серийными!), выделялись двое учеников Мессиана — Пьер Булез и Карлхайнц Штокхаузен, а также молодые итальянские композиторы Луиджи Ноно и Лучано Берио. Еще через пять лет визит Джона Кейджа в Дармштадт окончательно похоронил эту, видимо, хронологически последнюю попытку создания универсального музыкального языка на основе идей структурализма. В свои права вступили постструктурализм, а затем и постмодерн.
Кейдж сочиняет пьесу «4’33»», в которой музыканты выходят на сцену с инструментами и не играют в течение четырех с половиной минут. Так начинается исследование границ музыкального: во время исполнения сочинения все посторонние и случайные шумы становятся составной частью музыкального произведения. В этом отличие эксперимента Кейджа от более ранних опытов такого же рода, так как они не предполагали подобных концептуальных рамок. С другой стороны, именно это сочинение, которое часто считают «пределом музыки», явилось отправной точкой для многих композиторов, превративших тишину или паузу в равноправный со звуком акустический стройматериал. Это относится к Луиджи Ноно (особенно в позднем творчестве) и его ученику, патриарху авангарда Хельмуту Лахенману, а также к многочисленным авторам, работающим на грани слышимого и неслышимого (например, Сальваторе Шаррино).