что такое русский импрессионизм
Что такое русский импрессионизм
Импрессионизм появился во Франции, но только лишь Францией его распространение не ограничилось. Приход к импрессионизму был естественным этапом развития всех западных школ: в ответ на довлеющий академизм художники обращались к работе с формой, экспериментировали с живописной передачей света и цвета. Мировой импрессионизм как явление — это совокупность его национальных вариантов. Можно говорить об испанском и британском, скандинавском и немецком, американском и русском импрессионизме, каждый из которых похож и не похож на французский.
В отечественной истории искусства не найдется мастера, который оставался бы верен импрессионизму на протяжении всей жизни и мог бы быть безоговорочно назван импрессионистом. Вместе с тем импрессионизмом «переболели» едва ли не все русские живописцы рубежа XIX–XX веков. Изучение его находок обогащало палитру и раскрепощало руку, меняло видение навсегда. Константин Коровин писал, что стремится передать «трепет и шум листьев», «ноты-звуки природы, света, солнца». Валентин Серов заявлял: «Пусть будет красиво написано, а что написано, нам неинтересно».
Однако импрессионистические работы встречаются не только у тех, чьи имена напрямую ассоциируются с импрессионизмом. Пробовали себя в импрессионизме и Борис Кустодиев, и Виктор Борисов-Мусатов, и Константин Юон, и Николай Богданов-Бельский, и даже Илья Репин, который на словах новые течения отвергал и писал в их адрес обличающие статьи.
Позднее, в XX столетии, импрессионизм наравне с сезаннизмом, кубизмом, футуризмом воспринимался самими художниками как необходимая ступень обучения, благодаря которой «все ограмотились», как называл это Кузьма Петров-Водкин. Все виднейшие авангардисты — Михаил Ларионов, Наталия Гончарова, Казимир Малевич, Василий Кандинский — прошли через увлечение импрессионизмом.
Вопреки расхожему мнению о том, что советская живопись была представлена исключительно социалистическим реализмом, после 1917 года импрессионизм никуда не исчез, хотя, конечно, его присутствие на выставках зачастую было невозможно. Одни, как Александр Герасимов и Дмитрий Налбандян, ухитрялись создавать импрессионистические полотна одновременно с заказными портретами партийной элиты. Другие были вынуждены скрываться: им отказывали в выставках, их преследовали за «формализм». Например, советский лирик Юрий Пименов сам себя называл «реалистическим импрессионистом»: каждая его картина была талантливо пойманным мгновенным впечатлением.
Импрессионизм появился во Франции, но только лишь Францией его распространение не ограничилось. Приход к импрессионизму был естественным этапом развития всех западных школ: в ответ на довлеющий академизм художники обращались к работе с формой, экспериментировали с живописной передачей света и цвета. Мировой импрессионизм как явление — это совокупность его национальных вариантов. Можно говорить об испанском и британском, скандинавском и немецком, американском и русском импрессионизме, каждый из которых похож и не похож на французский.
В отечественной истории искусства не найдется мастера, который оставался бы верен импрессионизму на протяжении всей жизни и мог бы быть безоговорочно назван импрессионистом. Вместе с тем импрессионизмом «переболели» едва ли не все русские живописцы рубежа XIX–XX веков. Изучение его находок обогащало палитру и раскрепощало руку, меняло видение навсегда. Константин Коровин писал, что стремится передать «трепет и шум листьев», «ноты-звуки природы, света, солнца». Валентин Серов заявлял: «Пусть будет красиво написано, а что написано, нам неинтересно».
Однако импрессионистические работы встречаются не только у тех, чьи имена напрямую ассоциируются с импрессионизмом. Пробовали себя в импрессионизме и Борис Кустодиев, и Виктор Борисов-Мусатов, и Константин Юон, и Николай Богданов-Бельский, и даже Илья Репин, который на словах новые течения отвергал и писал в их адрес обличающие статьи.
Позднее, в XX столетии, импрессионизм наравне с сезаннизмом, кубизмом, футуризмом воспринимался самими художниками как необходимая ступень обучения, благодаря которой «все ограмотились», как называл это Кузьма Петров-Водкин. Все виднейшие авангардисты — Михаил Ларионов, Наталия Гончарова, Казимир Малевич, Василий Кандинский — прошли через увлечение импрессионизмом.
Вопреки расхожему мнению о том, что советская живопись была представлена исключительно социалистическим реализмом, после 1917 года импрессионизм никуда не исчез, хотя, конечно, его присутствие на выставках зачастую было невозможно. Одни, как Александр Герасимов и Дмитрий Налбандян, ухитрялись создавать импрессионистические полотна одновременно с заказными портретами партийной элиты. Другие были вынуждены скрываться: им отказывали в выставках, их преследовали за «формализм». Например, советский лирик Юрий Пименов сам себя называл «реалистическим импрессионистом»: каждая его картина была талантливо пойманным мгновенным впечатлением.
Не только «Девочка с персиками»: что нужно знать о русском импрессионизме
Знаменитая картина Валентина Серова по праву считается одним из главных произведений русского импрессионизма — но далеко не единственным. Художник написал ее через год после того, как во Франции прошла последняя независимая выставка представителей этого течения. О появлении нового стиля в России, его особенностях и мастерах, на которых стоит обратить внимание, рассказывает специалист выставочного отдела Музея русского импрессионизма, искусствовед Анна Скляревская.
До 10 января 2021 года в музее можно увидеть выставку работ Сергея Виноградова, художника и арт-консультанта из круга московской творческой интеллигенции, оказавшего большое влияние на расстановку сил в истории отечественного искусства.
искусствовед, специалист выставочного отдела Музея русского импрессионизма
Часть 1. Предыстория: с чего всё началось
Париж, 1874 год
Родиной импрессионизма стала Франция — на тот момент главный художественный центр Европы. Точкой отсчета в истории нового стиля можно считать 1874 год. Тогда в мастерской фотографа Надара на бульваре Капуцинок в Париже прошла первая выставка импрессионистов. Сами живописцы проводили ее от имени Анонимного общества художников, но с легкой руки одного из критиков за участниками закрепилось название «импрессионисты».
Камиль Писсарро. Городской парк в Понтуазе. 1873. Государственный Эрмитаж. Картина экспонировалась на I выставке импрессионистов. Источник
Представители нового стиля начали писать свои картины не в мастерских, а на пленэре, то есть на открытом воздухе, — чтобы передать свежие впечатления от конкретного момента. Так их полотна наполнились светом и воздухом, а поверхность холста превратилась в рельефный слой из отдельных разноцветных мазков.
Французской публике было нелегко принять эти новшества. Импрессионистов называли безумцами, над ними насмехались, их критиковали. Однако постепенно появлялись и ценители работ Моне, Ренуара, Сислея и их единомышленников.
Тем временем в России
Пока во Франции публика знакомилась с новым стилем, в России проходила третья выставка передвижников. Их творческие интересы были принципиально иными. Члены «Товарищества» выбрали своим основным методом критический реализм. Они писали картины на сюжеты из русской истории, на портретных полотнах чаще всего изображали писателей, и даже пейзажи приобретали социальный подтекст.
Григорий Мясоедов. Земство обедает. 1872. Государственная Третьяковская галерея. Картина экспонировалась на II выставке передвижников. Источник
На протяжении 1870–80-х годов передвижники остаются главной силой в русском искусстве. Однако постепенно вырастает молодое поколение художников, для которых прежние идеалы становятся неинтересны. Они хотят писать по-другому — отрадно и свежо.
Импрессионизм в России возникает в конце 1880-х годов во многом как реакция на передвижничество. Лидерами молодых художников оказались Валентин Серов и Константин Коровин. Последний так сформулировал свою эстетическую позицию:
«Моей главной, единственной, непрестанно преследуемой целью в искусстве живописи всегда служила красота, эстетическое воздействие на зрителя, очарование красками и формой. Никогда никому никакого поучения, никогда никакой тенденции, никакого протоколизма. Живопись, как музыка, как стих поэта, всегда должна вызывать в зрителе наслаждение. Художник дарит зрителя только прекрасным».
Более раннее по времени создания письмо Ильи Репина, одного из главных членов Товарищества передвижников, адресованное в действительности Крамскому, выглядит как ответ Коровину:
«Вы говорите, что нам надо двинуться к свету, к краскам. Нет. И здесь наша задача — содержание. Лицо, душа человека, драма жизни, впечатления природы, ее жизнь и смысл, дух истории — вот наши темы, как мне кажется; краски у нас — орудие».
Из этих высказываний видно, в чём заключались разногласия двух поколений художников. Для передвижников в искусстве главным были содержание картины, ее пафос и суть, а не форма. Художники-импрессионисты, наоборот, увлекаются внешней стороной и интересуются живописью ради живописи. Для них форма становится полноценным содержанием.
Часть 2. Друзья-первопроходцы: Серов и Коровин
Валентин Серов и Константин Коровин не только главные и самые известные представители нового течения в России. Они были первыми, в чьем творчестве импрессионистические поиски проявились наиболее полно и последовательно.
Знаковой работой Серова стала «Девочка с персиками», написанная двадцатидвухлетним художником в 1887 году. В чём же заключалась непривычная новизна этого портрета, который сегодня кажется классическим искусством? Необычной была композиция. Окно — мощный источник света — находится за спиной у портретируемой, и солнечные лучи, льющиеся из него, заполняют пространство картины. Белые блики и рефлексы видны везде: на одежде, волосах и лице девочки, на стульях, персиках и ноже. В запечатленном моменте красота декоративной тарелки на стене и натюрморта на столе оказывается для художника не менее интересной, чем сама героиня.
Николай Ярошенко. Портрет М. Е. Салтыкова-Щедрина. 1886. Мемориальный музей-усадьба художника Н. А. Ярошенко. Источник 
Валентин Серов. Девочка с персиками. 1887. Государственная Третьяковская галерея. Источник
Чтобы увидеть, насколько далеко Серов отошел от традиционных реалистических канонов, достаточно сравнить его картину с любым из портретов, экспонировавшихся на XV выставке передвижников, которая проходила в 1887 году — тогда же, когда была написана «Девочка с персиками». Одной из таких работ был портрет Салтыкова-Щедрина кисти Ярошенко: нейтральный темный фон, сдержанный костюм, сосредоточенное внимание на лице задумавшегося писателя, тогда уже боровшегося с тяжелой болезнью. Показательно и то, что эта картина названа по имени изображенного, а моделью выступает знаменитый литератор. Серов же пишет дочь Саввы Мамонтова — девочку из круга своего общения, и ее имя в название работы не вошло.
Художник умер рано — в 1911 году, в возрасте 46 лет. За свою жизнь он успел создать множество разнообразных импрессионистических работ. Его стиль со временем менялся. Некоторые из поздних полотен мастера свидетельствуют об увлечении Серова модерном. Например, в «Портрете Иды Рубинштейн» и в «Похищении Европы» заметны упрощение форм и сдержанный колорит, построенный всего на нескольких цветах.
В отличие от Серова, Константин Коровин был верен импрессионизму всю свою жизнь и другими стилями не увлекался. Он намного пережил друга и умер в 1939-м. На своем «Портрете хористки» в качестве даты художник указал 1883 год, а на обороте картины добавил, что «Серов еще в это время не писал портретов», — намекая на «Девочку с персиками» (1887) и «Девушку, освещенную солнцем» (1888) и подчеркивая, что он первый полноценно освоил импрессионистические приемы живописи. Однако специалисты Третьяковской галереи провели исследование и пришли к заключению, что «Портрет хористки» был создан в 1887 году, одновременно с самой известной картиной Серова. А надпись на обороте Коровин добавил, скорее всего, уже в 1922-м, после смерти друга, во время подготовки своей персональной выставки.
Константин Коровин. Портрет хористки. 1887. Государственная Третьяковская галерея. Источник
На родине импрессионизма, во Франции, Коровин впервые оказался всё в том же 1887 году. Позже художник неоднократно возвращался в Париж, а с 1922-го до конца своих дней жил там в эмиграции. О первом знакомстве с городом и его живописью Коровин вспоминал:
«Так вот они, французы. Светлые краски, вот это так… Много и такого, что и у нас, но что-то есть еще и совсем другое. И импрессионисты… — у них нашел я всё то самое, за что так ругали меня дома, в Москве».
Как и многие французские импрессионисты, Коровин создал целую серию пейзажей Парижа в 1900–20-х годах.
Часть 3. Кто еще?
Кроме прославленных Валентина Серова и Константина Коровина, в России конца XIX — начала XX века в том же стиле работали многие, менее известные сегодня, мастера. Увлечение импрессионизмом было характерно для членов Союза русских художников — объединения, существовавшего с 1903 по 1923 год. За это время его участники провели в Москве 18 выставок своих работ. Один из критиков писал о них:
«Устремились русские художники на лоно природы, спешили вынести мольберты под открытое небо. Это была пора радостного волнения и лихорадочной работы. Ко всему, что изображали, художники подходили лишь с двумя критериями: имя первому было — „живописность“, второму — „русскость“».
И если последнюю участники объединения унаследовали от передвижников, то «живописность» свидетельствовала об их приверженности новому течению. Соединив эти два ингредиента, члены творческой группы в полной мере сформировали черты русского импрессионизма. Они любили писать виды родной природы, включая зимние пейзажи, интерьеры дворянских усадеб, их обитателей и узнаваемые народные типы.
Игорь Грабарь. Весенний ветер. 1905. Пермская государственная художественная галерея. Источник
Станислав Жуковский. Интерьер комнаты. 1910–20-е. Музей русского импрессионизма. Источник
Сергей Виноградов. У К. А. Коровина. 1907. Нижегородский государственный художественный музей. Источник
В постоянной экспозиции Музея русского импрессионизма представлены работы многих других членов Союза русских художников, просуществовавшего 20 лет и ставшего одним из главных объединений в России начала XX века.
Среди прочего целью этой творческой организации было «содействие распространению произведений русского искусства», и она успешно справлялась с поставленной задачей. Кроме основных выставок, которые проходили в Москве и Петербурге, им удалось провести показы своих работ в Киеве и Казани, а в 1911 году экспозиция была представлена уже на международной площадке, в Риме.
В состав объединения также входили Абрам Архипов, Константин Юон, Аркадий Рылов, Николай Тархов и многие другие художники. Эти имена сегодня не так хорошо известны публике, как сто лет назад, но творчество каждого из них заслуживает зрительского внимания.
Импрессионизм в авангарде
Хотя еще с конца 1880-х годов в России создавались яркие импрессионистические полотна, вплоть до начала XX века этот стиль остается малознакомым и непривычным для русского зрителя. В 1895 году на Французской художественной выставке в Москве Василий Кандинский увидел картину «Стог сена» Клода Моне. Это событие произвело на него неизгладимое впечатление и во многом обусловило его решение стать художником. Кандинский писал, что прежде был знаком только с русской реалистической живописью, а затем рассказывал о работе Моне:
«И вот сразу видел я в первый раз картину. Мне казалось, что без каталога не догадаться, что это — стог сена. Эта неясность была мне неприятна: мне казалось, что художник не вправе писать так неясно. Но что мне стало совершенно ясно — это не подозревавшаяся мною прежде, скрытая от меня дотоле, превзошедшая все мои смелые мечты сила палитры. Живопись открывала сказочные силы и прелесть».
В начале 1900-х годов Кандинский сам вступил в этап импрессионистических поисков, и затем, постепенно меняя свой стиль, пришел к абстрактному искусству.
Василий Кандинский. Морской пейзаж. 1902. Московский музей современного искусства. Источник
Интерес к чистой живописи, ее выразительности — достигаемой за счет цвета, фактуры и других художественных средств — сделал импрессионизм своего рода трамплином для перехода к следующим направлениям в русском искусстве. Неслучайно многие авангардисты на ранних этапах увлекались этим стилем — он открыл для них свободу живописных поисков.
Русский импрессионизм
Особенности импрессионизма и его влияние на русскую живопись
Русский импрессионизм отличается от французского изображением деревенских видов и особенной композицией. Узнаем, почему так вышло и что русские художники все же позаимствовали.
1. Константин Коровин. Пристань в Крыму, 1913
2. Валентин Серов. Девочка с персиками, 1887
3. Игорь Грабарь. Февральская лазурь, 1904
4. Исаак Левитан. Осенний лес, 1886
5. Петр Кончаловский. Архангельск. Корабли в порту, 1903
6. Юрий Пименов. Новая Москва, 1937
Обозначим, почему русский импрессионизм интересно изучать.
👁 Импрессионизм — это красиво. В нем есть то, чего люди ждут от искусства: праздник жизни, наслаждение, пиршество для глаз. Это радует и вдохновляет.
🌍 Импрессионизм зародился во Франции, но захватил весь мир. Импрессионистические приемы прочно вошли в живописный словарь мирового искусства. Интересно разобраться с русским импрессионизмом: чем он отличается от французского, в чем его особенность?
👨🎨 У русского импрессионизма есть собственное лицо. Этому стилю отдали дань многие великие художники из России. Мы сравним, как по-разному они заимствовали стилистические приемы импрессионизма и использовали в своем творчестве.
1. Клод Моне. Впечатление. Восходящее солнце, 1872
2. Клод Моне. Женщина с зонтиком, повёрнутая влево, 1886
3. Пьер Огюст Ренуар. Бал в Мулен де ла Галетт, 1876
4. Пьер Огюст Ренуар. Весенний букет, 1866
5. Альфред Сислей. Городок Вильнёв-ла-Гаренн, 1872
6. Альфред Сислей. Осень: Берег Сены вблизи Буживаля, 1873
Прежде чем выявлять особенности русского импрессионизма, давайте отправимся во Францию и вспомним, что такое французский импрессионизм.
👨🎨 Первая выставка импрессионистов прошла в 1874 году. Выставлялись Клод Моне, Альфред Сислей, Огюст Ренуар и другие. Их искусство долго не признавали, но в итоге они совершили важнейшую революцию в искусстве 19 века.
Вот главные изобретения французского импрессионизма 👇
🌳 Работа на пленэре. В этом им помог технический прогресс: появились краски в тюбиках, которые было удобно брать с собой. Раньше художники максимум делали графические натурные наброски, а потом дорабатывали картину в студии. Работая на природе, импрессионисты увидели, что цвета сильно меняются в зависимости от времени года, погоды, расположения солнца на небе и влажности воздуха.
1. Клод Моне. Две девушки в лодке, 1887
2. Константин Коровин. В лодке, 1888
3. Илья Репин. Бурлаки на Волге, 1870–1873
4. Исаак Левитан. Свежий ветер. Волга, 1895
Импрессионизм — чисто французская история с конкретными временем, местом, именами, общими стилистическими особенностями. Можно ли называть «русскими импрессионистами» художников, работавших с конца 19 века до советских времен, да еще и в разной манере? Что их объединяет?
🚂 Первая выставка импрессионистов прошла в 1874 году. За год до этого в Париж приехали два пенсионера Императорской академии искусств — Василий Поленов и Илья Репин и пробыли там до 1876 года. Репину парижское искусство в целом не понравилось, но импрессионистов он выделял как что-то новое и интересное.
🔜 В это время в России зарождалась школа национального искусства, начиналось движение передвижников. В обществе царили другие настроения: пока французы были готовы любоваться природой, прудами и парижскими кафе, художники в России хотели воспитывать, обучать, менять реальность, которая их не устраивала.
🎨 Перенимать импрессионизм в чистом виде в России было не интересно и не актуально, но к 1880-м он стал влиять на всю школу русской живописи:
▪️ Цвет. Передвижники подняли новые актуальные темы, но поначалу их живопись была достаточно академичной. «Бурлаки на Волге» Репина желтоваты, не чувствуется простора, Волга показана довольно условно. На более поздних пейзажах Левитана Волга уже дышит, есть ощущение живой природы. Палитра осветляется, появляется много белого, новых оттенков.
▪️ Пленэр. У русских художников довольно рано появилось понимание, что природу надо писать на природе. Уже на картине 1871 года «Грачи прилетели» мы видим, что Алексей Саврасов придумал ее не в студии, делал этюды на местности — хотя визуально это еще не импрессионизм. Однако после знакомства с открытиями французских импрессионистов пленэр становится культом и для русских художников.
▪️ Отказ от контуров. Русские художники начали лепить объем цветом, как импрессионисты. При этом если, например, у Моне предмет будто растворяется в пространстве, в русском импрессионизме он остается весомым.
▪️ Этюдность. Русские импрессионисты первого поколения (Коровин, Серов) не работали в классической французской технике — смешение красок на холсте. Однако для них было важно передать ощущение свежести, жизни, «не засушить» своих работ. Поэтому они стремились показать «внутреннюю кухню» художника: как ложится краска, какие остаются следы от кисти. Картины носили этюдный характер, за что поначалу авторов обвиняли в лени: якобы они не хотели доводить начатую работу до конца. Отсюда главный признак русского импрессионизма — картины, похожие на этюды, с длинными, активными, трепетными мазками.
❓ Этюдный подход высветил важную проблему искусствоведения — «non finito», или незаконченности. Если работа выглядит недоработанной, то в какой момент художник может считать ее завершенной? В классической живописи с детальной проработкой полотна такого вопроса не стояло.
🔀 В чем отличие русских импрессионистов:
▪️ Психологизм. В портретах фигура человека, его одежда, интерьер могут быть показаны условно, но лицо всегда сохраняет весомую портретность.
▪️ Деревенский характер. Французский импрессионизм — это или городская жизнь с оживленными улицами и кафе, или прогулки на природе. Русский часто изображает менее динамичные деревенские пейзажи.
▪️ Композиция. Фрагментарных, не академических композиций и как бы случайных ракурсов немного по сравнению с более привычными композициями, особенно на начальных этапах.
🖼 Искусствоведы до сих пор спорят о термине «русский импрессионизм». Как бы то ни было, с 2014 года в Москве работает Музей русского импрессионизма, чьи выставки пользуются неизменным успехом.