что такое спидпейнт в рисовании
Спидпейнт, как упражнение для концепт-художника
После прохождения курса Intro Скетчинг мне стала интересна тема спидпейнта, ведь это возможность сразу делать интересные работы за короткий срок, попутно набивая руку. И кстати пришёлся стрим по этой теме от самого автора курса “Скетчинг” Егора Гришина. Это выжимка из стрима, но кто найдёт время, советую его посмотреть (ссылка).
Начнём с немного ответвлённой темы: что важно для обучения? Постановка цели и путь к ней, дабы мы не сбились и достигли желаемого результата. Спидпейнт хорош тем, что вы сразу намечаете цель и срок исполнения, которые могут быть самыми разными. Зарисовка за 3 минуты и арт за сутки — всё это может называться спидпейнтом. Мы рассмотрим, как сделать готовый скетч за 30 минут. Польза в том, что это даёт возможность отработать максимально эффективный пайплайн за небольшое время и при многократном повторении, оттачивая его, повышается скорость работы и её качество.
Пример того, что можно сделать, прибегая к нижеописанному пайплайну. На эти три работы в сумме ушло 90 минут.
Всё начинается с такого усредненного силуэта, который и не пятно, и не лайн. Какая-то каша, но важно, что в ней можно чётко разобрать основные массы, силуэт, пропорции и ракурс. Эта часть рисуется очень быстро, буквально за несколько минут.
На этом этапе берётся лайн поменьше и выражаются основные детали, наносится 80% информации, которую мы хотим донести до зрителя, и скетч становится понятным. С него можно считать некоторую информацию. Видно, что это транспортное средство, у него есть колёса, кабина, увешанный деталями двигатель и что-то вроде подъёмного крана сзади.
Просто для демонстрации идеи этот скетч уже годится, но дабы сделать его более репрезентативным и интересным для зрителя, мы переходим к следующим этапам. На этот этап уходит немного времени.
Делаем конкретизацию лайна, подчёркивая, уточняя и дополняя скетч деталями. Этот этап привносит не так много новой информации, он конкретизирует то, что уже есть. Занимает он 30-40% времени спидпейнта.
На этом этапе есть необходимость уточнить силуэт. Широкими мазками затенив силуэт, берём ластик и проходим им по периметру и контурам отдельных зон, дабы отделить ближние элементы от дальних. Получается более выраженный и приятный глазу скетч, который выглядит гармонично.
В финале, выявляем акценты светлым лайном с небольшой зернистостью, благодаря ней мы получаем текстурность. Прорабатываем не всё, а только участки наиболее близкие к зрителю, где хотим сфокусировать внимание, проявляем центр композиции. В итоге придаём более завершённый вид работе.
На каждый этап должно уходить примерно столько времени. Если же не придерживаться каких-либо временных рамок, то процесс может растянуться до бесконечности. Здесь важно изначально понимать, какая у вас цель: сделать одну интересную работу или мозговой штурм из 5-6 таких работ. Отдаём себе отчёт, какую цель мы преследуем и не отклоняемся от неё, ибо легко начать лениться и отвлекаться, забросив скетч на полпути.
По ходу спидпейнта прокачивается множество навыков. Начинает лучше работать пространственное мышление, ведь нужно определять на каком расстоянии находятся объекты, какая у них геометрия, какой ракурс, а это уже работа с перспективой. Развивается умение выстраивать пайплайн от общего к частному, доводить работу до завершенного вида всего за 30 минут и заканчивать её в срок. Это придаёт интереса и мотивации. Повторяя тот же пайплайн, ты получаешь всё более качественные результаты, совершенствуешься, видишь это и появляется желание продолжать. А раз от раза повышается скорость работы, вместе с ней и выразительность, ведь нет времени выводить каждую линию, они получаются более грубыми, живыми и фактурными.
1. Изначально работай по порядку с большими, средними и малыми массами.
Арт только из крупных или только из малых масс будет выглядеть не очень. Двигаясь от общего к частному ты правильно выстроишь композицию и смотреться она будет куда лучше.
2. Идеальная геометрия не нужна.
Это бич начинающих художников, которые только научились выстраивать фигуры и стараются делать это везде. А суть в том, что далеко не везде это нужно, не стоит зацикливаться на правильной геометрии настолько, что весь творческий процесс отходит на задний план, ведь так вы теряете всё удовольствие от творческой работы.
При всём этом, правильная геометрия выглядит более скучно. Первое колесо безлико, а второе уже будто наполнено историей, а что важно, оно ещё и рисуется гораздо быстрее.
3. На каждом последующем этапе сужайте рабочую площадь.
Ещё раз взгляните на скетчи, с каждым этапом область детализации сужается, передвигается ближе к зрителю. На втором этапе почти не затронута задняя часть и правое колесо, всё внимание достаётся кабине и двигателю. На третьем этапе всё сводится к детализации. А затем на пятом прорабатываются только ближайшие к зрителю акценты.
Что это даёт? На контрасте с прорисованными, нетронутые участки уходят в глубину, а это создаёт воздушную перспективу, ощущение пространства, что очень важно для 2D арта. Плюс ещё в том, что вся кривизна постепенно выравнивается, ведь на каждом последующем этапе оттачиваются контуры каждого объекта и остаются только самые важные элементы.
4. Простейший рендер
Верх делаем светлее, низ темнее, затем добавляем падающие тени, придающие глубину, а в конце акценты и выражаем силуэт.
5. Каждый последующий этап используем более мелкую и контрастную кисть.
Вот скетч выполненный за 2 сессии по 30 минут, но что если хочется продолжить и довести его до конца? Разбиваем работу на части и работаем по 30 минут над каждой, прорисовывая детали и придавая ей завершённый вид.
В итоге получаем такой результат:
Этот подход позволяет делать детализированные завершённые арты. Так работать куда удобней, вы соблюдаете определённый ритм и дисциплину. Разбив работу на части, можно и нужно делать перерывы для разминки тела и глаз. Хоть сперва это может показаться не важным, но при постоянной работе сами поймёте, что о здоровье суставов и вашего зрения стоит позаботиться.
Вот и добрались до ключевого вопроса. Для начала естественно нужно взять что-то за основу. У начинающих художников насмотренность обычно небольшая и требует внимания. На этом этапе срисовывать — это не обязательно плохо, даже хорошо, но важно то, как вы это делаете. Не просто срисовывайте, а раскладывайте объект на формы. В этом и есть одна из основных задач художника: любой объект представлять в примитивах. Разложив объект на примитивы, есть возможность ими оперировать, делать их больше, шире, меньше, дальше, уже и так далее, дабы получить новые сочетания. Также, применяйте пластику, будто какая-то сила выгибает формы в ту или иную сторону. И не забывайте, что в 2D проекции всё выглядит по одному, а в 3D это может выглядеть как 3 разных варианта и снова таки, есть простор для фантазии. Напрактиковавшись, всё это можно проделывать в голове, сразу приступая к первому этапу вышеописанного пайплайна.
Ещё на стриме Егор нарисовал спидпейнт по одному из набросков с этой картинки.
Я веду блог в Telegram (ссылка), пишу о том, как обучаюсь ремеслу CG художника и стремлюсь попасть в GameDev. Подписывайтесь, буду рад каждому новому читателю.
Speedpaint: ускоренный процесс рисования
Cпасибо всем за фидбек, теперь у меня есть возможность отправлять видосы. Ура.
Итак, первый спидпейнт пошел
И, да, небольшое сообщение тем, кто предложил сделать заготовку/слои для последующего создания лайтбокса в прошлой работе (http://pikabu.ru/story/chernaya_dubrava_risunok__yetapyi_soz. ).
Она готова, завтра выложу для всех желающих результат.
а в какой проге обрабатывалось и ускорялось видео, не подскажите?
Вопросы подъехали, разрешите:
2. Сколько стоил планшет?
3. Как долго и на кого обучались?
4. Долго учились рисовать?
5. Отдельно, долго учились фш?
6. Сможете воспроизвести хотя бы часть рисунка обычным карандашом? (вообще навык владения обычным карандашом) Или только в фш?
7. Зарабатываете на жизнь этим или это хобби?
Чем рисуете? Графический планшет или мышкой?
Скажите, пожалуйста, как вы записывали спидпейнт?
Наперегонки с ветром
Три бродяжки
Автор Paolo Domeniconi
The Silence
Добрый день, фотографы и сочувствующие им. Снова в кадре Алтай. На этот раз съемка велась дроном. DJI Mavic 2 pro.
Дрон давно уже стал must have многих фотографов дикой природы. Безграничная свобода выбора сюжетов. А что вы снимаете на дрон? Фото, или видео? Все ли устраивает? В следующий раз, я попробую показать вам видео c дрона, собранное в красивый ролик. Всем хорошей пятницы
На берегу заполярной реки
Мурманская область, река Колвица.
Гардероб
Лисичка
Затанна
Автор: Krystopher Decker
Лесные истории
А ещё смастерила в мастерской камин! И такая красивая композиция получилась 😌
камин вышел просто пушка 🙂 но пока делала прокляла все на свете))
Ну и в целом моя мастерская напоминает психоз подростка)) ну и ладно, ещё не достигнут предел, пара крутых идей ещё в голове)
Спасибо за просмотр)
СЕДОЙ СЕНТЯБРЬ
Из Аргентины, в моем предыдущем посте, предлагаю перенестись на наш чудесный Алтай и посмотреть на состояние природы в урочище Ештыколь. Именно свет и состояние природы передает в кадре запах морозного утра и шуршание инея под ногами. Было минус 12)
Афина Паллада
Стильная барышня
Первый день зимы
Паймон
Я конечно не Альбедо, но.
Лампа
Интервью: Андрей Рябовичев, концепт-художник фильмов «Гарри Поттер», «Аладдин» и «Прометей». Часть 1
«Если вы хороший специалист — вас легко возьмут в любую студию, включая Disney».
Андрей Рябовичев — концепт-художник, работающий с крупными киностудиями вроде Disney, Fox, Netflix, Universal, Warner Brothers, Legendary Pictures и др. Среди его проектов — блокбастеры «Прометей», «Годзилла», «Грань будущего», «Гарри Поттер и Дары Смерти», «Аладдин», «Большой и добрый великан» и другие.
За плечами Андрея тридцать лет рисования концепт-артов, сторибордов, анимации и дизайнов костюмов. Мы поговорили с Андреем и узнали о специфике работы в киноиндустрии, трудностях переезда в другую страну, пайплайне студийного художника и многом другом. Также он рассказал о своём творческом пути и поделился советами для начинающих.
Привет, Андрей. Представься и вкратце расскажи о себе читателям. Где, когда и над чем ты уже успел поработать?
Всем привет. Зовут меня Андрей Рябовичев. Я — концепт-художник и иллюстратор. В последнее время работаю в основном в киноиндустрии. Карьера моя началась в 1991 году. Именно тогда я состоялся как профессиональный художник. До этого учился в университете.
Моя карьера художника началась с анимации, и поначалу я работал черновым фазовщиком — создавал промежуточные фазы движений персонажей между компоновками, нарисованными аниматором. Сейчас этой специальности уже не встретишь. Технологии быстро меняются.
Потом я стал чистовым фазовщиком-прорисовыщиком, а ещё позже — главным прорисовщиком. Потом работал компоновщиком (рисовал компоновки для аниматоров), а позже стал постановщиком. Был даже небольшой режиссёрский опыт на рекламных роликах.
Персональная работа под названием Soviet Sci-Fi
Первый мультфильм, над которым я работал, мы делали для телевизионного канала Disney. Проект назывался «Дикие лебеди». Интересной деталью было то, что одну из ролей озвучивала Сигурни Уивер, звезда франшизы про «Чужих». После этого был целый ряд анимационных проектов, клипы и прочее. Одной из примечательных работ того периода был «Князь Владимир». После него был «Ролли и Эльф: Невероятные приключения» и ещё несколько мультфильмов. Все проекты можно увидеть на моей страничке IMDB.
Где-то 12 лет назад, году в 2009-ом, я уехал в Англию и стал гражданином Великобритании. Сейчас живу и работаю непосредственно там. По приезде сначала работал на рекламах, а затем попал в VFX-компанию MPC (Moving Picture Company). Первой моей работой в MPC был фильм «Человек-волк», где я рисовал концепты для трансформаций оборотней.
Там проработал примерно 3-4 года. Потом стал фрилансером, сотрудничал с VFX-студиями ILM [Industrial Light & Magic — компания, работавшая над спецэффектами для саги «Звёздные войны» и кино-комиксов Marvel] и Framestore, а позже перешёл работать непосредственно с продакшном (там где сидит режиссёр, продюсер и вся остальная туса), на таких студиях, как Pinewood, Longcross, Shepperton, Leavesden и другие.
Концепт-арт Минотавра для фильма «Гнев Титанов»
Обычно через крупные VFX-компании проходит очень много проектов, поэтому за 3-4 года работы в студиях я успел потрудиться над большим количеством тайтлов, вроде «Гарри Поттера», «Гнева Титанов», «Людей Икс» и других. Лично мне больше всего нравятся «Большой и добрый великан», «Алладин» и «Медвежонок Паддингтон». Это помогло собрать хорошее портфолио и заработать репутацию профессионального художника.
Работать было интересно над каждым из проектов, везде была своя особая специфика.
Концепт-арт Хэйвока для фильма «Люди Икс: Первый класс»
Ещё хотел бы добавить, что мне повезло. Я могу адаптироваться под разные задачи. Я работал и с продакшен-дизайнером, и с VFX-супервайзером, и с дизайнерами по костюмам, и с режиссёром, и напрямую с продюсерами. Иногда рисую кей-арт для арт-департаментов и занимаюсь дизайном существ. Мне посчастливилось работать над разными созданиями для «Артемиса Фаула» и «Гнева Титанов».
Когда ты решил стать художником? Это была давняя мечта или минутный порыв? Где и сколько учился?
С самого детства я очень любил рисовать. Начал ещё в детском саду, когда мои родители заметили, что я рисую, и стали об этом говорить. Рисовал я тогда просто, без излишеств. Однако, только в конце школы я подумал, что может быть стану художником или музыкантом. Мать у меня спросила кем я хочу стать, и я чётко ответил, что художником. До сих пор помню её удивлённое лицо, будто я хотел чего-то нереального.
Моё творческое образование — детская художественная школа. Я пошёл туда в 6 лет и закончил в 10. Никто меня там серьёзно не воспринимал, я тогда был очень мал. Я скорее художник-самоучка, но верю, что именно в художественной школе получил некий толчок, который раскрыл меня как художника.
Иллюстрация к авторскому проекту The Hunter
Второй мощный толчок произошёл в армии, когда я был нештатным художником и рисовал много всего, вплоть до плакатов с пропагандой. Помню, как нарисовал портрет Гагарина. Я рисовал его маслом на холсте в технике алла прима и буквально за два часа сделал работу. Я не был специалистом в живописи, тем более в масляной, а тут у меня раз, и получился хороший портрет. Иногда бывает такое чувство, будто рука Бога ведёт тебя, а ты просто выдаёшь работу.
Портрет Гагарина повесили в армейском музее. Мимо шёл начальник части и такой: «О!», прямо как волк из мультфильма «Ну, погоди!». Потом спросил, кто рисовал и когда узнал — объявил мне отпуск.
Работа из цикла The Last Superhero
Работать художником я стал после армии, где-то в конце института. Мне тогда нужно было найти работу, и знакомый посоветовал устроиться в анимационную студию «Классика». Он знал, что я рисую, и предложил принести портфолио, чтобы руководство посмотрело. У меня же никакого портфолио не было. За неделю я нарисовал где-то семь рисунков, чтобы создать его видимость. Рисовал по одному в день, простым карандашом на листе ватмана.
Персональная работа под названием Hope
Позже принёс это всё режиссёру. Его звали Влад Барбэ (Синдбад. Пираты семи штормов, Снежная королева). Он посмотрел и предложил мне попробовать поработать черновым фазовщиком. Я помню, тогда он обратил внимание на мои листы. Я не отрезал ватман, а сгибал его пополам и разрывал. От этого у всех работ были лохматые края. По-моему, это понравилось режиссёру. А может Влад подумал, что я не парюсь.
Я много работал и недели через две подошёл к менеджеру. Тогда я спросил, нравится ли студии то, что я делаю. Она сказала, что всё нормально, и я уже принят в студию. Вот так случай привёл меня в анимацию.
Расскажи о своей работе над мультфильмом «Князь Владимир». Это была твоя первая крупная работа в мультипликации? Чему она тебя научила?
Это была моя первая работа на должности художника-постановщика. У нас было несколько человек: я, Григорий Лозинский, Виктор Чугуевский и Игорь Олейников. Я в основном отвечал за персонажей (иногда рисовал раскадровки и помогал режиссёру), а Гриша отвечал за фоны.
Мой друг-художник Андрей Добрунов, с которым мы работали на одном отменённом проекте, предложил мне новую работу. Не помню точно, почему тот проект закрыли, вроде бы что-то с финансами. Чем-то я ему тогда приглянулся и Андрей сказал мне: «Я хочу, чтобы ты был постановщиком на моём проекте». Я спросил детали и он рассказал как там всё классно, а после прозвучало название — «Князь Владимир».
Кадр из мультфильма «Князь Владимир»
Я был не в восторге. В молодости меня мало интересовали исторические темы, ещё и с религиозной подоплёкой. Я был удивлён выбором истории, она мне казалась не очень интересной. Но потом, после того, как я начал работать над мультфильмом, проснулся интерес.
Персонажей в фильме было много. Да и забавные ситуации возникали постоянно. Например, меня просили нарисовать персонажа и давали описание вроде «это такой крепкий, сильный мужчина с бородой». Потом давали ещё одного и прикладывали ровно такое же описание. И так три или четыре героя. Приходилось придумывать какие-то интересные особенности. Например, бороды разных форм. У кого-то борода торчала вперёд, у кого-то вниз, у кого-то круглая и маленькая. Кто-то был лысый, кто-то с длинными волосами, а у кого-то вообще были косички.
Кадр из мультфильма «Князь Владимир»
В общем, придумывать это всё было очень интересно, и сама работа в процессе стала радовать. Работали мы довольно долго, и много чего менялось. Сначала все персонажи были довольно религиозного вида. Потом было сложно придумать самого Владимира — он очень долго не получался.
Он, как персонаж, тогда был слишком вычурный, не получалось переложить его характер. Меня попросили рисовать компоновки и там была одна сцена, где Владимир скачет на лошади и случайно падает лицом в грязь. Именно в этот момент я понял, каким он должен быть. Владимир — не икона. Он в первую очередь — человек.
Кадр из мультфильма «Князь Владимир». Герой нарисован по дизайнам Андрея Рябовичева
Позже, во время работы над «Князем Владимиром» мы вообще решили отказаться от такой серьёзной стилистики и перешли к мультяшности. Хотя даже после этого нам казалось, что наш проект ближе к реализму. Особенно в сравнении с диснеевскими мультфильмами.
Мы работали над Князем Владимиром шесть лет, хоть и с перерывами. На моей памяти это самый долгий проект. Помню, как мы с женой сидели в кинотеатре и оба просто рыдали на эмоциональных моментах, с выдохом. Радовались, что работа наконец закончилась.
Так как это была большая студия, параллельно мы работали ещё над несколькими проектами, в том числе — над рекламой. Там у меня как раз и получилось немного поработать режиссёром.
Как ты попал в киноиндустрию? Долго ли пришлось работать, чтобы стать востребованным концепт-художником в Голливуде?
У меня был знакомый, который спросил, можно ли мой сайт порекомендовать западным художникам, чтобы обменяться знаниями. Я согласился, и ко мне стали приходить разные люди со всего мира, многие — довольно известные.
Одним из таких людей был Ули Мейер. Он жил в Лондоне, и у него была своя художественная студия. Ули тогда занимался рекламой и иногда фильмами. Среди его проектов — гибрид живого кино и мультфильма — «Космический Джем». Там мультяшки в тандеме с Майклом Джорданом играли в баскетбол против инопланетян. Ули делал дизайны этих самых инопланетян и работал над анимацией.
Анимационные сториборды Ули Мейера для мультфильма «Шерлок Гномс»
Я тогда ещё жил в России с семьёй, и Ули предложил мне новую работу в Англию. Я согласился, переехал, и Ули подкинул мне несколько реклам на первое время, а потом порекомендовал меня через знакомого в MPC. Они со мной связались и предложили работу в «Человеке-волке».
Концепт-арт трансформации для фильма «Человек-волк»
Первое время было сложно. Всё в новинку. Они работали на Linux, потому что он был бесплатным. Но мне приходилось работать и в Windows из-за Photoshop. Плюс у меня язык был не очень, и я тормозил конкретно. Первую неделю я рисовал кое-как.
А потом началась вторая неделя, и я доделал свой концепт. Супервайзер Гарри Брознич подошёл ко мне и сказал, что это хит. Позже он привёл с собой всю группу — супервайзера-аниматора и остальных. Они стали смотреть, обсуждать.
Ранний концепт персонажа для фильма «Седьмой сын»
В общем, из-за того, что я попал в концепт, меня оставили, и я рисовал дальше, пока не кончился контракт. Потом было затишье (связей было мало), а затем снова написали из MPC. Я с ними ещё поработал и так постепенно вошёл в студию. Так я и стал художником для кино.
А востребованность в первую очередь зависит от связей. Когда я уезжал из России, то уже был востребованным художником. Одна хорошая работа начинает привлекать другую, и они копятся. Однако, когда я перебрался в Англию, пришлось начинать с нуля. Никто обо мне не знал, а работы в портфолио были сплошь анимационные. Там они особо никого не интересовали. Сначала я привыкал к жизни в другой стране, потом стал обрастать связями и потихоньку люди стали обращаться ко мне всё чаще и чаще.
Концепт-арт существа для фильма «Гнев Титанов»
Когда ты молодой — у тебя много энергии, но она не сфокусирована. Тебе надо успеть сходить на вечеринку, встретиться с друзьями, попить пива, познакомиться с девушкой и так далее. У тебя нет фокуса на карьере. Однако когда ты уже более взрослый — у тебя нет этого распыления. Ты знаешь как, что делать и сколько времени это займёт, но у тебя меньше страсти. Ты уставший, но компенсируешь это фокусом.
Что посоветуешь молодым концепт-художникам, желающим начать карьеру в большом кино?
Всем молодым художникам нужно приготовиться много работать. Нужно учиться быть открытым человеком и воспринимать людей такими, какие они есть. Это очень важное качество. Часто встречаются хорошие художники с плохими навыками коммуникации. Они не умеют общаться. Это плохо.
Ещё нужно быть терпеливым. Например, я работаю в индустрии с 1991 года, то есть около тридцати лет. Это довольно большой срок. Некоторые люди быстрее находят себя и становятся востребованными художниками, будучи гораздо моложе. Каждый — индивидуально.
Набор разных зарисовок и концептов
Самое главное — верить в себя и любить то, что делаете. Не нужно работать с неохотой. Люди это почувствуют, глядя на ваши работы. Если у вас нет интереса — найдите возможность его обрести. Сделайте персональную работу или проект. Замутите что-нибудь этакое. Тогда вы полюбите то, что делаете.
Нужно делать хорошо, набираться опыта и ждать. Нет ничего невозможного.
Ты работал над франшизой о Гарри Поттере, в частности над последними двумя фильмами. Расскажи об опыте создания концептов для такой большой вселенной. Как происходил процесс? Трудно ли было работать над картинами с уже сформированным стилем и богатым бэкграундом?
Обычно заказчик берёт куски будущего фильма и раскидывают их между двумя-тремя VFX-компаниями. Так, Framestore делает одну часть, MPC делает другую, а DNEG (Double Negative) — третью. Например, в одном месте надо добавить фоны, а в другом — сделать трансформацию персонажа.
Концепт-арт к фильму «Гарри Поттер и Дары Смерти. Часть 2»
На Дарах Смерти я работал над сценой, где персонажи выпивали сок и превращались в Гарри Поттера. Я делал этот эпизод чуть ли не два месяца и каждый день смеялся, потому что сам процесс был веселым. Когда совмещаешь разные лица получаются забавные гибриды. Мешаешь часть одного актёра, потом часть другого и получается смешной результат. Смотришь — вроде Гарри, а вроде не Гарри.
Потом я делал дизайны гигантов из фильма. Тогда я в первый раз открыл для себя технику фотобаша. Только мы долго не могли понять, как сделать этих гигантов, вернее их головы. Выбирали между полноценным VFX и резиновыми масками.
Концепт-арт к фильму «Гарри Поттер и Дары Смерти. Часть 2»
С помощью VFX можно легко сделать разные увечья, шрамы, кому-то даже пол головы снести. Однако сделать такие вещи с помощью резины и костюмов гораздо сложнее. Можно было выбрать вариант с набором массы, когда на человека надевают огромную резиновую маску, а потом часть срезают.
На «Гарри Поттере» я старался работать с увлечением. Мне нравились эпизоды, над которыми я трудился. Некоторые дизайны титанов попали в артбук. Они же висят в музее Гарри Поттера.