что такое фасовка в анимации

cgmichael

Терминология по анимации

Профессиональные термины, которые обязательно употребляются в работе.
Их необходимо знать, чтобы понимать людей на разных этапах производства.

• Конвейер (pipeline) – все этапы производства: раскадровка, концепты, модели,текстуры, анимация, эффекты, рендер, композитинг.

• Раскадровка (storyboard) – это статичный прототип мультфильма, состоящий из серии набросков, где текстом и стрелками указаны происходящее в кадре.

• Тайминг (от англ. time “время”) – расчет времени, за которое должно выполняться определенное действие. Аниматор, должен умело использовать тайминг в анимации, так как можно один и тот же жест показать с разным смыслом. К примеру взмах руки может быть энергичен и полон решительности, но если увеличить время на выполнение взмаха, то он будет выглядеть как вялый и вельможный. В результате получится совсем не то, что требовалось. Поэтому необходимо внимательно следить за таймингом.

• Спейсинг (от англ. spacing “интервал, промежуток”) – это определение интервалов между ключевыми кадрами /анимационными ключами на линейке времени. В зависимости от способа расстановки ключей, физика движения объекта может меняться. Начиная с определенного кадра скорость движения может замедляться при увеличении интервала между ключевыми кадрами или ускоряться при более плотной их расстановке. Также объект может двигаться равномерно, если ключи на линейке выставлены с одинаковым интервалом.

Анимация мячей с одинаковым таймингом в 7 кадров, но разным спейсингом.

• Блокинг (от англ. blocking “разделение на блоки”) – это определение основных поз или ключевых моментов, определяющих движение объекта.
Без них движение не понятно. Главный аниматор задает основные позы движения, затем фазовщик между ключевыми позами вставляет промежуточные позы, то есть создает промежуточные фазы движения по расчетам главного аниматора. Так получается черновая анимация.

• Фазовка – вставка промежуточных кадров, пропущенных при раскадровке, для создания эффекта плавного перехода между ключевыми кадрами сцены.

• Подхват — движение, начатое в сцене, должно быть продолжено в следующей, иначе ломается плавность повествования.

• Липсинк (от англ. lip sync) – синхронизация движения губ с фонограммой и действием персонажа. В реплике нужно обращать внимание на движения персонажа в целом, речевые акценты (ударные моменты) и элементы выразительности: брови, глаза, рот, поза и жесты.

• Твининг (от англ. tweening “вставка промежуточных кадров”) – слово происходит от традиционного термина анимации «in betweening», который означает построение промежуточных изображений в процессе превращения исходного объекта в целевой или проще говоря заполнение промежутков между двумя ключевыми кадрами. Компьютерные программы для работы с анимацией часто сами вычисляют переход изображения из одного положения в другое посредством генерации промежуточных кадров между ними. В результате создается впечатление, что первое изображение постепенно превращается во второе.

• Перелистывание/флипинг (от англ. flipping) – смена страниц, каждая страница – новый кадр.

ДВИЖЕНИЕ

• Подготовка или упреждение (замах) – предварительный набор энергии в виде упреждение действия. Действие в обратном направлении перед самим действием. Так для броска руку с камнем отводят в назад, душевному подъему предшествует спад, и т.д.

• Брейкдаун (breakdown “разбивка” или passing position “пронос”) – средний рисунок или поза между двумя ключами, требует тонкой подгонки, выражает эмоции.

• Плавный вход и Плавный выход (Ease In & Ease out) — ключи (компоновки) наиболее выразительны, поэтому промежуточные фазы группируются вокруг компоновок (как бы смягчая), замедляя на них скорость движения персонажа. Или Слоу ин и Слоу аут – (англ. Slow in and Slow out – медленный вход и медленный выход).

• Нацеливание (aiming) – плавный акцент начинающегося движения и устремление внимания зрителя на нужный элемент. Можно сопровождать следящим взглядом персонажа. Этот настрой зрителя на то, что должно произойти. Создаёт непрерывность восприятия.

• Сжатие и растяжение (squash и stretch) – живое тело в движении то сжимается, то растягивается, то расширяется, важное правило при этом – неизменность общего “объема” персонажа. Без сквоша и стретча тело персонажа как бы каменеет.

• Оверлэпинг (от англ. overlapping – “перекрытие”) – действия идущие с определенным запозданием от основного: тело, затем волосы, хвост, одежда… Даёт анимации плавность и жизненную текучесть. В жизни, все движения имеют разную скорость, а объекты разную инерционность.

• Овершут (от англ. overshoot – “проскок”) – персонаж стремиться к позе, чтобы застыть в ней, но силы инерции заставляют его сначала проскочить эту позу и только потом занять нужное положение.

КАМЕРА

• PAN – Панорамирование (реже «панорама») — вращение камеры, творческий приём в киносъёмке, осуществляемый поворотом камеры вокруг вертикальной или горизонтальной оси при непрерывной съемке большого пространства.

Источник

Аниматор: профессия настоящего и будущего

28 октября — Международный день анимации. В честь праздника мы взяли тематическое интервью у Андрея Тренина, аниматора с 15-летним опытом работы и создателя онлайн-школы анимации. Он рассказал нам, почему аниматор — это профессия будущего и как сделать карьеру в этой сфере.

Чем аниматор отличается от мультипликатора

Анимация и мультипликация — это разные наименования одного и того же аудиовизуального искусства, основанного на технологии «оживления» изображений. Мультипликация — русскоязычное название анимации, его использовали в СССР. Сейчас в индустрии принято использовать англоязычные термины, «анимация» и «аниматор». Во-первых, они понятны всем, а во-вторых, в них как раз и отражена суть профессии — одушевление («анима» на латыни — «душа»).

Два основных вида современной анимации — рисованная 2D-анимация и компьютерная 3D-анимация. В первом случае оживляется нарисованный художником персонаж, во втором — его компьютерная проекция в 3D. К анимации также относится создание визуальных эффектов (VFX).

Чем занимается аниматор

Аниматор — это художник-артист, который с помощью определённых приёмов и технологий создаёт иллюзию движения персонажа мультфильма или компьютерной игры. Персонажи при этом двигаются, разговаривают, испытывают и проявляют разные чувства. Всё это аниматор должен изобразить, пользуясь разными профессиональными приёмами. Чем более живым и ярким получатся персонаж — тем выше качество работы аниматора.

Мультфильмы, анимационные сериалы, компьютерные игры не создаются в одиночку, над ними всегда работает команда. На большой студии аниматор — часть производственной цепочки. Можно сказать, что он — инструмент, которым режиссёр воплощает свой замысел. Сначала создаётся сценарий и образы персонажей, а потом аниматор воплощает и оживляет их.

Аниматор может работать и самостоятельно, то есть быть сам себе режиссёром. Так создаются авторские мультфильмы. В России ежегодно проходят фестивали авторских анимационных фильмов, например, «Суздаль» или «Крок», где создатели демонстрируют свои работы, обмениваются опытом, получают призы и награды.

С одной стороны, аниматор — достаточно творческая профессия. В рамках определённого режиссёрского задания можно самостоятельно работать над характером, внешностью, манерами персонажа, воплощать собственные идеи.

С другой стороны, в индустрии аниматору приходится работать в заданных рамках, выполнять режиссёрскую задачу. Если хочется больше свободы, можно заниматься собственными проектами, работать в авторском кино, но там меньше возможностей для заработка.

Как я стал аниматором

В детстве я посмотрел передачу «Спокойной ночи, малыши!». В программу позвали аниматора, и он изобразил в блокноте, как создаётся рисованный персонаж. С тех пор я мечтал только об одном — стать персонажным аниматором. В то время, 20 лет назад, возможностей сразу выучиться на аниматора было меньше. Я поступил в Палехское художественное училище и получил специальность «художник лаковой миниатюры», а потом приехал в Москву и устроился работать на анимационную студию «Солнечный дом». Они тогда как раз делали мультфильм «Князь Владимир». Там, на студии, я работал и одновременно учился у профессиональных аниматоров.

Несколько лет я переходил из студии в студию, попробовал себя в разных видах анимации, освоил разные техники, работал и на фонах, и в композитинге, но больше всего мне нравилась персонажная анимация. Постепенно из простого аниматора я вырос до главного аниматора, работал супервайзер-аниматором на анимационном сериале «Сказочный патруль».

Во время работы я видел, что аниматоров на проектах не хватает, мне нужны были коллеги-профессионалы. Я решил сам их обучать: открыл онлайн-школу анимации и создал тематическое сообщество в социальной сети. Сейчас, спустя 5 лет, в нашей школе учатся 300-400 студентов в месяц, наши выпускники работают на студиях анимации в России и за рубежом. Мы учим анимации, режиссуре, сценарному мастерству, проводим ежегодный «Слёт аниматоров», куда приезжают иностранные спикеры, представители студий, аниматоры и все, кому интересна эта профессия.

Я руководитель проекта, занимаюсь его развитием и продвижением, поэтому времени на преподавание или создание анимации практически не остаётся. Однако я планирую развиваться дальше в индустрии. Например, есть идея создать компьютерную игру, но не хватает знаний, так что я собираюсь пойти на курсы и выучиться на геймдизайнера.

Где нужны аниматоры

Я считаю, что аниматор — это профессия будущего. Визуальный контент окружает нас повсюду, и его будет требоваться всё больше и больше. В дальнейшем технологии позволят транслировать анимационные изображения прямо в мозг человека, и для их создания также понадобятся аниматоры.

Но и сегодня аниматор — очень востребованная профессия. Они нужны в кино- и телеиндустрии, в рекламе. Создание фильмов и мультфильмов в студиях поставлено на поток, поэтому аниматоры в кино и на телевидении не просто востребованы — их не хватает, причём как в России, так и за рубежом.

Аниматоры задействованы и в гейм-индустрии. Они создают специальные клипы анимации, которые компьютерная программа потом микширует (совмещает) и делает из этого движение. Например, для персонажа отдельно делается клип для ходьбы, отдельно — для падения, отдельно для поднятия руки, поворота головы. Потом все эти клипы совмещаются и получается анимация движений персонажа. Игрок нажимает соответствующую кнопку на компьютере, активируется программа, и персонаж выполняет нужные действия.

Как стать аниматором

Высшее образование в сфере анимации можно получить во ВГИКе, на факультете анимации и мультимедиа. Там готовят режиссёров и художников анимации, есть бюджетные и платные места.

Экзамены для поступления:

Аниматоров готовит также «Театральный художественно-технический колледж» в Москве. Поступать можно на базе 9 и 11 классов, вступительные испытания при поступлении на отделение анимации — «Рисунок«и «Раскадровка».

Однако в наше время не обязательно идти в официальное учебное заведение, чтобы выучиться на аниматора. Существует множество дистанционных школ анимации. Они, как правило, платные, но обучение на аниматора очень быстро окупается, если не просто выучиться, а остаться в профессии. Зарплата аниматора-стажёра в России — от 40 тысяч рублей, а опытный специалист может зарабатывать 100 тысяч и больше.

Когда аниматора принимают работать на студию, даже если это студия Disney, смотрят не на диплом, а исключительно на портфолио, то есть на работы, которые аниматор уже делал и может продемонстрировать.

Дистанционные школы как раз и позволяют собрать впечатляющее портфолио. Во время обучения выдаются задания, студент выполняет их вместе с преподавателем-ментором. Ментор помогает сделать работу качественно, указывает на ошибки. Онлайн-школы также проводят стажировки на студиях, где у студентов есть возможность попробовать себя в реальной работе. Им выдают «боевые сцены» прямо с производства, и те, кто хорошо справляется, имеют все шансы попасть в проект и в титры.

Аниматоры сейчас настолько востребованы, что студентов разбирают на работу сразу после окончания дистанционной школы анимации.

Какие навыки нужны аниматору

Для поступления в официальное учебное заведение понадобятся навыки рисования и раскадровки. Их можно получить в художественных школах, на специальных курсах, детских студиях анимации или занимаясь с преподавателем индивидуально.

Для обучения 3D-анимации в дистанционной школе навык рисования желателен, но не обязателен. Объёмной компьютерной анимации можно научиться полностью «с нуля». А вот если есть желание освоить рисованную 2D-анимацию, начальные навыки рисования понадобятся. Особенно приветствуется в анимации умение рисовать скетчи — быстрые наброски.

Аниматор — не художник. Как говорил мой ментор, известный российский аниматор Александр Дорогов, который работал на студии Disney, а сейчас обучает студентов в России, «хороший рисунок не спасет анимацию, её спасет хороший тайминг». Для аниматора более важна не тщательная прорисовка, а умение видеть изображение в динамике.

Уровни мастерства и карьера

Главные навыки аниматора — умение передавать движение тела и мимику персонажа.

Передавать движение проще. Научившись хорошо рисовать движение, аниматор уже может создавать работы, например, для компьютерных игр, где персонажи просто бегают и прыгают, совершают какие-то действия, но не общаются.

Чтобы работать над созданием мультфильмов и фильмов, нужно научиться делать мимику, липсинк — движение губ персонажа, показать актёрскую игру, сделать его интересным, смешным. Это следующий уровень мастерства.

По опыту нашей школы анимации, самый быстрый срок освоения профессии с нуля до начала работы в студии — 6 месяцев. Сейчас этот срок увеличивается: аниматоров становится больше, растёт конкуренция, студиям требуются специалисты более высокого уровня. Многие наши выпускники возвращаются к нам, чтобы освоить новые навыки.

После школы анимации студент становится аниматором-стажёром. Через несколько лет работы в разных студиях и разных проектах он нарабатывает опыт и превращается в хорошего специалиста среднего уровня. Если он становится востребованным, его приглашают на работу и стараются удержать — значит, он стал аниматором-профессионалом.

Внутри студий анимации — своя карьерная лестница, от техник-аниматора до главного аниматора, который отвечает за весь проект.

Многие аниматоры, получив образование в России, достигают здесь своего «потолка», не только зарплатного, но и творческого. Поэтому они уезжают работать за границу — в США, Канаду, Вьетнам и другие страны.

Какие личностные качества нужны и не нужны аниматору

Нужны

✅Трудолюбие, умение действовать, а не рассуждать.

Это качество нужно в любой профессии, но аниматор совершенствует своё мастерство и растёт профессионально, только если постоянно работает, рисует и создаёт. Успешные молодые специалисты, которые быстро становятся востребованными и попадают на крупные студии, отличаются не особыми талантами, а именно трудолюбием и активностью.

✅Коммуникабельность

Умение выстраивать коммуникацию важно, чтобы находить интересные проекты, быть в курсе новинок индустрии, для работы в команде и обмена опытом с коллегами.

✅ Наблюдательность

Для аниматора важно замечать особенности движения, мимики людей, быть внимательным к деталям. Наблюдая за движением в окружающем мире, люди разработали основные принципы анимации. Аниматор постоянно исследует, как двигается персонаж, смотрит референсы (изображения, помогающие уточнить творческую задачу, уловить суть персонажа и точнее передать детали), изучает работы других аниматоров.

✅Ответственность

Профессиональный аниматор должен работать быстро, качественно, соблюдать сроки, ответственно относиться к своей задаче.

Не нужны

🚫Усидчивость

Создавать анимацию — очень увлекательное занятие, поэтому темперамент для аниматора не имеет особого значения. Главное — любить свою работу, тогда усидчивость не понадобится.

🚫Талант

В анимации, как и в любой другой творческой профессии, 99% труда, и только 1% таланта, и даже этот 1% не обязателен. Если он есть — повезло, если нет — можно без него обойтись.

Что нужно запомнить:

Хотите получать новые статьи во «ВКонтакте»? Подпишитесь на рассылку полезных статей

Источник

Создание визуальных эффектов в кино #00 Терминология

Всем доброго времени суток!

В этом посте я хотел бы представить вам стенограмму моей новой рубрики, которая выходит на моем YouTube канале.

Она будет посвящена визуальным эффектам в кино, обзорам различных аспектов создания всех тех красот, которые вы видите в кинотеатре, во время просмотра крупнобюджетных блокбастеров.

Но прежде чем приступить к рассказу о создании компьютерной графики в фильмах, я хочу познакомить вас со специальной терминологией, применяемой во время съемочного процесса и во время работы над компьютерной графикой в кино. Поскольку рассказ о создании компьютерной графики невозможен без соответствующего сленга, этот материал будет полезен всем, кто только начинает знакомиться с созданием визуальных эффектов, и поможет в дальнейшем легче ориентироваться в множестве незнакомых слов и выражений применимых на съемочных площадках и в студиях компьютерной графики.

Непосредственно в данном вступлении я вкратце познакомлю вас с терминами, которые будут фигурировать в обзоре графики в фильме Дедпул. (понимаю, как всем надоел Дедпул, но все же :)))

Но в последствии перед каждым обзором мы будем знакомить вас с новыми терминами, которые будут присутствовать в материале.

Кстати, если вас заинтересует какой-то из терминов, и вы захотите узнать о нем больше, то пишите в комментариях, задавайте вопросы, и мы постараемся подготовить отдельные выпуски, посвященные определенным терминам, направлениям и инструментам в компьютерной графике.

Отдельным пунктом хотелось бы сказать, что выпуски о программном обеспечении, применяемом для создания визуальных эффектов тоже планируются. Мы по возможности и актуальности постарамся включить это направление в структуру рубрики, но это будет немного позже.

А теперь приступим к разбору терминов, которые будут располагаться примерно в том порядке, в котором они появляются в обзоре по фильму Дедпул.

К визуальным эффектам относятся элементы кадра, которые не возможно, трудозатратно или дорого снимать в живу. Монстры, разрушения зданий, космические корабли и прочие зрелищные кадры создаются с помощью компьютерной графики.

К спецэффектам же можно отнести работу пиротехников, специалистов по аниматронике, гримировщиков, создание макетов и исполнение трюков.

Супервайзер (от англ. supervisor) — административная должность в различных отраслях бизнеса, государственных учреждениях, а также в научных и образовательных институтах. Функции супервайзера в основном ограничиваются контролем за работой персонала.

Супервайзер визуальных эффектов появляется в кино в начале съёмочного процесса. Как правило, специалист находится на площадке, внимательно следит за съёмками. Он должен заранее знать, в каком кадре понадобится использование компьютерной графики. Исходя из этого супервайзер определяет, где будет находиться нарисованный персонаж и как изменится силуэт актера в том случае, если он играет Халка или хоббита. Ещё одна обязанность — объяснить другим участникам сцены, как работать с партнёром.

Супервайзер может заменить всю атмосферу кадра — например, из солнечной полянки сделать Город Грехов. Важная часть работы — следить за тем, чтобы в кадр не попадали лишние объекты — коробки, здания, собачий кал, которые потом придётся удалять на компьютере. Супервайзер использует графику только там, где это необходимо. Помимо компьютерных навыков и знания специальных программ он должен обладать задатками режиссёра, сценариста и фотографа.

Вендорами визуальных эффектов являются такие известные студии как: Weta Digital, Blur Studio, Digital Domain, Industrial Light & Magic, Framestore, Sony Pictures Imageworks и многие другие.

Технология, позволяющая преобразовывать изображение актера (в т.ч. его движение и мимику) в анимированного персонажа; маркерная система motion capture предполагает использование помимо специальных камер маркеров в виде датчиков или точек; также применяется безмаркерная система, основывающаяся на технологии распознавания образов

Превизы — грубые анимационные наброски, позволяющие режиссёрам экспериментировать с расстановкой актёров, освещением, движениями камеры. Выбирать лучшие творческие варианты, а назавтра легко менять свои решения. И всё это – без затрат на реальные постановку и съёмку

Почему хромакей зеленый или синий? Цвет хромакея зависит от того, какой цвет преобладает в одеждах актеров и съемочных элементов. Если актеры одеты преимущественно в одежды синих оттенков, то хромак ставят зеленый, если же одежда с оттенками зеленого, то соответственно хромак будет синий. Таким образом специалистам по композитингу будет проще осуществить интеграцию актеров в цифровую среду и наоборот.

Постпродакшн, (postproduction)- процесс осуществляемый после основных съемок, в который входят работы над визуальными эффектами, звуком, монтажом, цветокоррекцией и т.д.

После того, как мы получили информацию о движении камеры мы можем перейти в редактор 3D графики и создать там виртуальную камеру, которая будет в точности идентична реальной камере, которой снималось исходное видео. Далее мы с учётом движения виртуальной камеры создаём какой-нибудь 3D объект, который после интеграции его в исходное видео будет находиться в идеальной перспективе. Другими словами, 3D объект будет отображаться в исходном видеоряде так, как-будто он там и находился при съемке.

Их применяют для создания в кадре иллюзии окружающей среды, которую по каким-либо причинам невозможно заснять натурой или воспроизвести с помощью материальных декораций. Главная задача специалистов по Matte Painting состоит в фотореалистичности получившихся изображений, с тем чтобы они органично сочетались с натурными съёмками.

Вот примерно такой список терминов получился во время подготовки материала к первому обзору по визуальным эффектам.

Пишите пожалуйста в комментариях вопросы и пожелания по развернутым рассказам об отдельных аспектах создания графики.

И конечно обещанная ссылка на видео:

Надеюсь вам было интересно и полезно посмотреть этот материал и вы узнали для себя что-то новое! Спасибо!

Источник