что такое фигуративная живопись
Фигуративная живопись
Фигуративная живопись (Фигуративизм) – направление в живописи, характерной особенностью которого является стремление запечатлеть объект, сохранив его схожесть с объектом в реальности. Фигуративная живопись очень широкое понятие, включающее в себя самые разные жанры и направления.
В Великобритании сам термин начал использоваться, когда возникла необходимость определить антипод абстракционизму и, т.о. под фигуративизмом стали понимать «не абстрактные картины». Позднее, в разное время различные авторы ратовали за возвращение к фигуративизму, как правило, критикуя современное им авангардное искусство. В 60-х – 70-х гг., например, Рон Китай ввел в лексикон термин «Лондонская школа», объединив в условную группу художников, представлявших фигуративную живопись Англии того периода (Франк Ауербах, Леон Коссоф, Люсьен Фрейд и Фрэнсис Бэкон). Художники Лондонской школы противопоставлялись уже поп-арту и концептуализму.
Позднее, в 90-х годах XX века в Великобритании фигуративная живопись вновь начала противопоставляться концептуализму, который ассоциировался с деятельностью Молодых Британских Художников (YBA) (иногда творчество данной группы относят к неоконцептуализму). В 1997 году Гай Деннинг основал группу «Неомодерн» (Neomodern), члены которой считали, что современное искусство развивается под влиянием различных фондов и организаций, которые не просто обслуживают вкусы зрителей, а формируют некий общественный запрос и т.о. экономически ограничивают художника в его творчестве. Несмотря на отсутствие художественных особенностей, точка зрения Деннинга нашла отклик именно у художников представляющих фигуративную живопись.
В современном английском языке термин «figurative artist» (возм. пер. «художник-фигуративист») предполагает, что художник пишет картины, изображает конкретные объекты (не абстракционист) и не принадлежит к какому-либо четко обозначенному жанру (например, фотореализм, строго говоря, также может быть отнесен к фигуративной живописи, но подобное уточнение не имеет смысла). При этом зачастую в работах таких художников могут содержаться сюрреалистичные или даже концептуальные элементы. В XXI веке фигуративизм чаще противопоставляется уже не абстракционизму, а различным концептуальным течениям и т.о. художники, которые непосредственно рисуют что-либо или тем более пишут картины обозначаются словом «painter» (возм. пер. живописец), которое встречается чаще, чем «figurative artist».
В более узком понимании под фигуративной живописью понимается живопись, в которой упор сделан на изображении фигур людей или животных. Иногда для работ выполненных в такой технике используется термин «фигуративизм». Впрочем, идея, что человек есть основной предмет искусства принадлежит Рону Китаю и характерна именно для художников Лондонской школы.
Известным современным художником, который последовательно отстаивает идею о фигуративной живописи как о форме актуального в наши дни искусства, является Одд Нердрум. Нердрум также известен как создатель арт-инициативы «Китч», в рамках которой он дает уроки и помогает в распространении своего творчества многим живописцам по всему миру (например, его учениками называют себя такие художники как Шон Берк и Джереми Канилья). Творчество самого Нердрума и некоторых его последователей иногда относят к постмодернизму, отмечая тот факт, что речь здесь идет не просто о фигуративной живописи, а о переосмыслении живописной традиции прошлого с отсылками на современную действительность.
Фигуративная живопись: необычные сюжеты и гротескно-комичные образы
Переломный момент. Автор: Jansson Stegner.
Волейболистка. Автор: Jansson Stegner.
Кэтрин. Автор: Jansson Stegner.
Сарабанда. Автор: Jansson Stegner.
В раздевалке. Автор: Jansson Stegner.
Долина. Автор: Jansson Stegner.
Пожалуй, глядя на работы Янссона, не сложно сделать выводы, что главными героями его картин являются полицейские, спортсмены и обычные люди. Вот только все они далеко не пропорциональны в своей внешности. Их тела напоминают гротескные пластилиновые фигурки, чьи руки и ноги столь громоздкие, что складывается впечатление, будто такими их создали нарочно. Но, именно благодаря столь необычным формам его творчество и пользуется огромной популярностью среди ценителей подобного искусства. Сам же автор говорит о том, что на его мировоззрение и стиль повлияли шедевры таких великих мастеров, как Эль Греко, Гойя и Зурбарана. Но как бы там ни было, а благодаря безудержной фантазии и воображению, Стэгнер добился не маленького успеха на поприще фигуративной живописи.
Полицейский на мотоцикле. Автор: Jansson Stegner.
Охота на лис. Автор: Jansson Stegner.
Меры предосторожности. Автор: Jansson Stegner.
Фигуративная живопись 986 слов читать
7 мин. Раздел в процессе наполнения и корректировки
Фраза «фигурная живопись» является неточной альтернативой столь же расплывчатому обобщающему термину «фигуративная живопись», который сам по себе обычно относится к типу изобразительного искусства, основанного на рисовании фигур, в котором основное внимание уделяется реализму человеческой формы без вторжения в более «искусственный» жанр портретной живописи. Проще говоря, фигуративные картины обычно включают в себя изображения людей в неформальных ситуациях без особого акцента на лицах.
Тем не менее, фигуративные работы охватывают широкий спектр различных стилей, включая импрессионизм Эдгара Дега, экспрессионизм Эгона Шиле и современный реализм Люсьена Фрейда. Самая крупная категория фигуративной живописи – обнаженная натура. Современную экспрессионистскую фигурацию иногда называют «неофигуративным искусством».
Основа фигурной живописи
Рисование тела человека с натуры – это классический метод обучения рисованию, который входит в учебные программы большинства школ изобразительного искусства. Студенты изучают и рисуют тело модели, обычно обнаженной и расположенной на возвышении. Большинство экспертов в области изобразительного искусства считают, что это самый правильный и самый достоверный способ научиться изображать трехмерную форму и контуры человеческого тела, и неудивительно, что большинство величайших фигуративных художников прошли академическое образование.
Студенты могут использовать различные средства, включая карандаш, уголь, карандаши конте, мелки, пастель, перо и тушь или даже краски. В 1900-х годах Дублинская столичная школа искусств провела свой первый натурный урок, который вел академический портретист Уильям Орпен.
Фигуры людей на картинах
Смысл искусства?
Руководство по эстетическим и классификационным вопросам, касающимся изобразительного, декоративного, прикладного искусства, см. в разделе «
Определение и значение искусства».
Раннее изобразительное искусство
Пещерные художники каменного века были первыми в истории примитивными фигуративными художниками, использовавшими множество грубых изображений людей-охотников. За ними последовали египетские художники, написавшие бесчисленное количество фигуративных работ, а также художники из Древней Греции, Этрурии и Рима. К сожалению, большинство фресок античности было утрачено.
Великие деятели искусства эпохи Возрождения
Микеланджело создал, возможно, самую впечатляющую и влиятельную из всех фигуративных картин в истории искусства – библейские изображения на потолке и алтарной стене Сикстинской капеллы в Риме. Только потолочная фреска насчитывает более 300 фигур. (Подробнее см.: Фрески Сикстинской капеллы.)
За пределами Италии величайшими художниками фигур эпохи Возрождения были Рогир ван дер Вейден (Фландрия) и Маттиас Грюневальд (Германия), чьи религиозные алтари устанавливали новые стандарты в изображении человеческого тела.
Фигуративными художниками 16 века были Караваджо – первый художник, изобразивший главных религиозных деятелей как «обычных людей» – см., например, такие работы, как «Смерть Богородицы» (1601–1616 гг.), – а также великий художник «декорации» Паоло Веронезе, известный «Свадебным пиром в Кане» (1563 г.) и «Праздником в доме Леви» (1573 г.).
Художники-фигурки (1600-1800)
В эпоху барокко 17-го века, фигуративные традиции поддерживали старые мастера, такие как Рубенс и испанская школа во главе с Веласкесом. В Италии Пуссен создал такие шедевры, как «Похищение сабинянок» (1634-38).
18 Век стал свидетелем чудесных человеческих форм, созданных Уильямом Хогартом (см. Также английскую фигуративную живопись) и академическим классиком Энгром – см. его «Купальщица Вальпинкона» (1808).
Современная Живопись Фигуры
Илья Репин, плодовитый российский реалист, жанровый художник и портретист, известен своими точно структурированными и сочиненными полотнами с крестьянами, революционерами, крестными ходами и знаменитостями.
Томас Икинс, американский фигуративный реалист, сюжетный художник и академический портретист, известен работами « Макс Шмитт в Единственном черепе» (1871 г.) и « Клиника Гросса» (1875 г.).
Эдгар Дега, французский художник-импрессионист и талантливый рисовальщик, был еще одним мастером рисования человеческих форм. Он изучал работы Микеланджело и Мане и увлекался фотографией. Среди его картин множество артистов балета, портреты друзей, обычных парижанок и обнаженных женщин. Он особенно интересовался тем, как физиономия, поза, одежда и другие атрибуты человека отражают его социальный статус или профессию. Среди его многочисленных картин с виртуозными фигурами : « Танцовщицы в баре » (1888 г.) и « Женщина в бане » (1886 г.).
Примечание: работа Сезанна «Большие купальщицы» (Les Grandes Baigneuses) (1894–1905) была еще одним очень влиятельным рисунком, изображающим обнаженных женщины в пейзажной обстановке. Являясь частью «возрождения классики», он оказал большое влияние на будущих кубистов Пабло Пикассо и Жоржа Брака.
Фигуративная живопись ХХ века
Пабло Пикассо был одним из самых талантливых фигуративистов начала 20 века. См., в частности, такие работы, как « Гарсон а ля трубка » (1905 г., частное собрание), « Девушка в сорочке » (1905 г., собрание Тейт) и «Портрет Гертруды Стайн» (1906 г., Музей Метрополитен, Нью-Йорк). Несмотря на то, что Пикассо известен, в значительной степени, своим абстрактным искусством, он также был ключевой фигурой классического возрождения в современном искусстве (1900-30): см., например, «Две обнаженные» (1906, MOMA, Нью-Йорк); Сидящая женщина (Пикассо) (1920, Париж); Большая купальщица (1921, Музей оранжереи, Париж); Две женщины, бегущие по пляжу (1922, Музей Пикассо, Париж). Другим неоклассиком был Фернан Леже (1881-1955), его модернистские работы: «Механик» (1920, Национальная галерея Канады); Три женщины (Le Grand Dejeuner) (1921, Музей современного искусства, Нью-Йорк); Обнаженные на красном фоне (1923, Художественный музей, Базель); и Две сестры (1935, Gemaldegalerie, Берлин). Помимо Пикассо, молодой венский художник Эгон Шиле (1890–1918) был, пожалуй, первым по-настоящему выдающимся художником века, известным своими тревожными, а иногда и гротескными автопортретами. Затем последовал столь же неоднозначный Бальтюс, который сосредоточился на эротических фигуративных изображениях молодых девушек 1930-55 годов.
Абстрактное крыло образной традиции иллюстрируется американским художником голландского происхождения Виллемом де Кунингом (1904–1997) в его серии « Женщина », ранним примером которой является «Сидящая женщина» (1944, Метрополитен-музей). Еще один великий деятель современного искусства – Люсьен Фрейд, британский художник немецкого происхождения и внук психоаналитика Зигмунда Фрейда. Его главным предметом было человеческое тело, обычно изображаемое обнаженным в надуманных позах. Среди его редко выставляемых полотен с изображением человеческого тела, такие шедевры, как: « Обнаженный мужчина с крысой » (1977); Обнаженная девушка с яйцом (1980); Белла (1982); и Художник и модель (1986).
Фотореализм
Последнее слово в фигуративной живописи, фотореализм – это движение в современном искусстве, среди ключевых фигур которого американский художник Ричард Эстес (1932 г.р.) и Чак Клоуз. Художники-фотореалисты создают картины, которые напоминают цветные фотографии, но на самом деле являются тщательно выполненными картинами. Их портреты и рисунки удивительно реалистичны.
LiveInternetLiveInternet
—Рубрики
—Цитатник
Историческая реконструкция в живописи Позвольте познакомить вас с творчеством художни.
Вся живопись художника здесь Moonlit Encounters Harmony Lakeside Dreams Bedtime Kisses Summ.
Научитесь прощать за конфликты и слезы,За утрату любви, за безумные грёзы,И поступки врагов, что вам.
—Ссылки
—Метки
—Поиск по дневнику
—Подписка по e-mail
—Статистика
Истории об искусстве, или фигуративная живопись Ивана Алифана
Художник Иван Жданов с мамой
Термин «фигуративное искусство (живопись)», или иначе, «предметное искусство», изначально употреблялся в значении «сохраняющее сходство с реальностью», то есть – репрезентативное, воспроизводимое и узнаваемое. В жанре «фигуративная живопись» принято изображать фигуру человека, которая напрямую относится к реально существующему миру.
Художник Иван Жданов (Ivan Alifan – это творческий псевдоним) родился в 1989 году в городе Ростове-на-Дону. Его мать – известный российский художник Анна Разумовская.
После окончания средней школы Ivan Alifan( Иван Алифан) поступил в университет OCAD в Торонто (Канада). Во время обучения у университете выиграл грант на проведение выставки в Государственном Эрмитаже (Санкт-Петербург). После университета стажировался во Флоренции.
В настоящее время Ivan Alifan постоянно живёт в Канаде, в России сотрудничает с галереей Елены Громовой.
«Эта серия картин представляет собой неоднозначную фигуративную живопись, которая открывается и трансформируется под пристальным взглядом зрителя. Эти портреты не являются попыткой показать физические характеристики цели. Использование двусмысленности в качестве инструмента требует участия зрителя при исследовании психики персонажей и провоцирует исследование их самосознания». Иван Жданов ( Алифан)
В.Груздев. Тексты:
«Реальность открыта для бесчисленных интерпретаций»
При классификации произведений современной живописи принято использовать традиционные названия стилей и направлений: реализм, сюрреализм, абстракционизм, экспрессионизм и так далее. Особенно характерно подобное деление для больших баз данных, размещаемых в Интернете. Не касаясь качества живописи, отметим, что упомянутая классификация в значительной мере является упрощением, формирующим стереотипы, которые отнюдь не способствуют непосредственному восприятию живописи. У англичан есть поговорка: «Give a dog a bad name and hang him» («Дай собаке дурное имя и повесь ее»). Нечто подобное происходит и с классификацией современной живописи.
Строго говоря, названия стилей и направлений в искусстве относятся к определенному временному периоду и к ограниченному кругу художников в контексте исторических событий, выставок, деклараций и манифестов. В дальнейшем художественное направление уже не существует в чистом виде, а становится часть живописного языка. Возможно, что, когда С. Дали говорил: «Сюрреализм – это я», он провидчески дистанцировался от удручающе беспомощных картинок в рубрике «сюрреализм» на бесчисленных сайтах современной живописи. Порой классификация принимает курьезные формы. Я видел в США альбом хрестоматийной советской живописи эпохи расцвета социалистического реализма (Лактионов, Чуйков) из собрания Fine Art Museum, St. Petersburg, Florida, который назывался «Советский импрессионизм». (Эти картины, принадлежавшие Русскому Музею, непонятным образом оказались в американской коллекции в приснопамятные годы правления А. Собчака, на волне перестроечной эйфории.)
Можно говорить об импрессионистском взгляде на мир, об экспрессионистской манере письма, о декоративности и орнаментальности, присущими модерну, но для того чтобы называться, к примеру, абстрактным экспрессионистом не достаточно поливать холст красками, как блин вареньем со сметаной.
В отличие от большинства течений и направлений, появившихся в живописи в XX веке, абстракционизм не имеет определенных временных рамок. Изначально к абстрактному искусству относили такие различные и внешне ничем не связанные художественные явления как живопись В. Кандинского, опиравшаяся на его теоретические разработки о соответствии звука, цвета и формы, геометрические построения П. Мондриана, абстрактный экспрессионизм Д. Поллока и многое, многое другое. Абстракционизм стал обобщающим термином для искусства, противостоящего предметной или фигуративной живописи. При этом сама фигуративная живопись в XX веке преодолела границы реалистического искусства.
Отметим, что в английском языке слово «figurative» означает «метафорический», «фигуральный», а также «изобразительный», «пластический», «живописный». Попробуем найти грань, разделяющую абстрактную и фигуративную живопись не на уровне языка, а с точки зрения психологии стиля.
Появлением термина «абстракция» по отношению к искусству мы обязаны немецкому искусствоведу Вильгельму Воррингеру, написавшему в 1906 году диссертацию «Абстракция и эмпатия». Термин появился раньше самого явления в живописи. Под абстракцией понималось нереалистическое, неприродное искусство, противостоящее натуралистической школе. Для сравнения, В. Кандинский в 1911 году в работе «О духовном в искусстве» писал: «Живопись нынче еще почти исключительно ограничена натуральными формами, взятыми напрокат из натуры. И нынешняя ее задача – испытать, взвесит свои силы и средства, познать их, как музыка поступала с незапамятных времен, и попробовать, наконец, эти свои средства и силы чисто живописным образом применять в целях творения». Идея абстрактного искусства витала в воздухе в начале XX века, выявляя растущий интерес к бессознательному в человеческой психике.
Еще один подход к данной проблеме можно найти у К. Г. Юнга. Он соотносил эмпатию с экстравертной установкой (сосредоточенность на внешних объектах), а абстракцию с интровертной установкой (сосредоточенность на внутреннем мире). Отсюда следует тесная связь абстрактной живописи с подсознанием. В XX веке психология и живопись одновременно стали осваивать сферу бессознательного. В психологии появились визуальные тесты (Роршаха, Люшера), использующие цветовые и зрительные ассоциации, связанные с абстрактным пятном. В свою очередь художники абстракционисты с их «дегенеративным искусством» стали прочно ассоциироваться в сознании обывателей с психическими отклонениями.
Здесь выявляется одна из важнейших особенностей абстрактного искусства: оно служит своего рода зеркалом внутреннего мира смотрящего. Восприятие абстрактной живописи определяется богатством ассоциативного зрительного ряда, прежде всего, опытом «смотрения» на произведения искусства. Чем больше опыт восприятия живописи вообще, тем больше удовольствия от созерцания хорошей абстрактной картины. В противном случае преобладают чисто физиологические ассоциации, выявляющие скрытые в подсознании комплексы и страхи. Сказанное относится к настоящим произведениям искусства, которые нужно отличать от стилизаций и поделок, в которых реализуются неадекватные амбиции плохих художников. Для этого тоже требуются опыт и интуиция.
Термин «абстракция» используется не только в значении «отстраненности от чего-либо», в противопоставлении эмпатии. «Абстрактный» может означать «не конкретный», «без деталей и частностей». В этом смысле абстрактная живопись характеризуется отсутствием однозначно узнаваемого образа. Как правило, зритель все равно находит образ в абстрактном пятне в соответствии со своими индивидуальными установками. Выделение образа из фона относится к функции сознания, вытесненное в подсознание воспринимается как фон. Образ и фон могут меняться местами, та или иная часть фона может присоединяться к образу, образуя новый вариант образа.
Абстрактная живопись создает ситуацию неопределенности, когда одной и той же поверхностной структуре можно привести в соответствие несколько смысловых прочтений. Неопределенность – это изысканно точный прием активного вовлечения бессознательного в восприятие. Этот прием используется в предсказаниях, в гипнозе, в искусстве. Каждый зритель может «домыслить под себя» произведение искусства. Так же и пациент, находящийся под гипнозом, расшифровывает указания хорошего психотерапевта, сообразно своим внутренним потребностям. Плохой психотерапевт, не понимающий важности неопределенности, старается просто навязать пациенту свою волю, что мало эффективно и не безупречно с точки зрения этики. Художники зачастую поступают как плохие эстрадные психотерапевты.
Можно выделить два принципиально разных подхода к обучению живописи или к созданию картины. Традиционный академический подход подразумевает обучение точному рисунку (мастерство руки) с последующим переходом к живописному произведению через эскизную проработку деталей. Другой метод предполагает непосредственную, часто спонтанную работу со всем пространством картины без предварительного рисунка на холсте. Здесь моторика движения кисти определяется размерами полотна, пустоты несут едва ли не тот же смысл, что и изображение, а фактура мазка, случайные подтеки и брызги краски органично входят в композицию. При этом само изображение чаще всего выделяется глазами из хаоса линий или из цветового пятна (обучение видению). В психологии подобный метод носит название «автоматического рисунка».
Первый подход безраздельно господствует в традиционной реалистической живописи, ищущей вдохновение в натуре. С некоторыми оговорками рамки реализма ограничиваются применением академического метода.
Второй подход в европейской традиции наиболее точно соответствует экспрессивному методу письма, который в большей или меньшей степени присутствует в различных направлениях авангардной живописи XX века. В чистом виде спонтанная работа, близкая к «автоматическому рисунку», используется в ряде восточных школ каллиграфии и живописи, исповедующих философию дзэн буддизма.
Я использую экспрессивный метод для создания цветового пятна в качестве подмалевка, задав предварительно палитру – определенную цветовую тональность. Далее можно либо выделять из хаоса образы с сюжетом, добавляя детали и удаляя лишнее, либо, избегая образов, работать с цветовым пятном, добиваясь интуитивной гармонии.
В первом варианте получившуюся картину можно расценивать как фигуративную, во втором – как абстрактную. Наличие или отсутствие однозначно узнаваемого изображения служит формальным признаком, разделяющим живопись на абстрактную и фигуративную. Отметим, что речь сейчас не идет о следовании натуре. И абстрактная, и фигуративная живопись, в данном случае, черпают вдохновение во внутреннем мире.
Разрушать возникающие образы, избегая определенности, бывает труднее, чем выделить конкретное изображение. Этот процесс, подобно медитации, требует отключения сознания, «остановки внутреннего диалога». В процессе алхимических манипуляций с красками формируется некий энергетический и эмоциональный настрой картины, который и является конечным продуктом творчества, передаваемым зрителям. Здесь крайне важно избегать негативных посылов, которые свидетельствуют о незрелости личности художника.
Создание картины подобным образом предполагает решение нескольких формальных задач, противоречащих друг другу. Цельное декоративное цветовое пятно рассыпается при формировании сюжетного изображения. Эффект глубины изображения тоже разрушает красочность плоского цветового пятна. На мой взгляд, ощущение глубины изображения, «метафизические провалы» и «дырки» в поверхности холста являются одним из самых сложных элементов, который более всего раздражает банальное обывательское восприятие. Картина может вырываться из рамы, может затягивать зрителя в себя, может создавать ощущение движения. При всем при том определяющим остается состояние, которое несет живописное полотно, – от первого интуитивного ощущения до устойчивого чувства, возникающего со временем.
Процесс создания картины можно сравнить с оптимизацией многоцелевой функции, которая предполагает бесчисленное множество решений. Изменение критериев оптимизации приводит к новым решениям.
Это хорошо знали древние, говоря: «Искусство вечно».
Сейчас часто говорят о смерти искусства. При этом происходит некая подмена понятий. Под актуальным искусством предлагается понимать настойчиво навязываемые публике кураторские проекты (в советские времена тоже были «кураторы от искусства» из спецслужб), концептуальные инсталляции, компьютерные игры, фильмы и журналы, использующие 3-d технологии (помните зеленые очки для посетителей Изумрудного города), глянец и гламур. Все это относится к сфере рекламы и к политтехнологиям. Суррогатные зрелища для зомбированных обывателей. На этот счет тоже есть подходящая английская поговорка: «Let the dead bury their dead» – «Пусть мертвые хоронят своих мертвецов».
Интересно отметить, что актуальное искусство не растворилось в беспредметности, а безнадежно завязло в конкретности, все более точно воспроизводящей виртуальную реальность. Сферой патологий оказалось не индивидуальное бессознательное, а унифицированное массовое сознание, тщательно промываемое рекламой, гламурной эстетикой и «актуальными проектами» штатных культурологов.
Любой язык, теряющий элемент неопределенности, становится командой. Общество, потерявшее искусство, становится сообществом насекомых.