к какой эпохе искусства относится твое лицо
В какую из эпох вы бы считались идеалом красоты
С помощью этого теста можно определить, в какую из эпох вы были бы идеалом красоты.
🔭 Данный тест прошло 9912 посетителей
Комментарии к тесту В какую из эпох вы бы считались идеалом красоты
Даже не знаю. У меня рост 180, натуральные светло-пепельные волосы, но при этом темные глаза и брови. Спортивное телосложение много лет назад переселило меня в брюки. Может, я гостья из будущего? Очень люблю парфюмерию, поэтому пока новичок.Но все впереди.
Эх, мне бы в Средневековье, там бы я была королевой. Рыцари, ау, вы где?
и мне пора в Средневековье! С чем я абсолютно согласна! Хоть сейчас
Линочка, спасиюбо за интересный тест
Красавица эпохи Средневековья
Древнегреческая красавица
Я Красавица из арабских и индийских сказок! Обалдеть! Ну вот откуда тесты знают, что моя душа тянется к Востоку? 🙂 В общем, Шахерезада 🙂 И меня это очень вдохновляет! 🙂 Линочка, еще раз огромное спасибо за потрясающие тесты! 🙂
Присоединяюсь к Кентаврам!😂👏👏👏
Лёля
27.01.2021 ⏰ 16:33
Комментарий к ON_line тесту Маска, которую вы носите
Лёля
27.01.2021 ⏰ 15:58
Комментарий к ON_line тесту Какое вы насекомое
Лёля
27.01.2021 ⏰ 15:50
Комментарий к ON_line тесту В чем кроется ваша загадка
Лёля
26.01.2021 ⏰ 11:03
Комментарий к ON_line тесту Аромат под характер
От наскальных изображений до рисунков великого Пушкина: История портретного профиля
Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.
Уроки рисования: профили древности
Предки современного человека умели создавать образы себе подобных еще в период палеолита. Сохранившиеся наскальные рисунки демонстрируют сцены из жизни пещерного человека, причем животные и люди, как правило, нарисованы в профиль.
В Древнем Египте голову человека изображали также с бокового ракурса, в то время как тело было развернуто к зрителю. Таких же правил придерживались ассирийцы и художники ранних периодов цивилизации Древней Греции. Дело в том, что рисование профиля требовало от мастера значительно меньше навыков, чем использование других ракурсов, позволяя тем не менее добиться сходства с оригиналом и реализовать цели произведения.
Одним из самых знаменитых древних профильных портретов стала «Парижанка», фреска из Кносского дворца на Крите, изображающая молодую девушку. Названная так первооткрывателем минойской цивилизации Артуром Эвансом, «Парижанка» демонстрирует стиль, в котором работали художники Древнего Крита.
С постепенным совершенствованием навыков античных мастеров появлялись и другие способы изображения человека, но к профилям продолжали обращаться довольно часто – прежде всего при чеканке монет. При изготовлении камей – украшений, которые ведут историю с четвертого века до н.э. и представляют собой барельеф, выполненный на драгоценных или полудрагоценных камнях, также часто прибегали к профильному изображению, которое было проще изготовить с максимальным сохранением сходства и с меньшим риском испортить камень в случае неудачи.
Профили античности можно разделить на «греческие» и «римские»: первые отличаются единой линией лба и носа, вторые – орлиным, крючковатым носом. Падение Римской империи и последующие времена средневекового упадка в изобразительном искусстве привели к утрате художниками навыков рисования человека вообще и профильных изображений в частности. Но именно монеты античности помогли спустя тысячелетие возродиться жанру портрета в Европе. Они стали образцом для художников новой культурной эпохи.
Кого и почему изображали в профиль в эпоху Возрождения
Начало эпохи Ренессанса связано с обращением к портрету человека, как живописному, так и психологическому. Художнику стала интересна личность того, кто появлялся на холсте, и внимание к человеку как к созидателю, творцу, вывело изображение человека на первый план. По прежним, средневековым, канонам, все внимание должны были приковывать к себе фигуры Христа, Мадонны и святых, к кому следовало направлять молитвы. Зрительный контакт между образом на картине и стоящим перед ней человеком достигался изображением этих фигур анфас. Тех же, кто не мог являться адресатом такого религиозного обращения, рисовали в профиль. Так традиционно изображали лицо Иуды на картинах с сюжетом Тайной вечери, так же поступали с образами бесов.
Картины раннего Возрождения часто создавали по заказу богатых ценителей искусства, а потому на холстах этого периода встречаются профили таких донаторов, жертвователей – как правило, смиренно склонившихся перед фигурой святого, но все же занимающих заметное место в композиции. Согласно традиции, мужчины-донаторы размещены по правую руку от святого, женщины – по левую.
Художники постепенно вносили в свои произведения все больше реализма, все дальше отходя от традиций средневековой живописи.
Лица для светских портретов долгое время писали в профиль – таким способом художники относительно легко добивались сходства. Один из самых ранних портретов содержит образ французского короля Иоанна II Доброго. Часто художнику заказывали посмертные портреты для семьи умершего.
Но с развитием навыков художников, появлением множества школ и при возрастающем интересе к произведениям живописи каноны менялись. Все большее значение уделялось правильной передаче сущности, личности персонажей, картины становились объемнее. Если в начале XV века фон для фигуры был однотонным и плоским, уже во второй половине на дальнем плане появляется пейзаж, картина приобретает глубину, возникает перспектива.
Становится популярным поворот лица на картине «три четверти», этот прием все чаще используется при выполнении заказов на одиночные портреты. Первым же, кто полностью «развернул» лицо на картине к зрителю, анфас, стал Альбрехт Дюрер, создавший в 1500 году революционный и даже эпатажный в своем роде автопортрет. Ранее такой ракурс допускался лишь при изображении святых.
Знаменитые профили
В дальнейшем устаревшая манера создания портрета постепенно сходила на нет. К профилям обращались лишь при необходимости, когда того требовали сюжет и композиция картины. Порой художнику требовалось обратить внимание зрителя к центру картины или, наоборот, за ее пределы, в таком случае прием с изображением профиля оказывался удачным.
В сфере чеканки монет и медалей роль профиля оставалась неизменной – портреты правителей и других выдающихся личностей продолжали изображать на металле и в новое время.
В рассказе О. Генри «Волшебный профиль» воспета трогательная любовь старой скупой миллионерши к воспитаннице, секрет которой заключен в том, что девушка очень похожа на женскую головку на серебряном долларе. Монеты с изображением на аверсе женского профиля действительно чеканились в Соединенных Штатах на протяжении нескольких веков. Голова девушки, изображенная на серебряном долларе, символизировала свободу.
Профильный портрет за счет относительной простоты исполнения может быть выполнен не только художником, но и обычным любителем рисования. Знаменитые зарисовки Александра Сергеевича Пушкина, которые становятся теперь самостоятельными экспонатами выставок, в основном состоят из профилей знакомых поэту людей, героев его произведений, автопортретов, которых Пушкин оставил более пятидесяти.
Схватывать главные черты человека и в несколько штрихов создавать похожее на оригинал изображение – в этом, пожалуй, и заключена как простота, так и большой потенциал профильного портрета, который всегда востребован, в том числе в карикатуре.
Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:
color_style
Color & Style
Карусель цветов и стилей
Originally published at Карусель цветов и стилей. You can comment here or there.
Каждый день на улицах я вижу сотни людей. Я смотрю на лица молодые и светящиеся, изъеденные временем, или замершие в одной эмоции и размышляю о том, лицо какой эпохи досталась этому человеку.
Если девушка с тонкими чертами лицами, небольшими губками бантиком и большими глазами, отношу ее к 20-годам. Если брови ровным полукругом, тонкая прозрачная кожа, светлые волосы и легкий румянец, то она барышня более раннего периода 1800-х годов. Простые мелкие черты лица, вздернутый носик, непослушные кудряшки и озорной взгляд — девушка-крестьянка! И согласитесь, ведь нелепо будет смотреться остромодное что-то на такой красавице, ведь она человек другого периода.
Почему актрисы играют персонажей в исторических фильмах 18 и 19 века, и никогда 50-х годов прошлого столетия? Потому что не подходят по типажу, их черты лица не отразят всю сущность этого времени, они будут смотреться не к месту, пришедшими из другого фильма. Англичанка Кира Найтли с играла много ролей в исторических костюмированных фильмах:
«Гордость и предубеждение»,
В каждом этом образе она смотрится органично. Единственное, я бы поспорила по поводу Карениной, но тут дело даже не в ее внешности, а в духе и игре, поэтому пропустим.
Такой же героиней «прошлого» 18-19 веков для меня рисуется Гвинет Пэлтроу, которая сыграла нежную англичанку Эмму в одноименном фильме.
Прекрасная Кейт Бланшет смогла великолепно вписаться в образ королевы Елизаветы.
Тонкая Кирстен Данст с ее интеллигентными чертами лицами здорово перевоплотилась в Марию Антуанетту. Фарфоровая кожа и нарисованный румянец ей в этом помогли.
Хороша ли Киртсен в 20-х годах в фильме «Смерть в Голливуде»?
Отвечу, что на мой взгляд, да, вполне. Она может гармонично выглядеть и в этом времени.
А моя любимица — Скарлетт Йохансон, не вписалась в позапрошлый век.
Ее самое дальнее прошлое может быть только до 50-х годов. Фильм «Хичкок».
Интересно, увидели ли вы склонение лиц во времени? Барышней из какой эпохи вы могли бы стать? Проанализировав свою внешность с таким подходом, можно понять в каком направлении вам двигаться в плане создания вашего стиля.
Стили в живописи: от ренессанса до абстракционизма
Барокко, рококо, классицизм… Это все стили в живописи. Некоторые существовали в конкретную эпоху. Тогда достаточно посмотреть на дату создания картины и понять, какой это стиль.
Но многие пересекались во времени: один стиль ещё в моде, а другой уже наступает ему на пятки. В таком случае даты не всегда помогут.
Хорошо бы знать основные черты каждого стиля. Ещё лучше – понимать, почему тот или иной стиль возник.
С чего вдруг художники переключились с прекрасного ренессанса на вычурное барокко.
Почему строгий классицизм был вытеснен зыбким импрессионизмом.
И зачем художники повально отказались от эстетики и ударились в экспрессионизм.
А потом и вовсе отошли от узнаваемых образов, увлёкшись абстракционизмом.
Разберём каждый стиль. Начнём с ренессанса.
1. Ренессанс
Позади средневековье и торжество духа над телом. Плоские лица и бесформенные одежды во множестве населяли готические соборы.
Ренессанс же сместил фокус с духовного на телесное. Вернее на человека красивого и благородного.
Почему стиль ренессанс возник
В Италии в конце 15 века картины стали заказывать не церковники, а банкиры.
Они были людьми не только богатыми, но и образованными. Читали древнегреческих поэтов. А заодно ещё и видели найденные скульптуры Древнего Рима. Их в то время много раскапывали.
Сандро Боттичелли. Рождение Венеры. 1484 г. Галерея Уфицци, Флоренция
Желание любоваться телесной красотой и восприятие человека, как мыслящего и достойного существа – таков был настрой заказчиков. Художники эти пожелания услышали.
Время расцвета стиля
Стиль ренессанс (или эпохи возрождения, что одно и то же) расцвел в конце 15 века, начиная с работ Боттичелли. И завершился в конце 16 века, работами Тициана.
Характерные черты стиля ренессанс
На картинах эпохи возрождения весь фокус – на человеке. Поэтому в это время почти не встречаются пейзажи и совсем нет натюрмортов. Это одна или несколько фигур. Чаще в спокойной и неподвижной позе. Красивые и благородные черты лица. Уверенный взгляд на зрителя.
Если это святой, то он почти не отличается от человека. Часто под образом Мадонны или древнегреческой богини скрывались возлюбленные, супруги или дочери.
Боттичелли, например, в образе Венеры изобразил восхищавшую его реальную девушку, Симонетту Веспуччи.
Сандро Боттичелли. Рождение Венеры. 1484 г. Галерея Уффици, Флоренция
Лицо или руки выполнялись в технике сфумато, то есть как будто покрытые дымкой. Эту технику придумал Леонардо да Винчи. Она позволяет сделать изображение человека более живым. Его Мона Лиза выполнена как раз с эффектом сфумато.
Картины Возрождения часто яркие. Эпоха полутонов и нежных оттенков ещё впереди. О колорите ещё мало заботились. По сути просто раскрашивали красивые формы.
Микеланджело. Ливийская сивилла. 1508-1512 гг. Фрагмент росписи Сикстинской Капеллы, Ватикан
Яркий пример стиля ренессанс
Самых красивых и благородных в Эпоху Возрождения писал Рафаэль. Пожалуй, он самый классический художник стиля ренессанс. Вот его “Мадонна в зелени”.
В ней есть почти все, чем славится Возрождение. И красота, и благородство, и сфумато.
Художники стиля ренессанс
Стиль ренессанс не исчез бесследно со смертью Тициана. Его черты вобрал каждый последующий стиль.
Художники всех мастей боготворили Рафаэля. Жесты и улыбки его героев повторены сотни раз в картинах на протяжении 300 лет. Точку в этой всеобщей любви к ренессансу поставили импрессионисты. Но о них позже.
О художниках Ренессанса читайте в моей статье “6 великих мастеров эпохи возрождения”.
2. Барокко
Ренессанс, безусловно, прекрасен. Но статичен и аскетичен. С цветом художники Возрождения тоже не особо возились. Поэтому часто их работы похожи на раскраски (не считая Тициана, конечно).
А вот стиль Барокко все эти моменты учел. Барокко – это движение, роскошь и виртуозный колорит.
Рубенс. Вознесение Марии. 1618 г. Музей Кунстпаласт, Дюссельдорф
Почему стиль барокко возник
Вера в человека и республика, как форма правления, в Италии долго не продержались. Вернулась монархия. А монархам нужна была другая живопись.
Заказчики хотели показать себя во всей красе и с размахом украшать свои дворцы. Нужны были пышность и блеск. Художники быстро уловили, куда ветер дует. Так появился барокко.
Питер-Пауль Рубенс. Пребытие Марии Медичи в Марсель. Из цикла картин «Галерея Медичи». 394×295 см. 1622-1625 гг. Лувр, Париж
Время существования барокко
Расцвет барокко – это 17 век. Но в этом стиле создавались полотна вплоть до начала 19 века. Это стиль, который дольше всех продержался в истории искусства. Роскошь и ослепляющий блеск были в моде аж 200 лет.
Характерные черты барокко
Куча-мала из обнаженных тел, копьев и экзотических животных – самое что ни на есть барокко. Если смотрите и на ум приходят слова «как эмоционально и динамично», значит это барокко.
Питер-Пауль Рубенс. Охота на крокодила и гиппопотама. 1616 г. Старая Пинакотека, Мюнхен
Ещё барокко – этакая смесь живописи и театра. Неяркий свет выхватывает из тьмы драматическое действо. Сюжеты выбирались под стать: сцены пыток христианских мучеников, убийства и переломные моменты в жизни святых.
Яркий пример стиля барокко
Кучу-малу из людей и животных любил Рубенс. Его «Охота на львов» – тому подтверждение.
Питер Пауль Рубенс. Охота на львов. 1621 г. Старая Пинакотека, Мюнхен.
А вот мастером театральной барочной живописи был Караваджо. Движения у него не такие зашкаливающие, как у Рубенса. Но эмоций и драмы у него хоть отбавляй. Как в картине «Положение во гроб».
Главные художники стиля барокко
Динамичное барокко (рубеновское) ищите у Симона Вуэ и Тьеполо.
Театральное барокко (так называемый караваджизм) ищите у Рембрандта, Джентилески (и у отца, и у дочери), а также Мурильо.
Еще учтите один момент. Барокко “страдает” излишествами. Но не только нарисованными. Огромное полотно 5 метров в длину и массивная позолоченная рама – идут, как правило, в придачу.
3. Рококо
Барокко и Рококо часто путают. Но у них есть принципиальное отличие. Барокко – про помпезность. Рококо – про изящество. Барокко про сильные эмоции, даже эмоциональный надрыв. Рококо – про поверхностные чувства.
Почему возник стиль рококо
Однажды заказчики устали от драмы и накала страстей. Захотелось легкой болтовни, флирта и поцелуев. Так возник стиль рококо.
Жан-Оноре Фрагонар. Украденный поцелуй. 1780-е года. Эрмитаж, Санкт-Петербург
А если серьёзно, появлению стиля способствовала мадам Помпадур, любовница французского короля Людовика XV. Она любила ангелочков, цветочный орнамент и нежные цвета.
Период расцвета рококо
Век рококо был коротким. Как говорится, отдохнули и хватит. Так что стиль просуществовал всего лет 50 (с середины 18 века до начала гражданской войны во Франции). Кровожадной гильотине были не к лицу легкомысленные образы.
Франсуа Буше. Мадам Помпадур. 1756 г. Старая пинакотека, Мюнхен
Характерные черты стиля рококо
Большинство героев – розовощёкие (но не пышные, как в барокко) девушки среди цветов и кавалеров. Все довольны и счастливы. Барочной драмы как и не бывало.
Томас Гейнсборо. Портрет дамы в голубом. 1778-1782 гг. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
Художники стиля рококо пользовались тонкой кисточкой – мелкие листочки, тонкий слой краски, крохотные детали.
Антуан Ватто. Паломничество на остров Киферу. 1717 г. 129 × 194 см. Лувр, Париж
Яркий пример стиля рококо
Классическая картина в стиле рококо – это «Качели» Фрагонара. Тут и флирт, и тонконогая девица. О ней можно почитать в моей статье “Качели Фрагонара: главный шедевр эпохи рококо”.
Жан Оноре Фрагонар. Качели. 1767. Собрание Уоллеса, Лондон
Главные художники стиля рококо
Упомянутый Жан-Оноре Фрагонар, Антуан Ватто, Франсуа Буше, Томас Гейнсборо.
Все-таки оговорюсь, что рококо – это не всегда пустозвонная праздность. Те же “Качели” Фрагонара не так поверхностны, как может показаться поначалу. Предстоящую драму в отношениях можно почувствовать, взглянув на мрачные ветви деревьев. Гениальный художник может написать глубокое произведение даже в стиле рококо.
4. Классицизм
Параллельно с барокко возник классицизм. Полная ему противоположность. Вместо накала страстей – бесстрастность. Вместо переплетенных тел – выверенные пропорции и порядок. Как будто картины рисовали математики.
Почему стиль классицизм возник
Причину стоит искать в разнице вкусов заказчиков. Часть из них жаждали гармоничных пропорций античности. По сути классицизм – это возврат к ренессансу, но в более строгом варианте, под стать чопорным и высокомерным аристократам.
Жак-Луи Давид. Клятва Горациев. 330 × 425 см. 1784 г. Лувр, Париж
Более же экстравертные и истероидные по психотипу герцоги и князья предпочитали пышное барокко.
Так появилось два лагеря: любители классицизма и любители барокко.
Характерные черты
Классицисты выбирали сюжеты, далекие от жизни: о богах и богинях, о правителях Древнего Рима, гладиаторах и спартанцах.
Муссини. Спартанский мальчик наблюдает последствия пьянства. 1850 г. Лувр, Париж
Классицизм не только удовлетворял вкусы отдельных заказчиков, но и стал официальным искусством. У классицистов были свои академии, поэтому их называли академистами.
Они обучали учеников четким правилам живописи. Правильные пропорции, перспектива, моделировка объема светотенью, колорит в виде трехцветки.
Вильям Бугро. Данте и Вергилий в аду. 1850 г. Музей д’Орсе, Париж
Поэтому классицизм – самый распространённый стиль живописи. Пожалуй, в этом стиле создано больше всего полотен за всю историю искусства.
Период расцвета классицизма
Он был в моде в 17 веке. А затем вновь расцвел в конце 18 века. В основном за счет любви со стороны Наполеона.
Жак-Луи Давид. Наполеон на коне (фрагмент). 1798 г. Галерея Бельведер в Вене
Яркий пример классицизма
За классицизмом стоит обращаться к французскому художнику Пуссену. В его работах Вы встретите все черты этого стиля.
На картине “Великодушие Сципиона” все упорядочено и логично. Герои стоят в ряд. Никто ни на кого не наваливается, как у Рубенса.
Художник использует классическую трехцветку “синий-красный-желтый”. Эмоции приглушены: они здесь не так важны, как жесты и позы героев.
Главные художники
Никола Пуссен, Жак-Луи Давид, Анибале Карраччи, Вильям Бугро.
Классицизму не повезло. Если другие стили эволюционировали, то с этим рьяно боролись вольнодумные художники. Те, кто хотел творить по велению сердца, а не так, как учат в академиях.
В результате классицизм сломили импрессионисты. А окончательно затоптали экспрессионисты.
5. Импрессионизм
Есть кое-что, что объединяет все стили, существующие до импрессионизма. Это гладкая живопись. Скрытие мазков, натуралистичность и внимательность к деталям были важны почти всегда, начиная с 14 века.
Но импрессионизм смело пошатнул все эти традиции.
Почему стиль импрессионизм возник
В 19 веке изобрели фотографию. Изображать реальность с помощью кисти и красок стало ни к чему. Аристократ мог пойти в фотоателье и сделать свой реалистичный портрет. Причём очень быстро.
Художники поняли, что реальность больше в их услугах не нуждается. Передавать этот мир в деталях уже нет смысла. Они сосредоточились на собственном впечатлении от увиденного – на живых людях, солнечных зайчиках и шелесте травы.
Клод Моне. Стог сена на закате возле Живерни. 1891 г. Музей изящных искусств, Бостон, США.
Характерные черты
Импрессионизму свойственна жизненность: они писали своих современников в кафе или на прогулках. В отличие от классицистов, которые изображали древне-римских героев или богов с богинями.
Константин Коровин. Парижское кафе. 1890 г. Государственная Третьяковская галерея, Москва
Также импрессионисты выработали свою технику. Вместо гладкой живописи – видимые, быстрые мазки. С помощью них они создавали иллюзию вибрации воздуха и солнечных бликов.
Время расцвета импрессионизма
Активно в стиле импрессионизм работали во второй половине 19 века. Совсем недолго. Как и рококо, этот стиль просуществовал тоже не более 50 лет.
Но его расцвет закончился совсем по другой причине, чем у рококо.
Импрессионисты изменили способ мышления творческих людей. Они показали, что можно писать не только видимую реальность. Но нечто другое. В их случае – быстротечные эффекты солнца, тумана и сумерек.
Другие художники пошли дальше. И начали писать свой внутренний мир (экспрессионизм), придуманную реальность (абстракционизм), или почти ничего (минимализм).
Яркий пример импрессионизма
Импрессионизм зародился во Франции. Так что самые яркие импрессионисты – французы. Классическая импрессионистическая работа – “Качели” Ренуара.
Огюст Ренуар. Качели. 1873 г. Музей Орсе, Париж
Здесь обычные горожане 19 века отдыхают в парке. Никаких исторических сюжетов, как у классицистов. При этом все изображено с помощью крупных разноцветных мазков. Даже тени цветные.
Главные художники
Для особо влюблённых в импрессионизм я разработала онлайн-курс «Импрессионизм: формула и главные герои».
6. Экспрессионизм
Однажды художники отказались рисовать реальность. И переключились на свой внутренний мир. Они решили с помощью форм и цвета показывать свои эмоции и тем самым вызывать эмоции у нас. Так родился экспрессионизм.
Почему экспрессионизм возник
Экспрессионизм был следующим и логичным шагом после импрессионизма.
Импрессионисты все-таки были реалистами, изображающими окружающий мир, в первую очередь свето-воздушные эффекты. Свои эмоции и своё отношение к происходящему импрессионисты оставляли за кадром.
Но некоторым художникам реализм изрядно надоел.
Первым свой внутренний мир в свою живопись впустил Ван Гог. Он начал деформировать цвета и формы, исходя из собственного отношения к объекту.
Ван Гог. Портрет доктора Гаше. 1890 г. Частная коллекция
Лицо доктора Гаше зеленоватое и неправильной формы. Явно в реальности оно таким не было.
Мастером выразить свои эмоции на холсте был и современник Ван Гога, Эдвард Мунк. Он смело выражал свои эмоции на картине, ещё больше деформируя формы.
Эдвард Мунк. Вечер на улице Карла Иоанна. 1892 г. Коллекция Расмуса Мейера, Берген
У Мунка лица и вовсе похожи на черепа, обтянутые кожей. Это ещё дальше от реальности, чем даже у Ван Гога.
Время расцвета стиля
Экспрессионизм расцвёл в начале 20 века, как отклик на ужасы Первой Мировой войны.
Слишком сильные эмоции испытывали художники. Эстетика прошлых лет стала для них неприемлема. Мир трещал по швам, и боль и разочарование выплескивались на холст.
Оскар Кокошка. Автопортрет. 1917 г. Музей фон дер Хейдт, Вупперталь. Maximonline.ru
Основные черты экспрессионизма
Так как эмоции выражались сильные и чаще негативные, то главная черта экспрессионизма – это дисгармония и уродство.
Эгон Шиле, например, намеренно подчеркивал все самое некрасивое в человеке.
Эгон Шиле. Танцор. 1913 г. Музей Леопольда, Вена
А в дисгармонии особенно преуспел Хаим Сутин. Его деформированные пейзажи как будто отображены в кривых зеркалах.
Хаим Сутин. Красная лестница в Кане. 1923 г. Музей искусства авангарда (МАГМА), Москва
Ещё экспрессионизм узнаваем по ярким цветам в виде больших пятен и полос, а также плоскому изображению. Моделирование объема и правда отвлекает от цвета, а главное – от эмоций. Как на “Автопортрете с моделью” Кирхнера.
Эрнст Людвиг Кирхнер. Автопортрет с моделью. 1926 г. Гамбургский кунстхалле. Artchive.ru.
Яркий пример стиля экспрессионизм
Эдвард Мунк. Крик. 1893 г. Национальная галерея Норвегии в г. Осло.
Конечно, она создана ещё до ужасов первой мировой. Но сам Мунк был настолько экспрессивным человеком, что в его шедевре и без того страха и отчаяния хоть отбавляй.
Главные художники экспрессионизма
Много экспрессионистов было в Германии и Австрии. Кокошка и Шиле – это австрийцы. Из немецких можно назвать Нольде и Кирхнера.
Эмиль Нольде. Маски. 1911 г. Художественный музей Нельсона-Аткинса, США. Russiaartnews.ru.
И повторюсь, что яркими экспрессионистами также был норвежец Эдвард Мунк и живший в Париже выходец из Белоруссии Хаим Сутин.
Работы экспрессионистов кажутся отталкивающими. Но, парадокс, в этом скрыта и их притягательная сила.
Ведь интересно же заглянуть в душу другого человека. И увидеть там страх, надрыв, надлом, болезненную страсть. Что мы и делаем, когда смотрим на картины экспрессионистов.
7. Абстракционизм
Абстракционизм часто не любят и обесценивают по типу «Это и я так могу намалевать».
Но именно этот стиль очень сильно повлиял на наш мир. Поэтому его так важно понять. А полюбить – это уже по желанию :).
Почему возник абстракционизм
Однажды Кандинский увидел в своей мастерской незнакомую картину. Это было что-то несуществующее, но очень гармоничное. Через 10 секунд художник понял, в чем дело.
Это был его пейзаж, который он сам же прислонил боком к стене.
Василий Кандинский. Композиция 4. 1911 г. Художественное собрание земли Северный Рейн, Дюссельдорф
Так великого художника осенило, что узнаваемые образы мешают воздействовать на зрителя. Ведь можно просто правильно подобрать цвета и линии, чтобы вызвать ощущение гармонии. Так же, как набор звуков соединяется в мелодию и вызывает приятные переживания у слушателя.
Время расцвета стиля
Для многих художников открытие Кандинского стало откровением. Оказывается, не обязательно ЧТО-ТО изображать. И не обязательно выискивать нужный сюжет или образ, а можно просто экспериментировать с цветом и формой!
При этом у художника все равно оставалась цель. Либо достичь с помощью конкретных сочетаний цветов и форм ощущения гармонии. Либо чтобы вызвать конкретную эмоцию. Но чаще и то, и другое.
Жоан Миро. Улыбка пылающих крыльев. 1953 г. Фонд Жоана Миро, Барселона. Pinterest.com.
Так что абстракционизм расцвёл сразу же после открытия Кандинского в 1910 году и было ведущим стилем в течение всего 20 века. Его расцвет пришелся на середину XX века в том числе благодаря знаменитым абстракциям Поллока.
Джексон Поллок. Осенний ритм (номер 30). 1950 г. Музей Метрополитен в Нью-Йорке, США. Artchive.ru.
Главные черты абстракционизма
Абстракционизм легко узнать. Если Вы не можете на картине узнать образ, значит это абстракция. Недаром его называют ещё беспредметным искусством.
А вот уже сама абстракция может быть самой разной. Но можно выделить два основных ее вида. Лирическую, состощую из текучих форм. Как у Кандинского и Моро.
А второй вид – это геометрическая абстракция. Началась она с квадратов и кругов Казимира Малевича. А продолжилось разноцветными решетками Пита Мондриана.
Пит Мондриан. Композиция с большой красной плоскостью. 1921 г. Муниципальный музей в Гааге. Wikiart.org.
В США возникла ещё одна разновидность – абстрактный экспрессионизм. Как Вы уже поняли, цель у него была вызвать эмоции у зрителя. Гениально это получалось у Марка Ротко.
Марк Ротко. Желтый и оранжевый. 1968 г. Собрание Филлипса, Вашингтон. Artchive.ru.
Яркий пример абстракционизма
В России абстракционизм четко ассоциируется с Малевичем и его «Чёрным квадратом».
Казимир Малевич. Чёрный супрематический квадрат. 1915 г. 79,5 х 79,5 см. Государственная Третьяковская галерея, г. Москва.
Главные художники абстракционизма
Кандинский и Малевич были первыми абстракционистами.
А подхватили их идеи такие гениальные художники, как Пит Мондриан, Марк Ротко, Жоан Миро, Джексон Поллок и Пауль Клее.
Пауль Клее. Статично-динамичная градация, 1923 г. Музей Метрополитен в Нью-Йорке. Abstractcritical.com
Многие плохо относятся к абстракционизму. Тогда как его влияние на нашу жизнь огромно.
Когда художники освободились от необходимости творить только известные образы, они стали много экспериментировать с формой. Все это переходило в скульптуру и архитектуру. А потом – в мебель и одежду.
И мы не успели оглянуться, как абстракционизм поделил наш мир на «до и после». До него – это виньетки и ажурная мебель. После него – строгий шрифт и лаконичные формы наших шкафов.
Проверьте себя
Я предлагаю Вам проверить, как Вы усвоили основные стили.
Какая из этих картин написана в стиле рококо?
Какая из этих картин написана в стиле ренессанс?
Какая из этих работ написана в стиле экспрессионизма?
Если Вы ответили на все три вопроса – «слева», значит Вы хорошо разбираетесь в стилях живописи.
В первом вопросе слева – картина Фрагонара “Щеколда”. Справа – картина Рубенса “Охота на волка и лиса” (барокко).
Во втором вопросе слева – картина Рафаэля “Форнарина”. Справа – “Обнаженная в солнечном свете” Ренуара (импрессионизм).
В третьем вопросе: две картины Кандинского. Работа слева написана в 1909 году (Импровизация 3) и на ней мы различаем образы: всадника, здания. Это экспрессионизм.
На работе справа 1913 года («Композиция» из Эрмитажа) образы НЕ различимы. Это уже абстракционизм.
Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.
Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.