что такое театр танца определение
Театр танца
Театр танца считается одним из направлений искусства, в котором мысли автора передаются зрителю с помощью танцевальной постановки и эмоций танцоров.
Хореографы этого направления искусства используют смешанные танцевальные стили.
История танцевальных представлений начинается в первой половине XX века. Удачная художественная постановка танца под лирическую музыку в сочетании с эффектными нарядами двух американских танцовщиц, положила начало развития этого вида искусства.
Однако основоположницей в таком направлении, как театр танца, все же является другая танцовщица из Америки – Айседора Дункан. Ее вдохновляла природа, танец в её исполнении трудно было причислить к определенному стилю. Движения Дункан были стихийным выражением чувств, она любила импровизировать и танцевать босиком.
Айседора Дункан в своих постановках обращалась к симфонической музыке и пропагандировала отказ от традиционных танцевальных костюмов.
С развитием направления, в постановках театров стали появляться курсы актерского мастерства, курсы искусствоведения и философии. Сольный танец заменялся групповыми номерами. Спектакли и декорации становились более масштабными, привлекая все больше внимания зрителей.
Данный тип танца реализует свою деятельность на основе двух следующих школ:
В процессе обучения в этих школах особое внимание уделяется эмоциональной составляющей танцоров.
При каждом театре находится танцевальная студия, оборудованная всем необходимым для тренировок танцоров.
Основное отличие театрализованных танцев от чистых танцев в том, что театрализованный танец – это история, которая может быть рассказана без слов. А это значит, что основной сюжет не доносится до зрителей речью. Способы диалогов со зрителем могут быть в движениях, жестах, взглядах, эмоциях.
Немаловажно то, что обучение танцам в таких театрах не заканчивается отработкой хореографии, растяжки и силовой нагрузки, оно позволяет научиться раскрывать перед зрителями свою историю.
В чем секрет успеха театра танца? Успех заключается в сочетании эмоций и ощущений, создании представлений благодаря грациозности и ритму, а также идеально отработанным техникам современного танца. Когда душа танцора чувствует роль, музыку, настроение, тогда в его сердце зажигается огонь. Он начинает создавать своего героя. При профессиональной подаче своего образа, танцор заставит зрителя поверить в происходящее на сцене.
Театр танца – это прекрасное направление в искусстве. Побывав однажды на таких представлениях, вы не останетесь равнодушными к подобному виду творчества.
Танцевальный театр
Немецкий исследователь современного театра Х.-Т. Леман относит его к понятию «постдраматический театр». Термин «танцтеатр» появился в середине 70-х годов и связан с творчеством Пины Бауш.
Особенностью этого направления в современном танце является соединение танца с режиссурой, актерской игрой, голосом, вокалом. То есть движение или танец становятся равноправными художественными средствами в синтезе с другими художественными приемами выражения замысла хореографа.
Связанные понятия
Традиционный японский танец (яп. 日本舞踊 нихон буё:) — группа разновидностей сценического танца, распространённых в Японии. Следует отметить, что в искусстве Японии не принято чёткое разделение на жанры. Танцы, театральное искусство, песни, литература, каллиграфия влияли друг на друга и развивались сообща.
Музыка́льный импрессиони́зм (фр. impressionnisme, от фр. impression — впечатление) — музыкальное направление, аналогичное импрессионизму в живописи и параллельное символизму в литературе, сложившееся во Франции в последнюю четверть XIX века — начале XX века, прежде всего в творчестве Эрика Сати, Клода Дебюсси и Мориса Равеля.
В отличие от прочих видов человеческой деятельности, танец нечасто оставлял четко идентифицируемые материальные свидетельства, способные просуществовать тысячелетия, подобно каменным орудиям, домашнему снаряжению или пещерной живописи. Невозможно точно определить период, когда танец стал частью культуры человеческого общества, однако несомненно, что ещё до появления древнейших цивилизаций он являлся важным элементом церемоний, ритуалов, празднований и увеселительных мероприятий. Существуют доисторические.
Театр танца как феномен хореографического искусства (на примере Севастопольского Академического театра танца имени Вадима Елизарова)
Рубрика: 14. Танец и хореография
Дата публикации: 25.03.2018
Статья просмотрена: 3996 раз
Библиографическое описание:
Илларионова, Е. С. Театр танца как феномен хореографического искусства (на примере Севастопольского Академического театра танца имени Вадима Елизарова) / Е. С. Илларионова. — Текст : непосредственный // Культурология и искусствоведение : материалы IV Междунар. науч. конф. (г. Казань, июнь 2018 г.). — Казань : Молодой ученый, 2018. — С. 41-45. — URL: https://moluch.ru/conf/artcult/archive/292/14030/ (дата обращения: 07.12.2021).
Ключевые слова: хореография, театр танца, хореографический спектакль, шоу, образ.
Актуальность. Существующие на сегодняшний день исследования констатируют наличие различных театров танца, но не дают чёткого определения этому явлению.
Цель. Раскрыть особенности театра танца как наивысшей формы хореографии на примере Севастопольского Академического театра танца имени В.Елизарова.
Выводы. Театр танца — уникальное явление в хореографии, так как соединяет в себе все признаки театра и танца.
Театр пластического танца Ольги Бавдилович, хореографа из Владивостока, возник в 80-х годах во время глубокого застоя. Вскоре он был переименован в театр камерного танца; в Новосибирске Наталья Фиксель создала Театр современного танца. Известен у нас в стране и за рубежом театр «Провинциальные танцы» (руководитель Татьяна Баганова). В своем творчестве театр синтезирует каноны различных европейских и американских танцевальных школ, сочетая хореографическое искусство, пластическое и драматическое. «Провинциальные танцы» — один из первых авангардных коллективов постперестроечной России, определивший такое понятие как современный танец. Особняком держится «Независимая труппа Аллы Сигаловой», которая в 90-е приобрела статус театра танца.
В Москве в начале 90-х возникают такие актуальные театральные проекты, как например, «Театр Сайра Бланш» Олега Сулименко и Андрея Андрианова; «Класс экспрессивной пластики», созданный Геннадием Абрамовым при Театре Анатолия Васильева, и чуть позже «Кинетический театр Саши Пепеляева». Сашей Пепеляевым было создано Московское объединение театров танца «ЦЕХ». Главная цель объединения — поддержка и развитие современного танца, театра танца — нового жанра для российского театрального искусства, жанра, который активно развивается с начала 90-х годов ХХ века. По мнению участников Объединения, театр начинался с танца и вновь к нему возвращается [там же]. Нужно отметить, что все вышеназванные театры танца основываются на лексике современного спортивного танца. В своих постановках используют и танец, и пантомиму, и другие средства выразительности для создания образа.
Что же такое театр танца? Ведь уже существуют некоторые нормы современных бальных танцев. А театр предполагает визуальное восприятие — не только танец, но и сюжет, образ героя, движущиеся объекты, меняющиеся декорации, костюмы [13]. И в танце должно обязательно присутствовать действие — как аналог текста в драме. В настоящее время не существует чёткого определения такого понятия как театр танца. В нашей статье мы рассмотрим суть такой формы хореографии как театр танца на примере Севастопольского Академического театра танца имени В.Елизарова.
В современном хореографическом искусстве Севастопольский Академический театр танца имени Вадима Альбертовича Елизарова занимает важное место. Этот театр является одним из немногих в мире хореографическим театром, творчество которого основано на лексике бального танца.
История Севастопольского Академического театра танца в полной мере отражает историю становления и развития бальных танцев в Советском Союзе и России. Севастопольский театр танца был основан 17 декабря 1999 года на базе Севастопольского танцевального клуба «Виктория» [7,18]. Основателем и творческим вдохновителем Севастопольского театра танца является Вадим Альбертович Елизаров. В 2009 году Севастопольскому театру танца приказом Министра культуры и туризма Украины было присвоено звание «Академический» [14]. В 2013 году в рамках Международного турнира «Танцевальные истории» в Москве Вадим Альбертович был отмечен дипломом «Легенды бального танца». В 2014 году профессор кафедры хореографии Крымского университета культуры, искусств и туризма, лауреат государственной премии АРК, заслуженный деятель искусств АРК, заслуженный работник культуры Украины, народный артист Украины Вадим Альбертович Елизаров возглавил Крымское отделение Российского танцевального союза (РТС). Город-герой Севастополь отметил его заслуги званием «Кавалер почётного знака «За заслуги перед городом», званием лауреата конкурса «Общественное признание» [4].
В 2017 году Постановлением Правительства города Севастополя Государственному автономному учреждению культуры «Севастопольский Академический театр танца» присвоено имя Вадима Елизарова [18].
На сегодняшний день труппа Севастопольского театра танца составляет 50 артистов, в числе которых 8 заслуженных артистов Украины и 8 заслуженных артистов Автономной Республики Крым. Основу коллектива составляют танцоры, воспитанные здесь же в театре, в школе танца. Боровский А. Р. на конференции «Искусство танца в диалоге культур и традиций» в 2015 году отметил, что интерес у детей к танцам падает: «Количество детей, приходящих в танцевально-спортивные клубы уменьшилось. Из 20–30 детей через год-два остаются единицы» [2, с.60]. Но в Севастопольском театре танца мы видим другую картину. Студии театра танца востребованы. Дети занимаются по интересам в студиях бального танца, спортивного, восточного, модерна, этнического танца. После школы танца подростки поступают в танцевальный клуб «Виктория» (при театре танца). То есть Севастопольский театр танца, обеспечивая непрерывное поступательное хореографическое образование на месте, воспитывает будущих танцоров. После 2016 года в коллектив пришло немало артистов из городов России — Москвы, Поволжья, Сибири, Дальнего Востока, а также из Украины (из Луганской и Донецкой областей). Ведущая пара танцоров Александр Елизаров и Наталья Иванова — трехкратные чемпионы Украины по десяти танцам, чемпионы России среди профессионалов, обладатели «Кубка мира», заслуженные артисты Украины. Вадим Альбертович Елизаров был талантливым педагогом. Многие его ученики связали свою жизнь с танцем. Он часто говорил танцорам: «Вы можете оступиться на сцене, и зритель вас простит, но никогда не простит равнодушия…» [4].
Севастопольский Театр танца имеет свой репертуар, состоящий из хореографических спектаклей и танцевальных шоу, основанных на бальных и современных танцах.
Коллектив театра совершил переворот в бальной хореографии, сохранив высокие требования к исполнению бального танца, расширил рамки самовыражения и предложил зрителю целостный спектакль. Как и в драматическом театре, в театре танца хореографический спектакль создаётся на основе драматического или музыкального произведения в соответствии с замыслом режиссёра и под его руководством совместными усилиями хореографа, актёров, художника, костюмера. С точки зрения драматургии танца исполнительское мастерство в хореографическом искусстве аналогично исполнительскому мастерству в актерском искусстве. В актерском искусстве исполнитель- актер, а воплощаемый художественный образ — роль. «Художественный образ — это способ и форма освоения действительности в искусстве, характеризующаяся нераздельным единством чувственных и смысловых моментов. Это конкретная и вместе с тем обобщенная картина жизни, созданная при помощи творческой фантазии художника и в свете его эстетического идеала» [10].
«Образ хореографический — целостное выражение в танце чувства и мысли, человеческого характера. Образный танец содержателен, эмоционален, наполнен внутренним смыслом» [1, с. 379]. Основная задача исполнителей в бальном танце — передать особенности роли посредством хореографии. Родственные особенности хореографического и театрального искусств дают возможность создавать произведения средствами театрального искусства в любом виде хореографии. В современном бальном танце таким критерием является перевоплощение.
Пластика — один из аспектов перевоплощения актера. Вместе с хореографией пластика важнейшая часть процесса воплощения роли. Наряду с пластикой существуют еще некоторые аспекты перевоплощения исполнителя. К таким аспектам относятся процесс переживания, взаимодействие с партнером, создание внешнего образа средствами выразительности, такими как грим, мимика, костюм.
На сегодняшний день в репертуаре театра имеется ряд известных широкой публике хореографических работ, в основу которых положены популярные сюжеты мировой литературы и драматургии, а также использованы лучшие образцы мировой музыки: «Кармен», «Notre Dame de Рaris», «Пигмалион», «Аргентинское танго», «Избранное», «История любви», «Кабаре-экспресс», «Фантастика», «Имя ей Роза»; детские спектакли — «Снежная королева», «Щелкунчик», «Бременские музыканты», «Буратино», «Гарри Поттер», «Маша и Медведь», «Али баба и сорок разбойников».
В постановках Театра танца используются все виды хореографии — классической, современной, народной. Бальный танец, как и любой вид искусства, имеет массу своих правил, особенностей и канонов. В нем четко обозначено, что можно и нельзя. В своих хореографических спектаклях и шоу Севастопольский театр танца полностью отошёл от установленных правил. Вадим Альбертович Елизаров всегда говорил: «Определяющим в хореографии является музыка, и музыка вдохновляет» [12]. Например, в хореографическом спектакле «Кармен» звучит и страстное фламенко и безудержная латина. В постановке этого хореографического спектакля 3 раза используется «болеро», как лейтмотив художественного образа Кармен.
Классика всегда была и остаётся для режиссёров и постановщиков неисчерпаемым источником вдохновения. Спектакль «Notre Dame de Рaris» («Горбун из Нотр-Дама»), премьера которого состоялась в декабре 2002 года, стал бесспорным успехом Севастопольского театра танца, его визитной карточкой.
В своей постановке спектакля В. А. Елизаров не отходил от литературной канвы Виктора Гюго, а музыка Ричарда Коччианте только подчеркнула нестандартность сценических решений. В этом хореографическом спектакле артисты танцем выражают всю сложность человеческих отношений и переживаний.
Чтобы углубить драматургию спектакля, В.Елизаров ввел образ собора Нотр-Дам. Для этого была изготовлена двухуровневая декорация, которая олицетворяет Собор.
Одним из действующих героев хореографического спектакля «Notre Dame de Рaris» является народ. В данной трактовке образов В.Елизаров как бы раздвинул границы бального танца. В первой сцене спектакля — «Дворе чудес» — притоне парижского дна, хореограф при помощи современных танцев разработал в мельчайших деталях яркие жанровые картины: акробаты, жонглеры, цыгане, странствующие искатели наживы, бродяги. В спектакле используется разные жанры хореографии: бальный танец, хип-хоп, пантомима. Танец Эсмеральды вносит необходимое разнообразие в хореографию спектакля. Ее танец — это живой рассказ о ее любви, о ее страданиях. Практически в каждой сцене этого спектакля виден синтез бальной, классической и современной хореографии, что значительно помогает раскрытию всех образов главных героев и участников действа.
Постановка спектакля «Notre Dame de Рaris» для театра является значимой, поскольку знаменует собой новый творческий этап. Во-первых, это первый декорированный спектакль в Севастопольском театре танца; во-вторых, впервые сюда приглашён для работы профессиональный художник; в-третьих, впервые действие спектакля осуществляется одновременно на двух сценических уровнях. Исполнение на двух уровнях — интересное сценическое решение, которое усиливает драматические моменты спектакля. В спектакле мастерски использовано освещение сцены.
Классические постановки хореографических спектаклей «Notre Dame de Рaris», «Кармен» и сегодня идут с большим успехом на сцене Севастопольского Академического театра танца.
С 2003 года на сцене Севастопольского театра танца с успехом идёт хореографический спектакль «Пигмалион». В основе спектакля пьеса Бернарда Шоу «Пигмалион» (легенда о Пигмалионе и Галатее [44, II, c.312]). В.Елизаров при помощи разных стилей и направлений хореографии предлагает новое прочтение этого сюжета — действие сюжета он переносит в бальную среду. У Елизарова мистер Хиггинс — учитель бального танца, а Элиза — представительница одного из направлений современного танца — хип-хопа, стиля жизни большинства молодых людей нашего времени [11].
Действие «Пигмалиона» в постановке Севастопольского театра танца происходит в начале XXI века, сегодня, рядом с нами. Фабула спектакля очень проста. Два джентльмена — мистер Хиггинс и мистер Пикеринг заключают пари о том, что уличную танцовщицу хип-хопа можно переучить на танцовщицу бального танца. В хореографической постановке театра в чудесном превращении Элизы в образованную леди огромную роль играет музыка, которая является действующим лицом спектакля. Музыка ярко отражает противоположность двух мировоззрений: вечного противоборства классики и модерна. На одной сцене театра встречаются и танцоры бальных танцев, и танцоры хип-хопа.
Эффект присутствия и причастности зрителя к действию создает сама сцена театра танца, которая, подобно античной, не отделена от зала привычной рампой. В качестве декораций к «Пигмалиону» были использованы поворотные картины, которые по сюжету спектакля и действию изображали или светский бал, или трущобы.
Хореографический спектакль «Пигмалион» получил две номинации на конкурсе Высшей театральной Премии Крыма «Золотой грифон», который проходил в марте 2016 года: «Лучшее музыкальное решение» и «Лучшая хореография, пластика, пантомима», удостоен премии Верховного Совета Республики Крым [18].
Танцевальное шоу «Избранное» собрало лучшие номера, которые вошли в золотой фонд Севастопольского театра танца. В шоу вошёл и номер «Испания». Формейшн «Испания» состоит из трех частей. Всего в номере принимают участие 10 пар, плюс одна пара сольная. Отличительная черта «формейшн» в театре танца — это высокая скорость, быстро меняющиеся темпы исполнения. В шоу «Избранное» входит и юмористический номер «Ретро», состоящий из четырёх частей, в котором зрителю с юмором показаны картинки развития спортивных танцев 20–60-х годов прошлого столетия. Сочетание несочетаемого в этом номере, смешение стилей исполнения, игра артистов создают комический эффект и вызывают улыбку зрителей.
В 2012 году состоялась премьера шоу «Broadway». Шоу построено на основе знаменитых мировых мюзиклов, среди которых «Чикаго», «Ромео и Джульетта», «Вестсайдская история», «Красавица и чудовище», «Копакабана» и другие. Отдельная музыкальная тема театра — образы таких легендарных личностей мировой музыки, как Френк Синатра, Уитни Хьюстон, Майкл Джексон. Шоу очень яркое, с постоянной сменой музыкальных ритмов, неожиданных танцевальных образов и ярких, эффектных костюмов.
Все, что показывает театр танца, потрясающе ярко, профессионально, захватывающе красиво. Как отметил Борис Эскин, член Союза писателей Израиля: «На сегодняшний день в мире профессионального танца умопомрачительная техника уже никого не может удивить. Тут, как в спорте, планка настолько высоко поднялась, что выделить из общего ряда достойных могут лишь особые качества: постоянная и магнетическая творческая заряженность, оригинальность мышления, безграничная отдача каждого члена коллектива и аура искреннего дружества внутри него. Профессиональный театр, работающий на стыке искусства и спорта, — явление особое. От спорта у Елизарова желание побеждать в каждом концерте, в каждом спектакле. От искусства — кураж и вдохновение» [15].
Таким образом, мы отмечаем, что сегодня бальный танец превратился в самодостаточное искусство, черпающее резервы из многих видов хореографии. Создаются новые формы хореографического искусства, среди которых театр танца выступает как наивысшая форма развития хореографии. Соединение формы театра и бальной хореографии — это уникальное явление. Таким ярким примером является Севастопольский Академический театр танца имени В.Елизарова. В своих спектаклях артисты театра танца виртуозно собирают и ярко демонстрируют все направления, существующие в хореографии: классическую бальную хореографию, народную, современные и этнические танцы, элементы классического балета. В репертуаре Севастопольского театра танца яркие танцевальные шоу, большие концертные программы, хореографические спектакли.
Грани Танца
Танцевальный блог
Что такое театр танца?
Танец, как и любое искусство, находится в постоянном движении и благодаря этому постоянно меняется, развивая свои формы и обретая новые черты. Современные хореографы — люди искусства и постоянно находятся в поиске такого формата, который мог бы максимально точно отобразить внутренний смысл, сюжет и многослойность постановки. Все чаще постановщики прибегают к форме театр-танца, которая позволяет не только продемонстрировать уровень технической базы, богатство танцевальной лексики, но и полностью раскрыть сюжетную составляющую, показать внутренний мир персонажей, явить зрителю целостный танцевальный спектакль.
Театр танца дает полную свободу выражения. Автор прибегает к целому ряду театральных приемов! Костюмы, свет, декорации, живой вокал, монологи и диалоги актеров — все это встречается на одной сцене и становится возможным вкупе с балетмейстерской задумкой. Театр танца — это настоящий рог изобилия для театральных и танцевальных возможностей. Но все же, над всем этим разнообразием стоит Его Величество Танец. И он на первом месте! Танец — фундамент этого жанра, именно вокруг балетмейстерской работы закручивается все действие на сцене.
Очень любопытно и даже странно, что танец и театр когда-то расстались. Во времена античности они были единым целым. И театр, и танец олицетворяли собой язык для воплощения всевозможных картин и сюжетов. Со временем каждый из этих языков развивался и совершенствовался, приобретал свои черты и правила, в итоге они взаимодействовали лишь косвенно. Однако, в театре танца они снова сливаются воедино, создавая множество возможностей и необычайных форм.
В театре танца очень важен, выбор текста — выбор материала для постановки. Как правило, используется пьеса со своим оригинальным сюжетом, зачастую написанная самим постановщиком. Даже если тематика абстрактна, в ней все равно есть персонажи и узловые моменты, на которых держится смысловая нагрузка. Именно из тематики, из сюжетных линий и характеров прорисовывается хореографическая лексика. Хореограф должен очень хорошо чувствовать как движения будут выражать, предъявлять героя зрителю. Ведь должно быть понятно без слов за кадром, какой характер у этого персонажа, какая история, какие у него цели.
Когда, искушенный постановщик переходит от языка пьесы в пространство движения, он попадает в очень открытую и «вкусную» для него локацию. Его режиссерский взгляд просто следует за собственным телом, но все-таки привязан к тексту, к своей ключевой идее. Это похоже на то, что ты оказался в огромном широком поле, но при этом точно знаешь, в какую сторону собираешься идти.
Конечно, театр танца остается сложным термином. Когда в театрах актеры используют танцы или танцевальные движения они не называют свои спектакли «театральным танцем». В данном случае танец актеров — это просто выбор формы для режиссера. Когда же речь идет о театре танца, то здесь постановщик использует язык танца как основной, главный язык своего текста и уже во вторую очередь все остальные способы и формы выражения. Не удивительно, что современные тенденции ведут к такой популяризации этого жанра. Зрителю очень импонирует такое логичное воссоединение театра переживания и театра представления. Соединение прекрасной отточенной формы и глубокого содержания. Разве это не является той самой гармонией, к которой стремиться любое искусство?
Балет
Содержание
История
Зарождение балета
В начале как объединённая единым действием или настроением танцевальная сценка, эпизод в музыкальном представлении, опере. Заимствованный из Италии, во Франции расцветает придворный балет как пышное торжественное зрелище. Началом балетной эпохи во Франции и во всем мире следует считать 15 октября 1581 года. Первый балет назывался «Комедийный балет королевы» (или «Церцея»), поставленный итальянцем Бальтазарини. Музыкальную основу первых балетов составляли народные и придворные танцы, входившие в старинную сюиту. Во второй половине XVII века появляются новые театральные жанры, такие как комедия-балет, опера-балет, в которых значительное место отводится балетной музыке, и делаются попытки её драматизировать. Но самостоятельным видом сценического искусства балет становится только во второй половине XVIII века благодаря реформам, осуществлённым французским балетмейстером Жан Жоржем Новером. Основываясь на эстетике французских просветителей, он создал спектакли, в которых содержание раскрывается в драматически выразительных образах.
Дальнейшее развитие балета
Русский балет
В России первый балетный спектакль состоялся 8 февраля 1673 г. при дворе царя Алексея Михайловича в подмосковном селе Преображенское. Национальное своеобразие русского балета начало формироваться в начале XIX века благодаря деятельности французского балетмейстера Шарля-Луи Дидло. Дидло усиливает роль кордебалета, связь танца и пантомимы, утверждает приоритет женского танца. Настоящий переворот в балетной музыке произвёл Пётр Ильич Чайковский, который внёс в неё непрерывное симфоническое развитие, глубокое образное содержание, драматическую выразительность. Музыка его балетов «Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Щелкунчик» обрела наряду с симфонической возможность раскрывать внутреннее течение действия, воплощать характеры героев в их взаимодействии, развитии, борьбе. Начало XX века ознаменовалось новаторскими поисками, стремлением преодолеть стереотипы, условности академического балета XIX века.
Танец модерн
Танец модерн — направление в танцевальном искусстве, появившееся в начале XX века как результат ухода от строгих норм балета, в пользу творческой свободы хореографов.
От балета отталкивался свободный танец, создателей которого интересовала не столько новая техника танца или хореография, сколько танец как особая философия, способная изменить жизнь. Это возникшее в начале XX века движение (родоначальницей пластического балета считается Айседора Дункан) служило истоком многих направлений современного танца и дало импульс реформе самого балета.
Терминология
Балетная лексика и названия балетных pas пишутся на французском языке, в старинном балете термины отражали какой-либо образ, например: движение кошки (фр. pas de chat ), рыбки (фр. pas de poisson ), ножниц (фр. pas de ciseaux ) и другие.
Некоторые термины на слух, и используются в других областях, так как имеют общий корень, например, движение фуэте (фр. fouetté ) с общим словом «взбитые», во французской кулинарии означает «взбитые сливки» (фр. crème fouettée )
Балет как искусство
В своей эволюции балет всё больше приближается к спорту, теряя по дороге драматургическое значение роли, порой опережает в технике, но отстаёт в содержании.
В комплексном обучении профессионала — артиста необходимо знание музыкальной культуры, истории, литературы и сценарной драматургии. В то же время с семи лет дети проходят гимнастическую подготовку, потому как балеты прошлого, сохранившиеся до наших дней, технически усовершенствовались, а балет модерн на классической основе, например балет Форсайта, требует серьёзной физической подготовки, так балерина Сильви Гиллем начинала свой творческий путь именно с гимнастики.
Старинные балеты имели возвышенную эстетику, иногда ставились на античные сюжеты, например постановка Шарля Дидло «Зефир и Флора»
В XVIII — XIX веках артист мог быть одновременно актёром и танцовщиком, так как особого развития физических возможностей не требовалось.
«Музыкально ожившие» картины родились из серии «заграничных» рисунков Виктора Гартмана, увиденных в 1874 году на выставке Модестом Мусоргским, который в память о друге написал для фортепиано знаменитую сюиту — серию музыкальных картин — «Картинки с выставки», изданную в 1886 году, в редакции Н. А. Римского-Корсакова и многократно оркестрованную.
Известный балетный номер «Баба Яга», поставленный Леонидом Якобсоном [5] на оркестрованный музыкальный номер М. П. Мусоргского, стал неотъемлемым эстетическим нюансом всех концертных программ.
Таким образом, живопись ожила сначала музыкально, затем пластически.