Одним дублем что значит
Эффект непрерывного действия: как снимают кино «без склеек»
Наверняка вы слышали про «рваный монтаж». Это когда кадры сменяются так быстро, что зритель не успевает терять концентрацию во время просмотра. В противовес этой тенденции многие кинематографисты прибегают к длинным планам, которые могут длиться минуту, две, а то и несколько часов.
Считается, что этот эффект беспрерывного действия придаёт фильму правдоподобности. Но добиться его зачастую очень непросто. Мы попытались разобраться, какими приёмами пользовались разные режиссёры, чтобы зритель сильнее поверил в происходящее на экране.
Иногда из-за нехватки времени часть съёмок проходит без прогонов. Но, чтобы снять длинный дубль, без репетиций не обойтись. Это первое правило. Бывает, что на это уходит не день и не два, а целые месяцы. Как в случае с историческим боевиком «1917». Оператор Роджер Дикинс репетировал восемь месяцев перед началом съёмочного процесса.
Но там хотя бы были склейки. А, вот, в фильме Александра Сокурова «Русский ковчег» склеек и вовсе нет. Оператору приходилось тащить на себе 30-килограммовое оборудование на протяжении полутора часов. И так три дубля в течение одного съёмочного дня. Ради него команда и массовка репетировали на протяжении семи месяцев.
Хорошо, когда удаётся отделаться несколькими дублями после репетиций. Но бывает, что какие-то непредвиденные казусы меняют расклад. Так произошло в открывающей сцене фильма Орсона Уэллса «Печать зла», которую впоследствии будут копировать многие кинематографисты. Одним кадром в картине были сняты только первые три минуты. От актёров требовалась максимальная сосредоточенность, а от съёмки – предельной выверенности. Но исполнитель роли пограничника всё никак не мог запомнить свои реплики. На нём дубль прерывался трижды! В итоге Уэллс просто разрешил актёру шевелить губами, чтобы потом наложить слова на монтаже.
Но это еще пустяки. Одну из коридорных экшен-сцен в первом сезоне сериала «Сорвиголова» пришлось переснимать 12 раз, чтобы добиться нужного результата. В ней на протяжении трёх минут актёр Чарли Кокс и его дублёр менялись местами, когда персонаж Сорвиголовы исчезал из поля зрения.
Если еще в фильмах эпохи Уэллса приходилось использовать операторский кран, то с появлением ручной камеры не заставил себя долго ждать и стедикам. С помощью него начали снимать сцены без склеек уже в первом «Рокки». Благодаря стедикаму пробежка легендарного героя в исполнении Сильвестра Сталлоне выглядит плавной и одновременно динамичной.
Ещё одна длинная сцена без монтажа, снятая со стедикама, – знаменитая поездка на велосипеде по отелю Оверлук. С помощью стедикама у Стэнли Кубрика появилась возможность снять сцену с позиции ребёнка, Дэнни. Из-за этого финал сцены выглядит очень пугающим.
Иногда длинные кадры действительно снимают без склеек. Но есть и случаи, когда режиссёры идут на некоторые хитрости. Брайан де Пальма, например, для «Глаз змеи» решил сделать монтаж незаметным и создать эффект непрерывного действия в открывающей и финальной сценах. Каждая из них длится дольше десяти минут, но внимательный зритель легко найдёт в них склейки: когда в кадре тёмный план или когда камеру ловко перегораживает какой-нибудь актёр.
Точно таким же образом поступил и Алеханро Гонсалес Иньярриту в «Бёрдмане»: склейки аккуратно спрятаны в каждой новой сцене фильма. Затемнение плана, перекрытие камеры – и мы снова получаем эффект беспрерывного действия.
От расположения камеры и актёров тоже зависит успех сцены, снятой одним кадром. Вспомним замечательную сцену из «Олдбоя», где главному герою приходится бить многочисленных противников молотком в узком коридоре. Атмосферная потасовка длится три минуты без склеек и снята с такого ракурса, будто мы смотрим action-игру на старой приставке.
Иногда создатели фильма подходят к режиссуре сцены без монтажа с особой изобретательностью. Так, для сериала «Шучу» Мишеля Гондри с Джимом Керри в главной роли ради двухминутной сцены декорации меняли за спиной оператора прямо во время съёмок. Таким образом, комната, в которой снималась сцена, полностью трансформировалась ни один раз. Всё ради того, чтобы показать, как с годами менялась квартира главной героини.
Впрочем, эта технология не нова. Выдвижные декорации использовал еще Альфред Хичкок для своего фильма «Верёвка». Если бы не ограничение по длине плёнки, эта картина тоже была бы снята одним кадром.
От Хичкока до Мендеса: фильмы, снятые одним кадром
30 января в России вышла в прокат военная драма Сэма Мендеса «1917». Одна из главных особенностей этого фильма — визуальный ряд. Картина снята в довольно редком и амбициозном формате — одним кадром. На самом деле, конечно, кадров несколько, но оператор Роджер Дикинс и режиссер Сэм Мендес сделали монтажные склейки максимально незаметными для зрителя, чтобы у того не пропадало ощущение беспрерывного действия. В честь главной премьеры недели мы вспомнили еще несколько примечательных фильмов, которые сняты в том же формате, некоторые из них — действительно единым кадром, без уловок.
Кинематографу уже давно перевалило за сто лет, но прием со съемкой единым кадром до сих пор остается экспериментальным, даже при всех достижениях современных технологий. Такой формат для любого фильма невозможно освоить только при помощи техники — это как минимум требует длительных репетиций всей съемочной группы, что позволить сегодня себе могут совсем немногие — особенно, это касается актеров. Именно поэтому в «1917» на главных ролях заняты в основном малоизвестные молодые артисты, а звезды задействованы только во второстепенных ролях — непрерывную восьмимесячную репетицию (а именно столько оператор Роджер Дикинс, режиссер Сэм Мендес и остальная съемочная группа потратила на подготовку) могут позволить себе немногие. Из-за сложных подготовок к съемкам и сомнительного (а если честно — никакого) влияния на прокатные сборы, фильмы в подобном формате даже сейчас появляются совсем нечасто.
Если говорить про классический Голливуд, то первым баловаться длинными кадрами в своих фильмах начал Орсон Уэллс. Но не только по художественным соображениям. Например, по легенде на картине «Чужестранец» Уэллс специально делал дубли подлиннее и максимально заполнял их диалогами, чтобы не дать Эрнесту Нимсу, студийному монтажеру, изрезать его картину на маленькие кадры. Уэллсу такой подход с пулеметным монтажом очень не нравился, и чтобы дополнительно позлить Нимса, он придумал в «Чужестранце» знаменитую 4-минутную разговорную сцену в лесу, из которой невозможно было выкинуть ни секунды. Позднее такие длинные кадры стали визитной карточкой Уэллса. Самая знаменитая из них — разумеется, открывающая сцена из «Печати зла».
Были фанаты длинных кадров и в советском кино. Например, в невыносимой красоты картине «Я — Куба», снятой, возможно, самым крутым отечественным оператором вообще Сергеем Урусевским полно длинных кадров. Урусевский, кстати, включил парочку еще в знаменитый «Летят журавли», но именно в «Я — Куба» этот прием достиг совершенства. Описать их невозможно, это надо видеть. «Я — Куба» — надо сказать, вообще один из самых красивых фильмов не только советского, но и мирового кино. Если вы его не видели, бегите смотреть, так у нас никогда ни до, ни после не снимали.
В Европе первыми попробовали меньше монтировать и снимать длинными кадрами Жан-Люк Годар в его фильме «Уик-энд», который весь состоит из длинных сцен, а также бельгийский режиссер Шанталь Акерман, в фильме которого с невероятным названием «Жанна Дильман, набережная коммерции 23, Брюссель 1080» есть знаменитая сцена с одной статичной камеры. Полный фарш!
Но если в древние киновремена режиссеров ограничивали технические несовершенства оборудования (объем фильмокопии, габариты камеры, громоздкие студийные декорации), то с приходом цифровой эры и ручных камер, у них развязались руки. Но прием с длинными кадрами так и не стал трендом. Даже самые великие и технически подкованные постановщики и операторы обычно позволяют включить в фильм максимум 1-2 таких сцены, и то не в каждый. Среди таких появлений, конечно, вспоминается знаменитый эпизод из «Славных парней» в баре, несколько эффектных сцен из «Дитя человеческого» или «Гравитации» Альфонсо Куарона, экшн-схватка с молотком из «Олдбоя» и грандиозная сцена на пляже из «Искупления» Джо Райта. Но обычно режиссеры, продюсеры и операторы используют такие приемы очень аккуратно, только если они будут органично смотреться в законченном фильме. Зато прием отлично прижился в клипмейкерстве. Видеоигры — отдельная история, но стоит вспомнить хотя бы God of War, тоже визуально как бы «снятую» одним кадром.
Тем не менее, в истории кино нашлось несколько десятков фильмов, где использовали эту технику или маcтерски создавали видимость, что все снято без монтажных склеек. Отобрали, пожалуй, самые знаковые из них.
«Веревка» (1948)
Пока Орсон Уэллс боролся со студийными монтажерами, в конце 40-х первым снять беспрерывный фильм задумал Альфред Хичкок. Для этого он построил на студии Warner Bros. уникальные подвижные декорации на колесиках, которые могли бесшумно кататься по съемочной площадке. Актеров, включая суперзвезду того времени Джеймса Стюарта, заставили на зубок учить роли — вплоть до отточенных перемещений по комнате.
На съемках
Наконец, режиссер придумал хитроумную систему монтажных склеек — через спины героев — чтобы действо не останавливалось ни на секунду. Увы, во времена Хичкока объем фильмокопии был ограничен — всего 10 минут, поэтому фактически «Веревка» снята не одним, а десятью кадрами. Несмотря на технические новаторские приемы, фильм приняли неоднозначно. Впоследствии даже сами Хичкок и Стюарт отмечали, что прием с длинными кадрами себя не оправдал, а только сделал фильм холоднее и академичнее.
«Эмпайр» (1964)
Первым неигровой (и вообще) фильм одним кадром в истории снял Энди Уорхол — мировой художник, который в 60-80-х сильно экспериментировал с любительским документальным кино. Его фильм «Эмпайр» — это почти 8-часовое созерцание самого знаменитого небоскреба мира «Эмпайр-стейт-билдинг» с крыши другого нью-йоркского здания. Особого смысла в этом фильме нет, но сейчас его можно целиком бесплатно посмотреть на YouTube или использовать в качестве динамического скринсейвера (правда, динамика тут та еще).
«Макбет» (1983)
Герой многих синефильских списков малоизвестных широкой аудитории гениев, венгерский режиссер Бела Тарр в 1982 году снял для телевидения свою версию шекспировского «Макбета», выбрав для этого не самый простой формат — одним кадром, да еще и в темных декорациях, при свете факелов. Но формально кадров все-таки два: первый продолжается 5 минут и заканчивается открывающими титрами, а вот после них уже все честно — 57 минут без единой склейки. «Макбет» Тарра внешне ближе всего к телевизионным театральным постановкам, только более хитроумно устроен и без единой сцены, как в театре.
«Таймкод» (2000)
В начале нового века ныне полузабытый британский режиссер Майк Фиггис задумал невероятный фильм-эксперимент. Развел четырех героев — кинопродюсера, его подругу, любовницу и любовницу любовницы — в разные концы Лос-Анджелеса, чтобы затем в режиме реального времени всего за 96 минут снять 96-минутный фильм «Таймкод». В финальной версии картины он поделил экран на четыре квадрата и пустил все четыре истории, каждая из которых снята единым кадром, параллельно. Магия картины Фиггиса в том, что она, конечно, выверена до секунды и устроена таким образом, что на протяжении всего сюжета истории не перебивают, а дополняют друг друга. В чем там дело и главное, чем этот сюжет заканчивается, рассказывать не будем, но если вы любите очень нестандартное, но при этом захватывающее кино, то поздравляем, вы его нашли.
«Русский ковчег» (2002)
Мендес и Дикинс признаются почти в каждом интервью, что именно «Русский ковчег» Александра Сокурова вдохновил их на съемку одним кадром в «1917». Оба являются знатоками российского и советского кино (любимые военные фильмы Дикинса — «Иваново детство» и «Иди и смотри»), так что ничего удивительного. Удивительный тут как раз фильм Сокурова — беспрерывная история отечества, разыгранная при помощи 2000 актеров и статистов в стенах государственного «Эрмитажа». Противники картины до сих пор задаются простым вопросом «зачем?», не замечая в фильме особой художественной ценности, глубины и достоинств кроме технического трюка, ради которого мы сегодня здесь собрались. Влюбленные в «Ковчег» часто признают его лучшей картиной Сокурова. Истина, как обычно, где-то посередине, но «Русский ковчег» действительно монументальное и очень впечатляющее кино.
«Бердмен» (2014)
Триумфатор «Оскара» 2015 года, блистательный фильм Алехандро Гонсалеса Иньярриту про кулисы бродвейского театра, который готовится к большой премьере — бывшая звезда супергеройского кино Ригган Томпсон ставит спектакль по мотивам своего любимого автора Рэймонда Карвера.
«Бердмен», несмотря на всю виртуозность камеры Эммануэля Любецки, снят не одним, а несколькими кадрами, но это не так важно. Важно другое: здесь прием с длинными кадрами работает на все 100%, потому что позволяет показать жизнь за кулисами театра как вечную суету, тот самый All that Jazz, про который снимал Боб Фосси. Великолепный фильм, заслуженно получивший свои четыре «Оскара», в том числе и за лучшую картину года.
«Виктория» (2015)
В отличие от многих фильмов в списке, этот лихой немецкий триллер про девушку Викторию, которая попадает в самые разные ситуации одной ночью в Берлине, действительно снят одним кадром. Режиссер «Виктории» Себастьян Шиппер заявлял в интервью, что репетиции заняли несколько месяцев, а картина была снята всего со второго дубля — во вторую ночь съемок. «Виктория» не стала вехой в истории или даже культовой картиной, и все же это очень напряженный, отличный триллер из Европы, который вы скорее всего пропустили в прокате, а сейчас можете исправить эту оплошность.
«1917» (2019)
Режиссер Сэм Мендес изначально хотел снять «1917» в традиционном формате (нашу рецензию на фильм, кстати, читайте здесь), но вместе с оператором Роджером Дикинсом они пришли к тому, что в этой истории главным оппонентом героев является время, а не немецкая армия — и тут отлично подойдет съемка одним кадром. Мендес даже придумал жанровое обозначение для своей картины — тик-так-триллер. Репетировали, повторимся, более 8 месяцев, фильм в итоге сняли несколькими очень длинными кадрами с почти незаметными склейками между ними. И получился одна из самых впечатляющих военных драм в истории кино. Если вы собрались смотреть «1917», то выбирайте самый большой кинотеатральный экран на районе, лучше всего — IMAX.
5 шикарных фильмов, снятых одним планом
Съемка целого фильма одним кадром, планом или сценой — вероятно, самый эффектный визуальный прием, известный кинематографу. Благодаря нему зритель еще сильнее погружается в мир на экране, совершенно забывая о нереальности происходящего, а оператор превращается в полноценного, пусть и немого, персонажа. Time Out вспомнил 5 примечательных кинокартин, снятых в этой технике.
95-минутная лента Сокурова, снятая по заказу Государственного Эрмитажа Санкт-Петербурга, поражает своими техническими достижениями.
По задумке зритель переносится почти на 300 лет в прошлое, полностью погружаясь в высшее общество XIX века. Героя-оператора называют «Европейцем», поскольку картина во многом снималась для иностранцев.
В отличие от большинства фильмов в этом списке, «Русский ковчег» действительно снят одним дублем. Это достижение не только режиссера и оператора, но еще и 22 режиссеров-ассистентов, тысяч актеров массовки, 867 актеров-профессионалов и трех живых оркестров. Чтобы отснять материал, Зимний дворец закрыли для посещения на сутки, оставив все бесценные экспонаты музея для внимания зрителя.
Это потрясающее произведение получилось в результате семи месяцев масштабных репетиций. Команде разве что пришлось несколько подправить звук уже по окончании съемок — это, понятное дело, мелочь.
В 2009 году Telegraph поставила «Русский ковчег» на 50-е место в списке лучших фильмов века.
Birdman or (The Unexpected Virtue of Ignorance), 2014
Драма про бывшего актера, прославившегося по роли супергероя — сам Майкл Китон тоже наиболее известен как Бэтмен — показывает невероятную слаженность и талант тандема режиссера Алехандро Гонсалеса Иньярриту и оператора Эммануэля Любецки.
Фильм создает безупречную иллюзию единого двухчасового дубля с блистательной работой актеров и полным отсутствие каких-либо ошибок при планировании сцен. На самом деле эта лента — хирургически точная склейка почти сотни кусочков.
Даже этот трюк сложно назвать значительным упрощением съемок: камера в фильме постоянно находится в движении, как и все, что попадает в ее поле зрения. Десятки актеров, меняющееся освещение кадра и даже цветовая палитра сцен — стоило съемочной группе допустить малейшую небрежность, как магия картины мгновенно бы рассеялась.
Но каждая незаметная склейка — их замаскировали поворотами, приближением и отдалением камеры — в «Бердмэне» безупречна, как и все остальное.
Виктория встречает четырех парней в берлинском ночном клубе и быстро с ними сближается. Гуляя по городу в новой компании, она выясняет, что ее новым знакомым нужно закрыть старый должок. Девушку просят побыть водителем для небольшого дела, и вскоре картина превращается в настоящий фильм-ограбление.
В ролях: Лайа Коста, Фредерик Лау
Режиссер осознавал, что задумка снять «Викторию» одним дублем слишком амбициозна и рискованна, поэтому сперва ленту снимали 10-минутными кусками на протяжении 10 дней: все для подстраховки. После этого у команды осталось достаточно бюджета на три цельных двухчасовых дубля — и с финальной попытки все получилось.
Сложность проекта обусловлена не только тем, что действие разворачивается на 22 локациях, а в кадре суммарно появляются 150 актеров из массовки.
Сценарий «Виктории» занимал всего 12 страниц, поэтому практически все диалоги в фильме — чистая импровизация. Наконец, съемки проходили с 4:30 до 7 утра, поэтому в кадре постоянно меняется естественное освещение.
Запечатление времени. Дубль в кино
Фильм состоит из отдельных эпизодов и сцен. А они в свою очередь состоят из отдельных кадров. И ни для кого не секрет, что каждый из таких кадров зачастую снимается с нескольких попыток, которые называют дублями. Однако многие не задумываются о некоторых особенностях работы над ними. В новой статье поговорим о том, что из себя представляет дубль в кино.
Андрей Тарковский в своей книге «Запечатленное время» говорил о том, что кино является уникальным искусством в силу того, что оперирует зафиксированным на кинопленку временем — ведь то, что засняла кинокамера, есть не что иное, как определенный фрагмент времени, произошедший непосредственно перед аппаратом. Продолжая мысль великого советского классика, можно сказать, что именно создавая, а затем разрезая и составляя эти куски времени, мы и складываем кинофильм. Съемка кусков времени называется кадром, а каждый кадр зачастую создается с одной или нескольких попыток — такую попытку кинематографисты именуют дублем. О том, что такое дубль в кино и предлагается поговорить в настоящем материале.
Начинающие режиссеры обычно представляют себе кинопроизводственный процесс в несколько упрощенном виде. В частности дубли кажутся им чисто механическим повторением одного и того же фрагмента сценария перед камерой, чтобы «всё получилось, как следует». То есть дубли призваны создать достаточно материала, чтобы в полной мере воплотить сценарий и исправить помарки, допущенные на съемочной площадке. В значительной степени это действительно так, но лишь указанной задачей дубль в кино не ограничивается.
Во-первых, дубли позволяют пробовать разные варианты одного и того же кадра. Например, при сохранении одинаковой композиции кадра, эмоциональное содержание и актерское существование могут быть различны. Легендарный Фрэнсис Форд Коппола признавался, что предпочитает никогда не делать два одинаковых дубля, а менять хотя бы незначительные детали, чтобы обрести большую свободу на этапе монтажа:
«Никогда не снимать одинаковые дубли – все время что-то менять, пробовать новые идеи, новые оттенки. Нет ничего печальнее, чем отсмотреть семь или восемь дублей и увидеть, что у них всех одни и те же недостатки в одних и тех же местах.»
из интервью Марку Романеку
Во-вторых, несколько дублей развязывают руки в монтаже за счет того, что на этапе сборки сцены или эпизода можно использовать наиболее успешные моменты разных дублей одновременно (об этом, кстати, начинающие часто не задумываются).
Скажем, в сцене диалога у нас есть дубли, где артист лучше провел первую часть беседы и дубли, где убедительнее и живее смотрится вторая половина. Разбивая эти дубли за счет фрагментов из кадра с другим актером или через деталь, мы получаем возможность собрать «идеальный» дубль из двух или трех. Кстати говоря, сюда же я отнес бы и применение так называемого «монтажного мусора» — того, что происходило с актером при включенной камере до начала отыгрывания куска и после команды «стоп». Нередко отрезки подобного монтажного мусора очень органично встраиваются в эпизод.
В-третьих, череда не слишком удачных дублей может дать понять, что сцену необходимо делать каким-то иным путем, сменить подход. То есть в данном случае дубль становится возможностью пробы пера.
То есть дубль в кино вполне может и должен стать полноценным творческим инструментом, которым не следует пренебрегать. Скажу даже больше: если дублей снято недостаточно (а некоторые и правда делают только один дубль), то на этапе монтажа создатели почти гарантированно попадают в чрезвычайно невыгодную ситуацию, будучи начисто лишенными выбора. Соответственно, придется брать единственный дубль вне зависимости от его качества. Стоит ли уточнять, что при таком подходе общее качество картины может получить довольно-таки серьезный и даже фатальный ущерб?
Пожалуй, на всякий случай придется озвучить и очевидную истину. Если у вас снято несколько дублей, и нет ни одного, который вы могли бы назвать удачным — сделайте всё, чтобы хотя бы один удачный дубль был в вашем распоряжении.
Вход, выход и мастер-план
Не всякий начинающий кинематографист догадывается о том, что во многих дублях требуется фиксировать не только само действие, диалог или объект, но также вход в этот процесс и, по возможности, выход.
Имеется в виду, что если герои в кадре садятся на скамейку, то хорошо было бы показать, как они в начале дубля входят и садятся на эту скамейку, а в самом конце встают с нее (если, конечно, это обусловлено сценарием, и съемка изначально не предполагает фиксации конкретного отдельного фрагмента).
Тот же принцип относится и к фазе движения при смене крупности съемки. Например, если герой закуривает на общем плане, а затем режиссер собирается показывать его курящим на крупном плане, то лучше всего начать снимать крупный план с момента закуривания, чтобы можно было комфортно смонтироваться на этапе сборке сцены.
К сожалению, лично мне приходилось сталкиваться в материале режиссеров, создающих свои первые фильмы, со своеобразным артефактом «телепортации». Каждое действие внутри сцены снимается отдельно, а движения не повторяются в разных кадрах, из-за чего получается, например, что в одном кадре герои гуляют по парку, а в другом уже сидят на скамейке. При этом нигде нет зафиксированного момента, как герои на эту самую скамейку садятся. В итоге смонтировать такой материал можно либо через перебивку (а весь фильм на перебивках не сделаешь — сразу вылезут фальшь и брак), либо с монтажным дрыжком (что тут же создает впечатление рваного повествования).
Часть указанных выше проблем может также решить так называемый мастер-план. Это дубль, на котором прогоняется вся сцена от начала до конца (или большая ее часть). Скажем, если речь идет о диалоге, то он снимается полностью, со всеми репликами и передвижениями персонажей в кадре. Если это какое-то динамическое действие, то оно также снимается от начала до конца.
Мастер-план нужен для того, чтобы сцена имелась у нас полностью хотя бы в нескольких кадрах, и мы могли использовать ее для монтажа максимально гибко.
Опять же, вынужден признать, что далеко не все снимают мастер-планы. А иногда на них попросту нет времени, потому что независимое кино существует в постоянном цейтноте — впрочем, это уже иной разговор.
В любом случае, при съемке всегда нужно помнить о фазах движения, и о том, что создание мастер-плана будет полезным.
Впрочем, есть и чисто производственные особенности при съемке дублей, которые кинематографисту неплохо было бы знать.
Мотор!
Наверное, для большинства людей съемочная площадка ассоциируется со знаменитой громкой командой «Мотор!» и щелканьем хлопушкой перед объективом. Как ни странно, она относится к запуску звукового оборудования, а не камеры, и в цифровую эпоху данной командой вообще обычно не пользуются. Но так или иначе, ряд команд перед непосредственной съемкой нужно давать.
Приготовились!
Данная команда нужна, чтобы вся съёмочная группа поняла, что сейчас начнется съёмка. Значит, все замолкают, бросают отвлеченные дела и занимают исходные позиции. Без «Приготовились!» сложно привлечь всеобщее внимание.
Звук!
Эта команда обращена к звукорежиссеру — после нее он должен включить звукозаписывающее оборудование (если вы вообще записываете звук на площадке). И если всё в порядке, ответить режиссеру «Есть!».
Камера!
Этим окликом режиссер дает оператору понять, что самое время включить камеру. Оператор включает запись и также должен возвестить об этом словом «Есть!».
Начали!
После, если есть хлопушка, то нужно использовать ее для того, чтобы суметь синхронизировать в дальнейшем аудио- и видеодорожки (однако в современном цифровом производстве хлопушки вполне может и не быть). Затем режиссер командует «Начали!» — это сигнал для всех, что настал тот самый момент, когда снимается непосредственно дубль.
Использование этих команд кто-то может назвать формализмом, однако их применение действительно позволяет эффективнее работать при съемке дублей.
Например, работа с командами «Начали!» и «Стоп!» позволяет создавать внутри дубля некоторые захлёсты — паузы до и после начала действия в кадре. Они оказываются чрезвычайно полезными при монтаже, ибо иногда для поддержания темпоритма остро не хватает свободного «воздуха», перерыва в действии.
Многие пренебрегают указанными выше командами или не желают использовать их в качестве творческого инструмента, в результате чего на этапе пост-продакшена вполне могут всплыть проблемы с темпоритмом. Так как нарастить паузу гораздо сложнее, чем отрезать ее. Тогда приходится обращаться к перебивкам, деталям или вообще ломать ритм повествования.
Стоит помнить, что и съемочная группа должна знать порядок действий при командах. Если оператор включает и выключает камеру, когда ему нравится, то последствия скажутся на снятом материале. Если звукорежиссер включил запись звука только посреди дубля, то создал очередную сложность для пост-продакшена. Если помощники не затихли от команды «Приготовились!», то такая неорганизованность будет отвлекать артистов, и они не смогут в полной мере отработать свою роль.
Потому режиссеру необходимо поддерживать дисциплину и субординацию в съемочном коллективе.
Конечно же, мы в настоящем материале прошлись только по верхам. Но полноценное понимание того, что такое дубль в кино, как его снимать и использовать приходит на практике. Поэтому многие нюансы кинематографист узнает непосредственно на своей площадке. Однако надеюсь, что наша статья сможет выполнить хотя бы роль памятки для тех, кто еще не набрался достаточного опыта.
Независимый режиссёр и сценарист. Мой профиль в социальных сетях ВКонтакте, Instagram и Patreon